TAANTEATRO ECOPERFORMANCE RESIDÊNCIA 2024
28 de janeiro a 11 de fevereiro de 2024

Em 2024, a Taanteatro Companhia retomará sua residência internacional de artes cênicas realizada em São Lourenço da Serra, Brasil, desde 2001!

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Wombed Ones
USA, 2022. 13:18 min

A film by Sandrine Schaefer
Performer: Sandrine Scaefer
Performing cows: Racine, Erica, Alivia, Apple, Green Bean, Murr 

Shooting location
Dairy farm in Vermont, USA.

Synopsis
“Wombed Ones” is a series of actions made with a herd of cows over one week. The artist reads their evolving manifesto on how to approach this more-than-human community. Throughout the week, they translate the manifesto for the herd in a language they might better understand. Developed through an ecofeminist perspective, this work challenges the conceptualization of cows as commodities within the United States agricultural system to reimagine ways for humans and cows to be in relationship.

Bio
Using a site-sensitive approach, the work of Sandrine Schaefer (USA) offers opportunities to gather and proposes ways to share time not accessible elsewhere in life. Sandrine’s work often unfolds in unexpected places, contends with tensions between felt time and measured time, and uses pattern disruption to unlock new possibilities for how space can be occupied. Their most current work celebrates interspecies entanglements by exploring everyday encounters between humans and other-than-human animals in urban wilds and other shared spaces. 
www.SandrineSchaefer.com 

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Wombed Ones (Seres com Ventres)
EUA, 2022. 13:18 min

Um filme de Sandrine Schaefer
Vacas performáticas: Racine, Erica, Alivia, Apple, Green Bean, Murr

Local de filmagem
Fazenda de laticínios em Vermont, EUA.

Sinopse
“Wombed Ones” é uma série de ações feitas com um rebanho de vacas durante uma semana. O artista lê seu manifesto em evolução sobre como abordar essa comunidade mais que humana. Ao longo da semana, eles traduzem o manifesto para o rebanho em um idioma que eles possam entender melhor. Desenvolvido através de uma perspectiva ecofeminista, este trabalho desafia a conceituação de vacas como mercadorias dentro do sistema agrícola dos Estados Unidos para reimaginar maneiras de relacionamentos entre humanos e vacas.

Bio
Usando uma abordagem sensível ao local, o trabalho de Sandrine Schaefer (EUA) oferece oportunidades para reunir e propõe maneiras de compartilhar o tempo não acessível em outras partes da vida. O trabalho de Sandrine frequentemente se desenrola em lugares inesperados, lida com tensões entre o tempo sentido e o tempo medido e usa a ruptura de padrões para abrir novas possibilidades de como o espaço pode ser ocupado. Seu trabalho mais atual celebra os emaranhados interespécies, explorando os encontros cotidianos entre humanos e animais não-humanos em áreas urbanas selvagens e outros espaços compartilhados.

the HEALING
Germany, 2022. 4:39 min

Concept, camera, sound, and edition: Johannes Gerard

Shooting location
Old carpet factory, directors office, Schirgiswalde-Kirschau, Saxony, Germany

Synopsis

Healing is not always painless, can be complex and slow. There can also be setbacks.. The work focus on an individual in a stage of a desired healing process. However it’s not so much a healing of a troubled body, but the healing of a trouble mind and heart. We are in an epoch where we long for healing. But has the healing process even started or do we subconsciously not want any healing at all in the end within troubled societies and threatened social and nature environments .

Bio

Johannes Gerard was born in Cologne, Germany 1959. Studied at School of Printmaking and Design , Cologne, Germany from 1975-1987and at Dun Laogharie School of Art and Design, (IADT) Dublin, Ireland from 1977- 1981.Since 1981 worldwide participation in exhibitions, projects and festivals. 2007 created first Land Art installations. In 2014 first video films and performance pieces. From that year on his work and artistic visions start to focus on interdisciplinary, multi media and collaboration projects.

www.johannesgerard.com

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the HEALING (a CURA)
Alemanha, 2022. 4:39 min

Conceito, câmera, som e edição: Johannes Gerard

Local de filmagem
Antiga fábrica de tapetes, escritório dos diretores, Schirgiswalde-Kirschau, Saxônia, Alemanha

Synopsis

A cura nem sempre é indolor, pode ser complexa e lenta. Também pode haver contratempos. O foco do trabalho é um indivíduo em um estágio de um processo de cura desejado. No entanto, não é tanto a cura de um corpo problemático, mas a cura de uma mente e coração problemáticos. Estamos em uma época em que ansiamos pela cura. Mas o processo de cura já começou ou subconscientemente não queremos nenhuma cura no final em sociedades problemáticas e ambientes sociais e naturais ameaçados?

Bio

Johannes Gerard nasceu em Colônia, Alemanha, em 1959. Estudou na School of Printmaking and Design, Cologne, Germany de 1975-1987 e na Dun Laogharie School of Art and Design, (IADT) Dublin, Ireland de 1977- 1981. Desde 1981 participação mundial em exposições, projetos e festivais. 2007 criou as primeiras instalações Land Art. Em 2014 primeiros filmes de vídeo e peças de performance. A partir desse ano, seu trabalho e visões artísticas passam a se concentrar em projetos interdisciplinares, multimídia e colaborativos.

The Blue Wave Woman
Taiwan, 2022. 10:00 min

Crew 
Director: Chang Ting-Tong, Cast: Huang Chih-Chia, Chen Ciou-Ye, Chien Tzu-Yi , Producer: Wade Ding,  Production Coordinator: Yang Pei-Lin, Director of Photography: Chen Kuan-Yu, 1st Assistant Camera: Chen Wei-Chun, 2nd Assistant Camera: Lin Po-Wu, Production Designer: Chang Ting-Tong, Assistant Art Director: Kang Li-Sheng, Prop Master: Tseng Sheng-Fu, Gaffer: Cheng Te-Shou, Best Boy: Cheng An-Chi, Lighting Technician: Jiang Guan-Sheng, Sound Designer and Mixer: Tak Cheung-Hui, Sound Recordist: Feng Chih-Ming, Recording Assistant, Chen Ting-Ni, Costume Designer: Hikky Chen, Makeup Artist: Hsu Chia-Chun, Makeup Assistant: Chen Mei-Feng, Still Photographer: Liu Che-Chun, Emergency medical technician: Joshua Li, Editor: Tsai Hsuan-Kang, Colorist: Chan Chin-Chia, Research Collaboration, Eunhyun Park, TTC Studios: Ray Wang

Shooting Location 
The Fairy Cave Temple, Keelung City, Taiwan

Synopsis
The Blue Wave Women is a project commissioned by the 3rd Jeju Biennale. It is a video work based on the artist’s research on the Samseonghyeol Shrine and Gimnyeongsagul Cave tales which he aimed to collect samples of multiple traditional folk songs on Jeju Island using locally sourced materials to produce unique musical instruments. By combining the Korean dace and modern dance moves, Chang utilized physical movement to explore the multilayered meaning of “holes” as human origin, birth, and death of a human being through shamanic tales.

Bio
Ting Tong Chang (b.1982, Taipei) lives and works in Taipei, Taiwan, and Santiago de Compostela, Spain. Working across the distinct practices of immersive installation, video and theatre, his transgressive practice co-opts science, technology and history to dissect the world around him. After receiving his MFA at Goldsmiths, University of London in 2011, Chang has exhibited internationally (Museum of NTUE, Taipei Fine Arts Museum, Jeju Biennial, Anyang Public Art Project, Guangzhou Triennial, Taipei Biennial, Yamaguchi Center for Arts and Media, Compton Verney Art Gallery, and Wellcome Trust).

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The Blue Wave Woman (A Mulher OndA Azul)
Taiwan, 2022. 10:00 min

Equipe 
Diretor: Chang Ting-Tong, Elenco: Huang Chih-Chia, Chen Ciou-Ye, Chien Tzu-Yi, Produtor: Wade Ding,  Coordenador de Produção: Yang Pei-Lin, Diretor de Fotografia: Chen Kuan-Yu, 1º Assistente de Câmera : Chen Wei-Chun, 2º Assistente de Câmera: Lin Po-Wu, Designer de Produção: Chang Ting-Tong, Assistente do Diretor de Arte: Kang Li-Sheng, Prop Master: Tseng Sheng-Fu, Gaffer: Cheng Te-Shou, Best Boy: Cheng An-Chi, Técnico de Iluminação: Jiang Guan-Sheng, Designer de Som e Mixer: Tak Cheung-Hui, Gravador de Som: Feng Chih-Ming, Assistente de Gravação, Chen Ting-Ni, Figurinista: Hikky Chen, Maquiador: Hsu Chia -Chun, Assistente de Maquiagem: Chen Mei-Feng, Fotógrafo Still: Liu Che-Chun, Técnico de Emergência Médica: Joshua Li, Editor: Tsai Hsuan-Kang, Colorista: Chan Chin-Chia, Colaboração em Pesquisa, Eunhyun Park, TTC Studios: Ray Wang

Locação d filmagem  The Fairy Cave Temple, Keelung City, Taiwan

Sinopse
The Blue Wave Women é um projeto encomendado pela 3ª Bienal de Jeju. É um trabalho de vídeo baseado na pesquisa do artista sobre os contos do Santuário Samseonghyeol e da Caverna Gimnyeongsagul, com o objetivo de coletar amostras de várias canções folclóricas tradicionais na Ilha de Jeju, usando materiais de origem local para produzir instrumentos musicais exclusivos. Ao combinar a dança coreana e os movimentos da dança moderna, Chang utilizou o movimento físico para explorar o significado multifacetado de “buracos” como origem humana, nascimento e morte de um ser humano por meio de contos xamânicos.

Bio
Ting Tong Chang (1982, Taipei) vive e trabalha em Taipei, Taiwan, e Santiago de Compostela, Espanha. Trabalhando em práticas distintas de instalação imersiva, vídeo e teatro, sua prática transgressiva coopta ciência, tecnologia e história para dissecar o mundo ao seu redor. Depois de receber seu MFA na Goldsmiths, University of London em 2011, Chang expôs internacionalmente (Museum of NTUE, Taipei Fine Arts Museum, Jeju Biennial, Anyang Public Art Project, Guangzhou Triennial, Taipei Biennial, Yamaguchi Center for Arts and Media, Compton Verney Art Gallery e Wellcome Trust).

www.tingtongchang.co.uk

Life in Kayankerny (Documentary)
Sri Lanka, 2023. 7:25 min
Premiere

Director: Dino Balasiri

Shooting location
Kayankerny, Batticaloa District, Eastern Province, Srilanka

Synopsis
The Kayankerni is a Marine Protected Area, located off Kalkudah in Batticaloa District East Coast of Sri Lanka which is home to a high diversity and abundance of marine life including 207 species of fish observed up to date and highly popular among local and foreign visitors for its beautiful unspoiled natural beaches with extremely shallow crystal clear water and exotic coral reefs. This documentary shows how Kayankerni’s biodiversity and community livelihoods evolve over time.

Bio
Dino Balasiri is a filmmaker based in Srilanka and also works as a researcher at the Kayankerny Marine Sanctuary. He studied at the University of Jaffna and graduated in 2018. His short film “Suvanam” (2016)” was selected by film festivals in Bangladesh, Mumbai, and Jaffna.

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Life in Kayankerny (A Vida em Kayankerny) – Documentário
Sri Lanka, 2023. 7:25 min
Estreia

Diretor: Dino Balasiri

Local de filmagem Kayankerny, Distrito de Batticaloa, Província Oriental, Srilanka

Sinopse
O kayankerni é uma Área Marinha Protegida, localizada ao largo de Kalkudah, no Distrito de Batticaloa, Costa Leste do Sri Lanka, que abriga uma alta diversidade e abundância de vida marinha, incluindo 207 espécies de peixes observadas até o momento e altamente populares entre os visitantes locais e estrangeiros por sua belas praias naturais intocadas com águas cristalinas extremamente rasas e recifes de corais exóticos. Este documentário mostra como a biodiversidade Kayankerni e os meios de subsistência da comunidade evoluem ao longo do tempo.

Bio
Dino Balasiri é um cineasta sediado em Srilanka e também trabalha como pesquisador no santuário marinho de Kayankerny. Ele estudou na Universidade de Jaffna e se formou em 2018. Seu curta-metragem “Suvanam” (2016)” foi selecionado por festivais de cinema em Bangladesh, Mumbai e Jaffna.

OTRORA (Once)
Argentina, 2023. 7:51 min
Premiere

Crew
Authors: Florencia Ramón, Ignacio Herrera (Colectivo Camaleone)
Music: Priot Kurek
Guitar: Mario Ramón
Audio: Andrea Franco
Text: Florencia Ramón
Audio-text: Excerpt of the Yoga sutras of Patañjali

Shooting location
Premiá de Mar, Barcelona; Parets del Valles, Spain

Synopsis
A desire slips between dreams. I wake up and bells ring inside the pillow. I silently observe the weeds on my bed and run to the garden to free the chickens. The mind takes the shape of the external object, just as the water that comes out of a reservoir takes the shape of the ditch. The red chair reflected in my mind. Space between sleep and wakefulness. An adored object, weathered wood, a reflection of another time. The chair space to wait. The awaits space to behold. The chair inside me to rest inside. The chair outside of me, to be a witness.

Bio
Florencia Ramón is an Argentine artist. She works at the intersection of visual arts, video, and somatic practices. She studied Visual Arts at the Universidad Nacional de Córdoba, Argentina.She studied dance and martial arts in Italy. She is part of the Colectivo Camaleone. Together with Ignacio Herrera, she developed projects linked to the video installation, on themes of ancestry, body, ritual, landscape, and sustainability. She resides in Barcelona, where she studies dance and Yoga B.K.S Iyengar.
@flo. florenciara

https://florenciaramon.wixsite.com/my-site

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OTRORA
Argentina, 2023. 7:51 min Estreia

Equipe
Autores: Florencia Ramón, Ignacio Herrera (Coletivo Camaleone)
Música: Priot Kurek
Guitarra: Mario Ramón
Áudio: Andrea Franco
Texto: Florencia Ramón
Áudio-texto: Trecho dos Yoga sutras de Patañjali

Local de filmagem
Prêmio de Mar, Barcelona; Parets del Valles, Espanha

Sinopse
Um desejo desliza entre os sonhos. Acordo e sinos tocam dentro do travesseiro. Observo silenciosamente as ervas daninhas na minha cama e corro para o jardim para libertar as galinhas. A mente assume a forma do objeto externo, assim como a água que sai de um reservatório assume a forma de uma vala. A cadeira vermelha refletida em minha mente. Espaço entre o sono e a vigília. Um objeto adorado, madeira envelhecida, reflexo de outro tempo. O espaço da cadeira para esperar. O aguarda espaço para contemplar. A cadeira dentro de mim para descansar dentro. A cadeira fora de mim, para ser uma testemunha.

Bio
Florencia Ramón é uma artista argentina. Ela trabalha na interseção de artes visuais, vídeo e práticas somáticas.cEstudou Artes Visuais na Universidad Nacional de Córdoba, Argentina.cEla estudou dança e artes marciais na Itália. Faz parte do Colectivo Camaleone. Junto com Ignacio Herrera, desenvolveu projetos ligados à videoinstalação, em temas de ancestralidade, corpo, ritual, paisagem e sustentabilidade.
Reside em Barcelona, onde estuda dança e Yoga B.K.S Iyengar.

@flo. florenciara

https://florenciaramon.wixsite.com/my-site

DELIMITATION
Spain, 2022. 5:43 min

Crew
Autora, camera, edição: Jordina Ros, Pere Estadella
Costume and Music: Pol Ros

Shooting location Lanzarote, Canadian Islands, Spain

Synopsis
Man needs to put limits on his space. It is a need to visualize the environment, to control the space in which he moves; a control that can be simply individual, collective, psychological security and power. To set limits to not feel helpless; to control his own life, in his world. To delimit from the inside out, adding symbols and keys in the sacred space that surrounds your life.

Bio
PERE ESTADELLA. Multidisciplinary and performance artist Visual creator and cultural agitator. His projects link visual arts, installations, video art, and performance art and video performance. Expressing the search for social provocation and poetic action. His performance projects have been selected in international festivals in the United States, London, Japan, Mexico, Serbia, Croatia, and India.

JORDINA ROS. Visual artist, performer, video performance, actress, film director, and teacher. Graduated from the Barcelona Theater Institute. Master of Cinematographic Direction and Screenplay. Master in Tools – Visual Art and Action (Barcelona).

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DELIMITATION (DELIMITAÇÃO)
Espanha, 2022. 5:43 min

Equipe
Autora, camera, edição: Jordina Ros, Pere Estadella
Figurino e Música: Pol Ros

Local de filmagem Lanzarote, Ilhas Canadenses, Espanha

Sinopse
O homem precisa colocar limites em seu espaço. É uma necessidade de visualizar o ambiente, de controlar o espaço em que ele se movimenta; um controle que pode ser simplesmente individual, coletivo, segurança psicológica e poder. Estabelecer limites para não se sentir impotente; para controlar sua própria vida, em seu mundo. Para delimitar de dentro para fora, agregando símbolos e chaves no espaço sagrado que envolve sua vida.

Bio
PERE ESTADELLA. Artista multidisciplinar e performático Criador visual e agitador cultural. Seus projetos articulam artes visuais, instalações, videoarte, performance art e videoperformance. Expressando a busca pela provocação social e ação poética. Seus projetos performáticos foram selecionados em festivais internacionais nos Estados Unidos, Londres, Japão, México, Sérvia, Croácia e Índia.
JORDINA ROS. Artista visual, performer, videoperformance, atriz, diretora de cinema e professora. Graduada pelo Instituto de Teatro de Barcelona. Mestre em Direção Cinematográfica e Roteiro. Mestre em Ferramentas – Artes Visuais e Ação (Barcelona).

Migrant Whale
Mexico, 2021. 4:00 min

Crew
Video and art direction: Michelle Urbina

Performer and text: Brenda Urbina
Production: Álvaro Urbina and Adela Bolaños

Shooting location Cuitzeo, Michoacán, Mexico.

Synopsis
Migrant Whale denounces the drought of the Cuitzeo’s Lake, split in two by the construction of a highway. The Urbina Bolaños family, from the Pur’épecha plateau, set out to capture images of this landscape that used to be a lake. The narrative talks about a migrating whale that resolves to trek to survive the drought. Could it be that Cuitzeo’s lake also emigrated to save itself from overgrazing, exploitation, and misuse of its water resources?

Bio

Brenda Urbina is a Mexican actress, researcher, and performer. She has an acting degree (ENAT-INBA MX), and is a PhD student in Performing Arts (PPGAC-UFBA Brazil). She is a member of the Interdisciplinary Research Group in EcoPerformance (GIPE-CORPO).
Michelle Urbina practices photography and film. She has participated in short film festivals and won the first place in the category of young creators from Michoacán 2020.

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Migrant Whale (Baleia migrante)
México, 2021. 4:00 min

Equipe
Direção de arte e vídeo: Michelle Urbina
Performer e texto: Brenda UrbinaProdução: Álvaro Urbina e Adela Bolaños

Local de filmagem
Cuitzeo, Michoacán, México.

Sinopse
Migrant Whale denuncia a seca do lago Cuitzeo, dividido em dois pela construção de uma rodovia. A família Urbina Bolaños, do planalto de Pur’épecha, partiu para captar imagens desta paisagem que outrora foi um lago. A narrativa fala sobre uma baleia migratória que resolve fazer trekking para sobreviver à seca. Será que o lago de Cuitzeo também emigrou para se salvar do pastoreio excessivo, da exploração e do mau uso de seus recursos hídricos?

Bio
Brenda Urbina é uma atriz, pesquisadora e performer mexicana. Ela é formada em atuação (ENAT-INBA MX) e é doutoranda em Artes Cênicas (PPGAC-UFBA Brasil). É membro do Grupo de Pesquisa Interdisciplinar em EcoPerformance (GIPE-CORPO).
Michelle Urbina pratica fotografia e cinema. Ela participou de festivais de curtas-metragens e conquistou o primeiro lugar na categoria de jovens criadores de Michoacán 2020.

one with the flow
India, 2023
Premiere

Crew
Direction, choreography, and performance: Shilpika Bordoloi
Video or DOP: Kamal Musale
Music: Arnab Basistha
Edition: Arindam Neog

Shooting location
Majuli island, Majuli District, Assam, India

Synopsis
Establishing a strong connection between nature, the Self, and the community, this film is about a specific multi-generational knowledge system of a country boat-making process suffering from the climate crisis on an island of the Brahmaputra river in Assam. The film ends with a devotional prayer about the boat as a metaphor for crossing over from this life to the unknown. Against the backdrop of the culture and climate crisis, this work is provoked by a vanishing form of boat construction.

Bio
Shilpika Bordoloi is a choreographer, director, teacher, curator, and performer. She is the founder and Artistic Director of Brahmaputra Cultural Foundation (BCF). Shilpika also works in the pedagogical development of the curriculum of Performing Arts in India. Shilpika has been awarded the Sangeet Natak Akademi Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar for Contemporary/Experimental Dance in India. Currently she is exploring the broad umbrella of Body Wisdom where healing modalities, stage work, screen work and community work intersect in a multi-dimensional way.

one with the flow (unido ao fluxo)
Índia, 2023
Estreia

Equipe
Direção, coreografia, atuação: Shilpika Bordoloi
Vídeo ou DOP: Kamal Musale
Música: Arnab Basistha
Edição: Arindam Neog
Local de filmagem
Ilha de Majuli, distrito de Majuli, Assam, Índia

Sinopse
Estabelecendo uma forte conexão entre a natureza, o Self e a comunidade, este filme é sobre um sistema de conhecimento multigeracional específico de um processo de fabricação de barcos em um país que sofre com a crise climática em uma ilha do rio Brahmaputra em Assam. O filme termina com uma oração devocional sobre o barco como metáfora para a passagem desta vida para o desconhecido. Tendo como pano de fundo a crise cultural e climática, esta obra é provocada por uma forma de construção de barcos em extinção.

Bio
Shilpika Bordoloi é coreógrafa, diretora, professora, curadora e performer. É fundadora e Diretora Artística da Fundação Cultural Brahmaputra (BCF). Shilpika também trabalha no desenvolvimento pedagógico do currículo de Artes Cênicas na Índia. Shilpika foi premiado com o Sangeet Natak Akademi Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar para Dança Contemporânea/Experimental na Índia. Atualmente, ela está explorando o amplo guarda-chuva da Sabedoria Corporal, onde modalidades de cura, trabalho de palco, trabalho de tela e trabalho comunitário se cruzam de maneira multidimensional.

RIO INVISIBLE (INVISIBLE RIVER)
Argentina, 2022. 12:30 min

Crew
Author, performer, sound design and editor: Ines Tillous
Camera: Santiago Moriconi

Shooting location
Chochancharava River, La Carlota, Córdoba, Argentina

Synopsis
Río Invisible arises as an unfolding of my research around the various morpho-hydrological changes that the Chocancharava river and its floodplain have been suffering due to human interventions linked to agribusiness since the 1950s. After a great flood, the construction of a wall that completely surrounds it and its loss as a public space, I carry out the construction of an archive made up of stories and photographs of the La Carlota community in relation to the river. From those stories, I take sentences and try to write them in the water, while swimming.

Bio
Ines Tillous was born in La Carlota, Córdoba, Argentina in 1993. She studied Visual Arts at the Universidad Nacional de Córdoba and at the Federal Fluminense University of Niterói, Rio de Janeiro. As a student, she carried out teaching and work assistance tasks as part of the production team at the Center for Production and Research in Arts (CePIA). In 2022, she was selected to participate in the artist training program at LAVA (Santa Fe) and won the Fondo Nacional de las Artes creative grant. Recently, his work was chosen among the 25 that formed part of the 100 Salón Nacional de Santa Fe.

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RIO INVISIBLE (RIO INVISÍVEL)
Argentina, 2022. 12h30

Equipe
Autora, performer, design de som e editora: Ines Tillous
Câmera: Santiago Moriconi

Local de filmagem
Rio Chochancharava, La Carlota, Córdoba, Argentina

Sinopse
Río Invisible surge como um desdobramento de minha pesquisa em torno das diversas alterações morfo-hidrológicas que o rio Chocancharava e sua várzea vêm sofrendo devido a intervenções humanas ligadas ao agronegócio desde a década de 1950. Após uma grande inundação, a construção de um muro que a envolve completamente e sua perda como espaço público, realizo a construção de um arquivo composto por histórias e fotografias da comunidade La Carlota em relação ao rio. Dessas histórias, pego frases e tento escrevê-las na água, enquanto nado.

Bio
Ines Tillous nasceu em La Carlota, Córdoba, Argentina em 1993. Estudou Artes Visuales na Universidad Nacional de Córdoba e na Universidade Federal Fluminense de Niterói, Rio de Janeiro. Como estudante, desenvolvi tarefas de ajuda em docência e trabalho como parte da equipe de produção do Centro de Produção e Investigação em Artes (CePIA). Em 2022, foi selecionado para participar do programa de formação de artistas de LAVA (Santa Fe) e ganhou a beca de criação do Fondo Nacional de las Artes. Recentemente, seu trabalho foi escolhido entre os 25 que formaram parte do 100 Salón Nacional de Santa Fe.

RAINFALL
Mongolia, 2022. 6:02 min

Crew
Artist: Anunaran Jargalsaikhan
Sound Artist: Bayandalai Tsagaankhaalga
Cinema-photographer and Editor: Suvd-Erdene Jargalsaikhan

Shooting location
Tsagaan Suvarga , Dundgobi province | Tuul river, Ulaanbaatar city, Mongolia

Synopsis
Although my rewinding act ends there, it demonstrates that it naturally originated from there. The Gobi encompasses boundless vastness and gives a sense of spaciousness without thought. The landscape is deserted and arid, yet has a notion of containing immense water within. The performance, which begins with the change of seasons and the act of picking up and collecting snakes floating in the water, appears contradictory, yet it speaks of its nature. The snake represents the world that we don’t know but are able to communicate through our sense of intuition, and it’s named Lus or Naga, the deities of the underworld and waters. This act, which demonstrates nature, its balance, the interrelationship of the universe, human existence, and the endless desire and nature of human beings, exhibits the idea that everything is rewound back at the end.”

Bio
Anunaran.J, born in Ulaanbaatar, Mongolia, is a contemporary artist who has been working on mixed media painting, installation, and performance art. She holds a Bachelor`s degree from the Mongolian University of Arts and Culture in 2009 and a MA degree in 2013. She is a doctoral student in Art history at the National University of Mongolia since 2013. Anunaran.J performed in China, Korea, Japan, Nepal, Russia, France, UAE, Sweden, Belgium, and Germany and held ten solo exhibitions in Korea, Russia, and Mongolia.

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RAINFALL (CHUVA)
Mongólia, 2022. 6:02 min

Equipe
Artista: Anunaran Jargalsaikhan
Artista de Som: Bayandalai Tsagaankhaalga
Cinematógrafo e Editor: Suvd-Erdene Jargalsaikhan

Local de filmagem Tsagaan Suvarga , província de Dundgobi | Rio Tuul, cidade de Ulaanbaatar, Mongólia

Sinopse
“Embora meu ato de rebobinar termine aí, ele demonstra que naturalmente se originou a partir daí. O Gobi abrange vastidão sem limites e dá uma sensação de amplitude sem pensamento. A paisagem é deserta e árida, mas tem a noção de conter imensa água no seu interior. A performance, que começa com a mudança das estações e o ato de pegar e recolher cobras que flutuavam na água, parece contraditória, mas fala de sua natureza. A cobra representa o mundo que não conhecemos, mas somos capazes de nos comunicar através de nosso senso de intuição, e é chamada de Lus ou Naga, as divindades do submundo e das águas. Este ato, que demonstra a natureza, seu equilíbrio, a inter-relação do universo, a existência humana e o desejo infinito e a natureza dos seres humanos, exibe a ideia de que tudo é rebobinado no final.”

Bio
Anunaran.J, nascida em Ulaanbaatar, Mongólia, é um artista contemporâneo que trabalha com pintura em mídia mista, instalação e arte performática. Ela é bacharel pela Mongolian University of Arts and Culture em 2009 e mestre em 2013. Ela é doutoranda em história da arte na National University of Mongolia desde 2013. Anunaran.J se apresentou na China, Coréia, Japão, Nepal, Rússia, França, Emirados Árabes Unidos, Suécia, Bélgica e Alemanha e realizou dez exposições individuais na Coréia, Rússia e Mongólia.

Mother Nature
Congo, 2020. 8:18 min

Artists: Primo Jasmin, Agnes SIFA

Shooting Location: Goma, Democratic Republic of Congo

Synopsis:
Disgusted with the already deplorable behavior of human beings towards their natural environment), NURU, a young woman citizen of the planet with an overflowing imagination, decides to paint herself motor oil which she uses as a metaphor to pass the message to the next generation.

Bio
Maisha Maene is a Congolese screenwriter and director based in Goma, Democratic Republic of the Congo. As an Afrofuturist artist, he works on issues of human rights and the environment. As well as various collaborative projects, Maisha has written and directed five short films. Mother Nature won a jury prize at Sustainability International Short Film Competition in North Carolina and was selected to several festivals.

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Mother Nature (Mãe Natureza)
Congo, 2020. 8:18 min

Artistas: Primo Jasmin, Agnes SIFA

Local de filmagem Goma, República Democrática do Congo

Sinopse
Desgostosa com o já deplorável comportamento do ser humano para com sua natureza (meio ambiente), NURU, uma jovem cidadã do planeta com uma imaginação transbordante, resolve se pintar com óleo de motor que usa como metáfora para passar o recado ao próximo geração.

Bio
Maisha Maene é uma roteirista e diretora congolesa baseada em Goma, República Democrática do Congo. Como artista afrofuturista, trabalha com questões de direitos humanos e meio ambiente. Além de vários projetos colaborativos, Maisha escreveu e dirigiu cinco curtas-metragens. A Mãe Natureza ganhou um prêmio do júri no Sustainability International Short Film Competition na Carolina do Norte e foi selecionada para vários festivais.

Precious Balance Walk
Sweden, Denmark, Finland, Venezuela, 2020. 13:24 min

Crew
Directors: Felicia Konrad, Johan Haugen/I Still Live in Water
Performance Artists: Lisa Nyberg, Erik Högström Joakim Stampe (Sweden), Meri Nikula (Finland), Ignacio Péréz Pérez (Finland/Venezuela) Elena Lundquist Ortiz (Denmark)
Cinematographer: Benjamin Zadig
Camera Assistants: Anna Åhlander, Linnea Sparén
Sound Design: David Gülich
Editor: Sascha Fülscher
Music: David Carlsson, Felicia Konrad, Mats Persson
Mentor: Film directorJenifer Malmqvist
Producer: I Still Live in Water/Tangram Film
Support: Nordic Culture Fund, BoostHbg, Filmcentrum Syd,
Marine Knowledge Center Malmö

Shooting location
The Sound, Malmo, Sweden, between bridges 1 and 2 at Ribersborg city beach, Malmö.

Synopsis
6 Nordic Performance Artists invited to perform in and with water in The Sound/Öresund, Ribersborgs Beach, Malmö, Sweden. The intention of the film is to create an immediate sense of affinity with water and to awaken impulses and inspiration to explore the fact that our bodies are composed of water and that we live in a hydrosphere. And remind us of how precious water is, and that we need to protect water.

Bio
Precious Balance Walk is made by the intuitive art project I Still Live in Water, Felicia Konrad and Johan Haugen, Malmö, Sweden, working with water, creating in the creation and creating together with creation. It is a living-learning process at the same time as it is an art project, to grow and express a human identity that connects, sense, explore and expand in being creatures of water, a part of the hydrosphere. Interactivity and collaborations are a red thread, working with interactive performance, sound pieces, photo, film, and workshops.
www.istillliveinwater.com

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Precious Balance Walk (Preciosa Caminhada de Equilíbrio)
Suécia, Dinamarca, Finlândia, Venezuela, 2020. 13:24 min

Equipe
Direção: Felicia Konrad, Johan Haugen/Ainda Vivo na Água
Performers: Lisa Nyberg, Erik Högström Joakim Stampe (Suécia), Meri Nikula (Finlândia), Ignacio Péréz Pérez (Finlândia/Venezuela) Elena Lundquist Ortiz (Dinamarca)
Direção de Fotografia: Benjamin Zadig
Assistentes de câmera: Anna Åhlander, Linnea Sparén
Design de som: David Gülich
Editor: Sascha Fülscher
Música: David Carlsson, Felicia Konrad, Mats Persson
Mentor: Diretora de cinema Jenifer Malmqvist
Produção: I Still Live in Water/Tangram Film
Apoio: Nordic Culture Fund, BoostHbg, Filmcentrum Syd, Marine Knowledge Center Malmö

Local de filmagem
The Sound, Malmo, Suécia, entre as pontes 1 e 2 na praia da cidade de Ribersborg, Malmö.

Sinopse
6 Nordic Performance Artists convidados a atuar dentro e com água em The Sound/Öresund, Ribersborgs Beach, Malmö, Suécia. A intenção do filme é criar uma sensação imediata de afinidade com a água e despertar impulsos e inspiração para explorar o fato de que nossos corpos são compostos de água e que vivemos em uma hidrosfera. E lembre-nos de como a água é preciosa e de que precisamos protegê-la.

Bio
Precious Balance Walk é feito pelo projeto de arte intuitivo I Still Live in Water, Felicia Konrad e Johan Haugen, Malmö, Suécia, trabalhando com água, criando na criação e criando junto com a criação. É um processo de aprendizado vivo ao mesmo tempo que é um projeto de arte, para crescer e expressar uma identidade humana que conecta, sente, explora e se expande por ser criaturas aquáticas, parte da hidrosfera. Interatividade e colaborações são um fio condutor, trabalhando com performance interativa, peças sonoras, foto, filme e oficinas.

Weightless
Iran, 2022. 2:08 min
Premiere

Video artist: Rose Ansari

Shooting location: Caspian Sea, Iran

Synopsis
Single-Channel Video Art. This video is an illustration of conscience. A conscience that does not find peace and quiet in the waves. While struggling to maintain its identity, it floats in a situation devoid of time and place. It encourages the audience to imagine a personal world. As a result, a solid and stable element is placed on an ocean floor that is unpredictable, unstable, and changing. There is an infinite horizon line, and the waves continuously move the cube.

Bio
Rose Ansari is an Iranian multidisciplinary artist. She attended Alzahra University of Tehran for her BFA and School of the Art Institute of Chicago to earn her MFA degree in Art & Technology Studies.

Website

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Weightless (Sem Peso)
Irã, 2022. 2:08 min
Estreia

Artista: Rose Ansari

Local de filmagem: Mar Cáspio, Irã.

Sinopse
Arte em vídeo de canal único. Este vídeo é uma ilustração de consciência. Uma consciência que não encontra paz e sossego nas ondas. Enquanto luta para manter sua identidade, flutua em uma situação sem tempo e lugar. Encoraja o público a imaginar um mundo pessoal. Como resultado, um elemento sólido e estável é colocado em um fundo oceânico que é imprevisível, instável e mutável. Existe uma linha de horizonte infinita e as ondas movem continuamente o cubo.

Bio
Rose Ansari é uma artista multidisciplinar iraniana. Ela frequentou a Alzahra University of Tehran para seu BFA e a School of the Art Institute of Chicago para obter seu diploma de MFA em Estudos de Arte e Tecnologia.

YAGORIA
Romenia, 2022. 13:02 min

Crew
Concept, choreographer, performer: Alina Tofan
Cinematography: Gabriel Durlan
Editor: Alexandru Claudiu Maxim
Performer: Maria Mora, Aigul Cheosep, Răzvan Omotă
Music: Manuela Marchiș
Costume & prop design: Georgiana Vlahbei, Ecaterina Colasîz
Colorization: Răzvan Leucea
Produced by (C) Plastic Art Performance Collective 2022 / Macaia Association

Shooting location
Urban Delta of Văcărești (Natural Park Văcărești) – Bucharest, Romania; Ulmet Trovants – Bozioru, Buzău county, Romania; Snagov forest, Ilfov county, Romania

Synopsis
YAGORIA is an ecopoetic statement on the current collective relationship with the environment. It explores themes of abusive deforestation, plastic waste & pollution, challenging the dominating anthropocentric view.
Sourcing the mythopoetic figure of protector Baba Yaga, rooted in local traditions of apotropaic practices and built on references to eco-spirituality and deep ecology, Yagoria reclaims Ritual as a means to re-establish a more profound and reflexive relationship with the “interconnected real”.
Three settings – the Urban Delta of Bucharest; Ulmet geomorphological site of Trovants and exploited Snagov forest (in Romania) – become sites of tension between pristine/natural systems and human intervention, where the body acts as a territory for the inter-dance between equilibrium and disruption.

Bios
Alina Tofan is a multidisciplinary artist, actress & ecoperformer, and co-creator of Plastic Art Performance Collective. She is a Visual Art PhD student at the National University of Arts Romania.
Alexandru Claudiu Maxim is a visual artist and video editor, engaged in new media formats and immersive exhibitions.
Gabriel Durlan is a director, screenwriter, editor, and photographer. He graduated in Film Directing and has a Documentary Filmmaking MA.
Georgiana Vlahbei is a visual creator and researcher operating in-between eco- and ethnosphere, co-founder of Plastic Art Performance Collective.

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YAGORIA
Romênia, 2022. 13:02 min

Equipe
Concepção, coreógrafo, performer: Alina Tofan
Fotografia: Gabriel Durlan
Editor: Alexandru Claudiu Maxim
Intérprete: Maria Mora, Aigul Cheosep, Răzvan Omotă
Música: Manuela Marchiş
Figurino e adereços: Georgiana Vlahbei, Ecaterina Colasîz
Colorização: Răzvan Leucea

Local de filmagem
Delta Urbano de Văcărești (Parque Natural Văcărești) – Bucareste, Roménia; Ulmet Trovants – Bozioru, Condado de Buzău, Romênia; Floresta Snagov, Condado de Ilfov, Romênia

Sinopse
Yagoria é uma declaração ecopoética sobre a relação coletiva com o meio ambiente, Yagoria chama a atenção sobre o desmatamento abusivo, o lixo plástico e a poluição. Reinstaurando a figura de Baba Yaga e inspirando-se nas tradições locais de práticas apotropaicas e ecoespiritualidade, Yagoria recupera o Ritual como meio de restabelecer uma relação mais profunda e reflexiva com o “real interconectado”. Explora três locais de tensão entre sistemas prístinos/naturais e a intervenção humana abusiva, onde o corpo atua como um território para a inter-dança entre o equilíbrio e a ruptura.

Bios
Alina Tofan é uma artista multidisciplinar, atriz e ecoperformer, e co-criadora do Plastic Art Performance Collective. Ela é uma estudante de doutorado em Artes Visuais na Universidade Nacional de Artes da Romênia.
Alexandru Claudiu Maxim é artista visual e editor de vídeo, engajado em novos formatos de mídia e exposições imersivas.
Gabriel Durlan é diretor, roteirista, montador e fotógrafo. Formou-se em Direção de Cinema e tem um mestrado em Documentário.
Georgiana Vlahbei é uma criadora visual e pesquisadora que opera entre a eco e a etnosfera, cofundadora do Plastic Art Performance Collective.

BIRTH
Belgium, 2022. 13:26 min
Premiere

Crew
Concept and performance: Rebecca Lenaerts
Camera and editing: Sophie Vanhomwegen
Sound: Atom™ (excerpts from ‘Texturen’)
Text: ‘An Algorithmic Odyssey’ (excerpt) by X1N

Shooting location GC De Kriekelaar, black box theaterspace in Brussels.

Synopsis
Birth is a video work based on filmed footage from a handmade feather cloak by Rebecca Lenaerts. The texture and movement of the feathers melt together with the visceral handcrafted digital sound of Atom™ and the poetic imagery of Sophie Vanhomwegen. The viewer is transported by the friction between the digital and nature, between observation and imagination, and between the tactile and the visceral.

Bio
Rebecca Lenaerts is a Belgian artist, working and living in Brussels. Hybridity and the crossover between theatre and other artistic disciplines is a constant in her artistic journey. Strongly inspired by the practice of Japanese Butoh, dance of transformation, she develops work in which she explores her presence and vulnerability in a performative space. Still a bird is her first solo performance in which she allows herself to be a dancer and explores her own Butoh dance.
www.rebeccalenaerts.net

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BIRTH (Nascimento)
Bélgica, 2022. 13:26 min
Estreia

Equipe
Conceito e performance: Rebecca Lenaerts
Câmera e edição: Sophie Vanhomwegen
Som: Atom™ (trechos de ‘Texturen’)
Texto: ‘An Algorithmic Odyssey’ (excerto) por X1N

Local de filmagem GC De Kriekelaar, black box theaterspace in Brussels

Sinopse
Birth é um trabalho de vídeo baseado em imagens filmadas de um manto de penas feito à mão por Rebecca Lenaerts. A textura e o movimento das penas se fundem com o som digital artesanal visceral de Atom™ e as imagens poéticas de Sophie Vanhomwegen. O espectador é transportado na fricção entre o digital e a natureza, entre a observação e a imaginação, entre o táctil e o visceral.

Bio
Rebecca Lenaerts é uma artista belga que vive e trabalha em Bruxelas. A hibridez e o cruzamento entre o teatro e outras disciplinas artísticas é uma constante no seu percurso artístico. Fortemente inspirada pela prática do Butoh japonês, dança da transformação, desenvolve trabalhos em que explora a sua presença e vulnerabilidade num espaço performativo. Still a bird é a sua primeira performance a solo em que se permite ser bailarina e explora a sua própria dança Butoh.
www.rebeccalenaerts.net

Re(de)composition
Colombia, 2022 8:00 min Premiere

Crew
Author and performer: Leonardo Campo
Camera: Carolina Hincapié
Translator Juan Carlos Callejas

Shooting location Moravia, Medellín, Antioquia, Colombia

Synopsis
Since the beginnings of the Moravia neighborhood (Medellin, Colombia), in 1984, when it ceased to be a garbage dump, it is usual to see people or machinery moving construction materials from one side to the other this is always, always building up and deconstructing, transgressing and diverting public space and improvising methods of re-appropriating it to make it their home, turning it into a city composting.

Bio
Leonardo Campo Menco (2000). Art student at the National University of Colombia and member of Lab a-PTSE (Articulating Laboratory of transdisciplinary, sensible, and ecological practices). Art manager La Fuente Art Gallery. Winner of Art and Culture calls from the Mayor’s Office of Medellín and the National Ministry of Culture. He has exhibited his artwork at the House Museum Pedro Nel Gómez, Sala U Contemporary Art, and Cultural Centre Gabriel García Márquez, among others.

https://www.instagram.com/leonardo.campom/

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Re(de)composition (Re(de)composição)
Colômbia, 2022 8:00 min
Estreia

Equipe
Autor e performer: Leonardo Campo
Câmera: Carolina Hincapié
Tradutor: Juan Carlos Callejas

Local de filmagem Moravia, Medellín, Antioquia, Colômbia

Sinopse
Desde os primórdios do bairro Moravia (Medellín, Colômbia), em 1984, quando deixou de ser uma lixeira, é habitual ver pessoas ou máquinas a deslocar materiais de construção de um lado para o outro, isto é, sempre, sempre a construir e a desconstruir, a transgredir e a desviar o espaço público e a improvisar métodos de reapropriação para o tornar a sua casa, transformando-o numa cidade de compostagem.

Bio
Leonardo Campo Menco (2000). Estudante de arte na Universidade Nacional da Colômbia e membro do Lab a-PTSE (Laboratório Articulador de práticas transdisciplinares, sensíveis e ecológicas). Director artístico da Galeria de Arte La Fuente. Vencedor dos prémios de Arte e Cultura da Câmara Municipal de Medellín e do Ministério da Cultura Nacional. Expôs os seus trabalhos na Casa Museu Pedro Nel Gómez, Sala U Arte Contemporânea, Centro Cultural Gabriel García Márquez, entre outros.

ANFITRIÕES (HOSTS)
France, 2022. 5:02 min

Crew
Director, photographer, editor, and sculptures: Marie Hego
Film assistant: Camila Salgado.
Photo-installation models: Alucas Do Trópico Sul, Aurora Black, Cayo Almeida, Gláucia Maciel, Talita Lima.

Shooting location Praia da Reserva, Rio de Janeiro, RJ, Brasil

Synopsis
“Anfitriões” (Hosts) is an installation at the beach animated by waves and wind. The work activates the cultural and spiritual dimensions of the beach in Rio de Janeiro, immersing the viewer in a meditative contempla7on of the horizon and its connection with ocean. The ar7st explore the imaginary around the seabed and the beings that inhabit it as a form of a communication. Then the beach becomes a portal, a threshold where emo7ons crystallize.The installation consists of fabric and bamboo. The intention is to offer art outside the city in an unexpected way to a relaxed audience.

Bio
Hego is a french artist born in Paris, France in 1990. She is based in Rio de Janeiro, Brazil.BA urban space, La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, Belgium. 2016. MFA 1 University of Paris 1 – La Sorbonne, France. 2014. BFA University of Paris 1 – La Sorbonne, France. 2013.
www.mariehego.com/artist-bio

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ANFITRIÕES (HOSTS)
França, 2022. 5:02 min

Equipe
Diretora, fotógrafa, montadora e esculturas: Marie Hego
Assistente de filmagem: Camila Salgado.
Modelos de foto-instalação: Alucas Do Trópico Sul, Aurora Black, Cayo Almeida, Gláucia Maciel, Talita Lima.

Local de filmagem Praia da Reserva, Rio de Janeiro, RJ, Brasil

Sinopse
“Anfitriões” é uma instalação na praia animada pelas ondas e pelo vento. A obra ativa as dimensões culturais e espirituais da praia carioca, imergindo o espectador em uma contemplação meditativa do horizonte e sua conexão com o oceano. O ar7st explora o imaginário em torno do fundo do mar e dos seres que o habitam como forma de comunicação. Então a praia se torna um portal, um limiar onde as emoções se cristalizam. A instalação é composta por tecido e bambu. A intenção é oferecer arte fora da cidade de forma inesperada para um público descontraído.

Bio
Hego é uma artista francesa nascida em Paris, França, em 1990. Ela mora no Rio de Janeiro, Brasil.BA urban space, Escola Nacional de Artes Visuais La Cambre, Bruxelas, Bélgica. 2016. MFA 1 Universidade de Paris 1 – La Sorbonne, França. 2014. Universidade BFA de Paris 1 – La Sorbonne, França. 2013.
www.mariehego.com/artist-bio

ERRATA IN BLUE
Germany, The Netherlands, 2022. 3:23 min

Crew
A film by Karin Balog
Dancer: Camilla Bundel

Shooting location: Senegal, Amsterdam

Synopsis
This experimental film is about the longing for blue and the missing of water. On this planet, the balance is off and we come across an extreme climate situation. The overheated deserts and some cities wait for the blue from the rain and its blessing. Meanwhile other areas are flooded. The intense colors in the film articulate the contrast situation between hot and cold. The industrial music in the clip articulates this offbeat chaos. The dancer stands for the humble human without resources, trying to balance in between those extremes.

Bio
Karin Balog works with photography, film and mixed media. She studied photography at the Royal Art Academy and is based in Amsterdam. Some of her work revolves around the uprooted society and identity. Rewriting geography is a friction related topic, used in her short experimental movies. Elements such as water, wind, fire and earth are represented as independent forces in an artificial world. Experimental short films combine photo’s, drawings, and other disciplines like dance.

www.karinbalog-art.nl

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ERRATA IN BLUE (ERRATA EM AZUL)
Alemanha, Holanda, 2022. 3:23 min

Equipe
Direção, câmera, edição: Karin Balog
Droneshots: Twisted senegalês
Dançarina: Camila Bundel

Local de filmagem: Senegal, Amsterdã

Sinopse
Este filme experimental é sobre a saudade do azul e a saudade da água. Os desertos superaquecidos e algumas cidades aguardam o azul da chuva e sua benção. Enquanto isso, outras áreas estão inundadas. As cores intensas do filme articulam a situação de contraste entre quente e frio. A música industrial no clipe articula esse caos inusitado. A dançarina representa o ser humano humilde e sem recursos, tentando se equilibrar entre esses extremos.

Bio
Karin Balog trabalha com fotografia, filme e mídia mista. Ela estudou fotografia na Royal Art Academy e mora em Amsterdã. Alguns de seus trabalhos giram em torno da sociedade e da identidade desenraizadas. Reescrever a geografia é um tema de fricção, usado em seus curtas-metragens experimentais. Elementos como água, vento, fogo e terra são representados como forças independentes em um mundo artificial. Curtas-metragens experimentais combinam fotos, desenhos e outras disciplinas como dança.

Weird From Iceland, Quo Vadis Nomen Nescio Premiere
Switzerland, France, Russia, 2023. 11:35 min

Crew
Dancer: Julie Dind aka NN; performing Weird’s dance of Gudrid Torbjørnsdottir.
Videography, photography, editing: Rolf Gerstlauer
Composer, pianist: Inga Chinilina

Shooting location
Guð Fingur, Skutustadhir at lake Myvatn, north of Iceland, Iceland. Performed June 15th, 2022, between 18:09 and 18:36 hours.

Synopsis
Julie, aka NN, Nomen Nescio, No Name or just Not Neurotypical, …moves still… autistically… is Weird, as the one of the three Norns in Norse Mythology. After having been Drawn At Land at the shore of Southern Norway, Weird Works The Bridge into all possible/impossible times of the New World before she now re-occurs in Iceland and all the commotion of the people and the land soon can commence again: quo vadis nomen nescio? We do not know the name of where you are going, Weird from Iceland.

Bio
Julie & Rolf are an autistic artistic couple who explore (neurodivergent) perception and memory in search of a re-connected ancestry and/or mythology. They collaborate with Inga, who is a composer and pianist based in Providence, Rhode Island. Their ecoperformances on film are part of an ongoing Research Creation project named Drawing NN. The work attempts to decenter the human – extending the problem of the body beyond exclusive human (in)capacities of knowledge production.

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Weird From Iceland, Quo Vadis Nomen Nescio
(Weird da Islândia, Quo Vadis Nomen Nescio)
Suíça, França, Rússia, 2023. 11:35 min

Equipe
Dançarina: Julie Dind, também conhecida como NN; realizando a dança de Weird de Gudrid Torbjørnsdottir.
Videografia, fotografia, edição: Rolf Gerstlauer
Compositora, pianista: Inga Chinilina

Local de filmagem
Guð Fingur, Skutustadhir no lago Myvatn, norte da Islândia, Islândia. Realizado dia 15 de junho de 2022, entre 18:09 e 18:36 horas.

Sinopse
Julie, também conhecida como NN, Nomen Nescio, Sem Nome ou apenas Não Neurotípica, … ainda se move … autisticamente … é estranha, como uma das três Norns da mitologia nórdica. Depois de ter sido desenhada em terra na costa do sul da Noruega, Weird trabalha a ponte em todos os tempos possíveis/impossíveis do Novo Mundo antes que ela volte a ocorrer na Islândia e toda a comoção do povo e da terra logo possa começar novamente: quo vadis nomen nescio? Não sabemos o nome de onde você está indo, Weird da Islândia.

Bio
Julie & Rolf são um casal artístico autista que explora a percepção (neurodivergente) e a memória em busca de uma ancestralidade e/ou mitologia reconectadas. Eles colaboram com Inga, que é compositora e pianista residente em Providence, Rhode Island. Suas ecoperformances em filme fazem parte de um projeto de Criação de Pesquisa em andamento chamado Drawing NN. A obra tenta descentrar o humano – estendendo o problema do corpo para além das (in)capacidades exclusivamente humanas de produção de conhecimento.

Ritual for a Burned Forest
Greece, Peru, Turkey, Spain, USA, 2022 16:34 min

Performers: Isabel Gutierez Sanchez, Vasiliki Sifostratoudaki, Auriane Blanc, Zalia Dimitropoulou, Maria Juliana Byck, Artemis Papageorgiou, Eliana Otta, and Sanem Su Avcı

Shooting location: Evia, Greece

Synopsis
The collective Mouries shared three days in a burnt forest in the island of Evia, experimenting around the creation of rituals to accompany and support lost forests in their regeneration process. This encounter is inspired by the recent fires in Greece, and is an open invitation to those who, like us, feel the need to do “something” without knowing exactly what.

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Ritual for a Burned Forest (Ritual para uma Floresta Queimada)
Grécia, Peru, Turquia, Espanha, EUA, 2022 16:34 min

Performers: Isabel Gutierez Sanchez, Vasiliki Sifostratoudaki, Auriane Blanc, Zalia Dimitropoulou, Maria Juliana Byck, Artemis Papageorgiou, Eliana Otta, and Sanem Su Avcı

Local de filmagem: Evia, Grécia

Sinopse
O coletivo Mouries compartilhou três dias em uma floresta queimada na ilha de Evia, experimentando a criação de rituais para acompanhar e apoiar florestas perdidas em seu processo de regeneração. Este encontro é inspirado nos recentes incêndios na Grécia, e é um convite aberto a quem, como nós, sente a necessidade de fazer “alguma coisa” sem saber bem o quê.

COO-COO
New Zealand, 2023. 8:47 min

Crew
Performer: Julieanna Preston
Post-production technician: Luiz dos Santos

Shooting location
Whanganui-a-Tara, Aotearoa

Synopsis
Coo-Coo begs for time to be slowed, to heed geological sediments/sentiments of ancestors swept in and out by tides, winds, wars, and progress, forgetting what is long, deep, enduring, mutating, chanting in the deep belly of mountains and oceans. Sited at Tangihanga-a-Kupe, a name referring to the reef’s likeness to a line of tearful mourners at a funeral, Coo-Coo echoes native birds that haunt the rocks and stories of rock-bound sirens, reef disasters, the Swedish practice of külning, cuckoo clocks, and alarm systems.

Bio
Julieanna Preston is a place-responsive performance artist and writer living in Ōtaki Beach, Aotearoa and working as a postgraduate supervisor at Te Kunenga ki Pūrehuroa/Massey University. Luiz Dos Santos is a sound composer and technical demonstrator at Ngā Pae Māhutonga / The School of Design, Massey University.
www.julieannapreston.space

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COO-COO
Nova Zelândia, 2023. 8:47 min

Equipe
Performer: Julieanna Preston
Técnico de pós-produção: Luiz dos Santos

Local de filmagem
Whanganui-a-Tara, Aotearoa

Sinopse
Coo-Coo implora para que o tempo seja retardado, para dar atenção aos sedimentos/sentimentos geológicos de ancestrais varridos para dentro e para fora por marés, ventos, guerras e progresso, esquecendo o que é longo, profundo, duradouro, mutante, cantando no ventre profundo das montanhas e oceanos. Situado em Tangihanga-a-Kupe, um nome que se refere à semelhança do recife com uma fila de chorosos enlutados em um funeral, Coo-Coo ecoa pássaros nativos que assombram as rochas e histórias de sirenes presas a rochas, desastres de recifes, a prática sueca de külning, relógios de cuco e sistemas de alarme.

Bio
Julieanna Preston é uma artista performática responsiva ao local e escritora que mora em Ōtaki Beach, Aotearoa e trabalha como supervisora de pós-graduação na Te Kunenga ki Pūrehuroa/Massey University. Luiz Dos Santos é compositor de som e demonstrador técnico na Ngā Pae Māhutonga / The School of Design, Massey University.
www.julieannapreston.space

PE ATAJU JUMALI / HOT AIR
Brazil, Colombia, USA, 2023. 25 min

Crew
Direction: Unites against colonization: many eyes, one heart
Sowers: Margarita Weweli-Lukana, Juma Pariri, Frê Arvora, Gurcius Gwedner, Amaya Torres, Jules Zinn, Juan Camilo Herrera Casilimas and Juliana Pongutá Forero.

Shooting location
Abya Yala

Synopsis
Beings from the tropical forests of Abya Yala, through their performance activations, go to the big cities of the global north, unveil the great colonial farce of carbon credits and invite everyone to take environmental justice into their own hands. Pe ataju jumali/Hot air was born out of the need to denounce carbon credit companies in indigenous lands, especially in the Colombian Amazon. For this we use urban action, documentary reports and science fiction. Fully recorded with a cell phone camera and spoken mainly in the indigenous language of the Sikuani people.

Bio
Unites against colonization: many eyes, one heart is an audiovisual springboard for the collective creation of other symbolic forms of self-representation of people belonging to native peoples in relation to several other human and non-human beings.
Youtube: @unidescontracolonizacao.

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Pe Ataju jumali _ Hot Air
Brazil, Colombia, USA, 2023. 25 min

Equioe
Direction: Unides contra a colonização: muitos olhos, um só coração
Semeadores: Margarita Weweli-Lukana, Juma Pariri, Frê Arvora, Gurcius Gwedner, Amaya Torres, Jules Zinn, Juan Camilo Herrera Casilimas e Juliana Pongutá Forero.

Local de filmagem
Abya Yala

Synopsis
Seres das florestas tropicais de Abya Yala, através de suas ativações performáticas, vão até as grandes cidades do norte global, desvendam a grande farsa colonial dos créditos de carbono e convidam a todos a fazer justiça ambiental com as próprias mãos. Pe ataju jumali/Hot air nasceu da necessidade de denunciar empresas de crédito de carbono em terras indígenas, especialmente na Amazônia colombiana. Para isso utilizamos ação urbana, reportagens documentais e ficção científica. Totalmente gravado com câmera de celular e falado principalmente na língua indígena do povo Sikuani.

Bio
Unides contra a colonização: muitos olhos, um só coração é um trampolim audiovisual para a criação coletiva de outras formas simbólicas de auto-representação de pessoas pertencentes a povos originários em relação a diversos outros seres humanos e não-humanos.
Youtube: @unidescontracolonizacao.

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enerRrgy
Slovenia, 2023, 9:07 min

Director and performer: Jatun Risba

Shooting location 
Vicinity of the coal-fired power plant Cerano in Puglia, Italy.

Synopsis
The video ‘enerRrgy’ depicts a somatic perturbation in vicinity of the clash between naturally available sources of power (sun, tides, movement) and extractive industries of energy. The work offers an unconventional perspective to contemporary discourses about energy by creating and reclaiming a space for nonconceptual, body-centred, aesthetic and intuitive approaches of inhabiting the world.

Bio

Jatun Risba is a transmedia artist whose practice fertilizes reciprocity between species and the rights to pleasure. Inspired from the world’s wisdom traditions, Risba uses performative ritualism as a vehicle for unveiling the poetry and magic within everyday reality, in order to re-pair Nature and Culture. Jatun regularly collaborates with human, non-human and more-than-human beings in order to create art projects that expand the view and add flash, weight and layers of complexity to the atomized experiences of the real.
https://jatunrisba.com/

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enerRrgy (enerRgia)
Eslovênia, 2023, 9:07 min

Diretor e intérprete: Jatun Risba

Local de filmagem
O vídeo foi filmado nas proximidades da usina a carvão Cerano em Puglia, Itália.

Sinopse
Filmado nas proximidades da usina a carvão Cerano em Puglia, Itália, o vídeo ‘energRgy’ retrata uma perturbação somática nas proximidades do choque entre fontes de energia naturalmente disponíveis (sol, marés, movimento) e indústrias extrativas de energia. O trabalho oferece uma perspectiva não convencional aos discursos contemporâneos sobre energia, criando e reivindicando um espaço para abordagens não conceituais, centradas no corpo, estéticas e intuitivas de habitar o mundo.

Bio
Jatun Risba é artista transmídia cuja prática fertiliza a reciprocidade entre as espécies e os direitos ao prazer. Inspirado nas tradições de sabedoria do mundo, Risba usa o ritualismo performativo como um veículo para desvendar a poesia e a magia da realidade cotidiana, a fim de emparelhar Natureza e Cultura. Colabora regularmente com seres humanos, não-humanos e mais-que-humanos para criar projetos de arte que expandem a visão e adicionam brilho, peso e camadas de complexidade às experiências atomizadas do real.
https://jatunrisba.com/

Emptiness, fundamental human right
Serbia, 2023. 5:44 min

Artists: Evgenija Tamnavac, Marija Arandelovic

Shooting location Ostavinska gallery, Belgrade; Sokobanja, Serbia

Synopsis
This video is dedicated to water. It mixes footage from the performance Emptyness, fundamental human right and footage of butterflyes near by the river Moravica. river in the Sokobanja region of Serbia.

Bio
Radomirka SIljanoski is an independent multimedia artist expressing. Her works comprises video, performance (dance, transritual), and music(experimental) and was shown on festivals in Serbia and abroad.
https://studio.youtube.com/channel/UC35WPFxWdNmuKZ4uuqzUsuw/videos

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Emptiness, fundamental human right (Vazio, direito humano fundamental)
Sérvia, 2023. 5:44 min

Artistas: Evgenija Tamnavac, Marija Arandelovic

Local de filmagem
Galeria Ostavinska, Belgrado; Sokobanja, Sérvia

Sinopse
Este vídeo é dedicado à água. Mistura imagens da performance Vazio, direito humano fundamental e imagens de borboletas perto do rio Moravica. rio na região de Sokobanja, na Sérvia.

Bio
Radomirka SIljanoski é um artista multimídia independente que expressa. Seus trabalhos compreendem vídeo, performance (dança, transritual) e música (experimental) e foram exibidos em festivais na Sérvia e no exterior.

DWELL: landscape in the figure
Great Britain, Australia, 2022. 10 min.

Crew
Concept, direction, production: Sue Hawksley
Choreography, performance: Sue Hawksley, Tammy Arjona & Billie Cook
Image
Montage: Richard Hodges
Sound design: Jesse Budel

Synopsis
Dwell: landscape in the figure is a response to the urgent issue of habitat loss. The rich biodiversity of three endangered ecological communities in South Australia is evocatively conveyed through haunting visual and sonic footage, and by three dancers who embody the ‘landscape in the figure’. Movement, sound and image become increasingly stressed and degraded as the space available to them diminishes, reflecting the precariousness of these unique habitats. Dwell invites contemplative viewing and deep listening. It cultivates a sense of embodied presence in, and as, nature.

Shooting locations Tolderol Game Reserve Wetlands (Thultharrung), Goolwa Beach, and Morialta Conservation Park, South Australia.

We acknowledge that this work was created on the traditional land of the Ngarrindjeri, Kuarna and Peramangk Peoples. We recognise and respect their cultural heritage, beliefs and relationship with the land. We pay our respects to Elders past, present and future. This project was made possible by the Australian Government’s Regional Arts Fund, which supports the arts in regional and remote Australia.

Special thanks to Mike Tye; The National Parks and Wildlife Service, a division of the Department for Environment and Water, South Australia; Murraylands and Riverland Landscape Board.

Bio
Dr. Sue Hawksley is an independent dance artist and artistic director of articulate animal, a platform for creative and critical inquiry into embodiment, movement and environment. Projects have been presented internationally. She has performed with major companies including Rambert, Philippe Genty, and Scottish Ballet. She holds a Ph.D. in Dance from the University of Edinburgh (Edinburgh College of Art) and has extensive experience as a dance educator. Sue is based in Adelaide and also works in environmental conservation & habitat restoration.

www.articulateanimal.org

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DWELL: landscape in the figure (HABITAR: paisagem na figura)
Grã-Bretanha, Austrália, 2022. 10 min

Equipe
Conceito, direção, produção: Sue Hawksley
Coreografia, performance: Sue Hawksley, Tammy Arjona & Billie CookImagem
Montagem: Richard Hodges
Design de som: Jesse Budel

Sinopse
Dwell: a paisagem na figura é uma resposta à questão urgente da perda de habitat. A rica biodiversidade de três comunidades ecológicas ameaçadas no sul da Austrália é transmitida de forma sugestiva por meio de imagens visuais e sonoras assustadoras e por três dançarinos que incorporam a “paisagem na figura”. Movimento, som e imagem tornam-se cada vez mais estressados e degradados à medida que o espaço disponível para eles diminui, refletindo a precariedade desses habitats únicos. Dwell convida a uma visão contemplativa e a uma escuta profunda. Cultiva uma sensação de presença incorporada na natureza e como ela.

Locais de filmagem Tolderol Game Reserve Wetlands (Thultharrung), Goolwa Beach, and Morialta Conservation Park, South Australia. Reconhecemos que esta obra foi criada na terra tradicional dos povos Ngarrindjeri, Kuarna e Peramangk. Reconhecemos e respeitamos sua herança cultural, crenças e relação com a terra. Prestamos nossos respeitos aos Anciãos do passado, presente e futuro. Este projeto foi possível graças ao Fundo Regional de Artes do Governo Australiano, que apóia as artes na Austrália regional e remota.

Agradecimentos especiais a Mike Tye; O Serviço Nacional de Parques e Vida Selvagem, uma divisão do Departamento de Meio Ambiente e Água, Austrália do Sul; Conselho de paisagismo de Murraylands e Riverland.

Bio
A Dra. Sue Hawksley é uma artista de dança independente e diretora artística da Articulate Animal, uma plataforma para investigação criativa e crítica sobre incorporação, movimento e ambiente. Projetos têm sido apresentados internacionalmente. Ela já se apresentou com grandes companhias, incluindo Rambert, Philippe Genty e Scottish Ballet. Ela é PhD em Dança pela Universidade de Edimburgo (Edinburgh College of Art) e tem uma vasta experiência como educadora de dança. Sue mora em Adelaide e também trabalha com conservação ambiental e restauração de habitats.

AJAW Q’IJ
Guatemala, Alemanha, 2021. 14:26 min

Equipe
Roteirista e Diretora: Chiara Faggionato (em colaboração com IQ BALAM – Juan José Chiriz Cuat)
Fotografia, gravação e edição de som: Chiara Faggionato
Design de som: Chiara Faggionato, Matteo SandonàElenco: IQ BALAM – Juan José Chiriz Cuat

Local de filmagem Uaxactún e Antígua (Guatemala)

Sinopse
O Concílio de Nicéia (325 dC) declarou que a Páscoa cristã seria celebrada no domingo seguinte à primeira lua cheia da primavera. A primavera começa entre os dias 20 e 21 de março, coincidindo com o equinócio astronômico. Assim, na Guatemala, duas festas de duas culturas e espiritualidades diferentes são celebradas ao mesmo tempo.

Bio
Chiara Faggionato (ela/ela) é uma artista interdisciplinar, trabalhando no campo da videoarte, cinema e arte no espaço público. Seus projetos visuais são baseados na pesquisa participativa transdisciplinar e abordam as mudanças antropogênicas e suas consequências, em particular a divisão natureza-cultura que resulta da sociedade patriarcal imperialista ocidental. Em sua prática, Chiara investiga e explora as interconexões entre mitologia e ecofeminismo* e oferece alternativas à narrativa humanística e antropocêntrica tradicional.
www.chiarafaggionato.com/

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AJAW Q’IJ
Guatemala, Alemanha, 2021. 14:26 min

Crew
Roteirista e Diretora: Chiara Faggionato (em colaboração com IQ BALAM – Juan José Chiriz Cuat)
Fotografia, gravação e edição de som: Chiara Faggionato
Design de som: Chiara Faggionato, Matteo SandonàElenco: IQ BALAM – Juan José Chiriz Cuat

Local de filmagem Uaxactún e Antígua (Guatemala)

Sinopse
O Concílio de Nicéia (325 dC) declarou que a Páscoa cristã seria celebrada no domingo seguinte à primeira lua cheia da primavera. A primavera começa entre os dias 20 e 21 de março, coincidindo com o equinócio astronômico. Assim, na Guatemala, duas festas de duas culturas e espiritualidades diferentes são celebradas ao mesmo tempo.

Bio
Chiara Faggionato (ela/ela) é uma artista interdisciplinar, trabalhando no campo da videoarte, cinema e arte no espaço público. Seus projetos visuais são baseados na pesquisa participativa transdisciplinar e abordam as mudanças antropogênicas e suas consequências, em particular a divisão natureza-cultura que resulta da sociedade patriarcal imperialista ocidental. Em sua prática, Chiara investiga e explora as inter-conexões entre mitologia e ecofeminismo* e oferece alternativas à narrativa humanística e antropocêntrica tradicional.
www.chiarafaggionato.com/

Vestida Para Morrer 3 Vezes
Brasil, 2021. 12:31 min

Equipe
Concepção, Roteiro e Performer: Allegra Ceccarelli
Direção de Fotografia: Brunela Behring
Montagem e Finalização: João Maia P
Trilha Sonora Original e Montagem de Áudio: Valesuchi
Direção de Arte e Figurino: Marcela Petrus

Local de filmagem Klungkung, Bali, Indonésia

Sinopse
“Vestida para Morrer 3 Vezes” é um vídeo-feitiço, uma ode ao ciclo morte-(re)nascimento-vida, a ancestralidade e a mãe natureza. A artista faz um paralelo entre os 3 tipos de sangue derramado: o sangue menstrual, o sangue das mulheres mortas pelo feminicídio e o “sangue invisível”, que a sociedade derrama diariamente sobre o meio ambiente.

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Dressed To Die 3 Times
Brazil, 2021. 12:31 min

Filming location: Klungkung, Bali, Indonesia

Crew
Original Idea, Script, and Performer: Allegra Ceccarelli
Photography: Brunela Behring
Editing: João Maia P
Music: Valesuchi
Costume and props design: Marcela Petrus

Synopsis
“Dressed to Die 3 Times” is a video-spell, an ode to the cycle of death-(re)birth-life, ancestry and mother nature. The artist draws a parallel between the 3 types of spilled blood: the menstrual blood, the blood of women killed by femicide and the “invisible blood”, that society throws daily into the environment. You’ve been bewitched!

Bio
Allegra Ceccarelli is an Italo-Brazilian multi-artist, master in acting from East 15 Acting School (London). In 2015, she was awarded a scholarship to study Balinese Ancient Ritual-Art at ISI Denpasar University, in Bali (Indonesia). She is the founder of RangdArt, a ritual-art-performative-ecofeminist company, where she develops her research into gender equality, erotism, ancestry, mysticism, creating performances art, experimental video arts, and dance-theatre shows.

www.allegraceccarelli.com/rangdart

Uwara
Brasil, 2021. 3:08 min

Equipe
Performer e pesquisador quilombola: Tay O’hanna
Direção de fotografia, filmagem e edição: Sander Newton
Produção sonora: Marcozi Santos
Indumentos: Douglas Lima e Sandy Andrade
Maquiagem: Lípari
Realização e produção: Voduù Produções
Co-produção: Coletivo 302

Local de filmagem Ilha Caraguatá, Cubatão, São Paulo, Brasil

Sinopse
Qual o preço histórico e as marcas simbólicas de uma cidade encurralada e concretada por um projeto militar desenvolvimentista a serviço do progresso, usufruto da força de trabalho de nativos e migrantes que culturalmente tudo trouxeram, mas que pouco usufruíram da construção econômica do que viria a se tornar “O maior polo petroquímico da América Latina”? Uma cidade que sem querer marca seus rebentos com o legado de um desastre: Chernobyl Pindorâmica. Injusto nome para a terra que repousa tantas divindades.

Bio
Voduù Produções é uma produtora cubatense, voltada a produção audiovisual caiçara, fundada em 2020 pela pesquisadore, performer e ekede “zeladora das filosofias dos Orixás” Tay O’hanna e pelo pesquisador, fotógrafo e videomaker Sander Newton. Nosso lema é contar histórias, com base nos conceitos míticos ancestrais, contribuindo para o fortalecimento de novas ideias, projetos e olhares que evoquem e enalteçam as belezas e estórias do território cubatense e regional.
Desde sua fundação produziu os vídeo-artes: Kalunga (2020), Uwara (2021) e Trilhos (2021), este último com orientação do músico Curumim; as foto- performances: Exu (2020), Nuvem Vermelha (2020), Peão (2021) e Cavalo (2021); o show performativo “Menino do Mangue” (2021) em parceria com o Coletivo 302; e os documentários “Studio FK – um salão LGBTQIA+” (2021) e “Vila Fabril: Território, História e Cultura” (2021) em parceria com a Flair Produção Cultural.

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Uwara
Brazil, 2021. 3:08 min

Crew
Quilombola performer and researcher: Tay O’hanna
Director of photography, filming, and editing: Sander Newton
Sound production: Marcozi Santos
Induments: Douglas Lima and Sandy Andrade
Makeup: Lipari
Direction and production: Voduù Produções
Co-production: Coletivo 302

Filming location Ilha Caraguatá, Cubatao, Sao Paulo, Brazil

Synopsis
What are the historical price and the symbolic marks of a city cornered and concreted by a developmental military project at the service of progress, enjoyment of the workforce of natives and migrants who culturally brought everything, but who benefited little from the economic construction of what would become become “The largest petrochemical complex in Latin America”? A city that unintentionally marks its offspring with the legacy of a disaster: Chernobyl of Pindorama. Unfair name for the land that rests so many deities.

Bio
Voduù Produções is focused on caiçara audiovisual production, founded in 2020 by researcher, performer and ekede “caretaker of the philosophies of the Orixás” Tay O’hanna and by researcher, photographer and videomaker Sander Newton. Our motto is to tell stories, based on ancestral mythical concepts, contributing to the strengthening of new ideas, projects and looks that evoke and enhance the beauties and stories of the Cuban and regional territory.
Since its foundation, he has produced the video arts: Kalunga (2020), Uwara (2021) and Trilhos (2021), the latter under the guidance of the musician Curumim; the photo-performances: Exu (2020), Nuvem Vermelha (2020), Pawn (2021) and Cavalo (2021); the performative show “Menino do Mangue” (2021) in partnership with Coletivo 302; and the documentaries “Studio FK – an LGBTQIA+ salon” (2021) and “Vila Fabril: Território, História e Cultura” (2021) in partnership with Flair Produção Cultural.

TransformÂncia
Brasil, 2022. 24:26 min

Equipe
Direção, câmera e edição: Robério Brasileiro
Assistente de fotografia: Paloma Biondo
Música: Caterina Scarpelli intérprete da música Misirlou

Ficha técnica do espetáculo “Transformância”
Criação, performance, direção, música: Pedro Lacerda
Co-direção, produção e colaboração criativa: Elielci Barros
Colaboração criativa: Leonardo França
Iluminação: Carlos Tiago
Produção: Eliza Oliver, Tássio Tavares, Ramon Souzáh
Designer gráfico: Robério Brasileiro
Produção executiva: Cleybson Lima
Produção executiva: WWFilmes
Assessoria de imprensa: Bia Braga
Assessoria acessível: Plantinhas @ecoflorajua
Agradecimento em especial as comunidades dos sítios Torrinha e Sauna.

Local de filmagem
Sítio Torrinha, Araripina-PE – Brasil

Sinopse
Na presença da lua e sob a luz âmbar dos refletores, o terreiro do Sitio Torrinha, na zona rural de Araripina-PE, vira palco para o espetáculo “Transformância”, que explora os elementos míticos do Sertão do Araripe, extremo oeste de Pernambuco.

Bio
Pedro Lacerda é artista Queer, performer, multifacetado transitando entre linguagens.Artista visual graduado pela Universidade Federal do Vale do São Francisco, bailarino interprete e criador na Qualquer Um dos 2 Companhia de Dança e Cia de Dança do Sesc Petrolina. Tem seu primeiro trabalho em dança de 2015 de nome HUMANO, o mais recente TransformÂncia de 2020, dirige ao lado do artista Elielci Barros a performance Guardiões do Velho Chico ao lado de 14 jovens artistas. No audiovisual tem “Bichx, Omen, Cabra Machx”, “Corpoente” “Transformância” e Território Pulsante”.
Instagram – https://www.instagram.com/peelacerda/?hl=pt-br

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TransformÂncia (Transformance)
Brazil, 2022. 24:26 min

Crew
Direction, camera, and editing: Robério Brasileiro
Photography assistant: Paloma Biondo
Music: Caterina Scarpelli performer of the song Misirlou

Technical sheet of the show “Transformance”
Creation, performance, direction, music: Pedro Lacerda
Co-direction, production, and creative collaboration: Elielci Barros
Creative collaboration: Leonardo França
Lighting: Carlos Tiago
Production: Eliza Oliver, Tássio Tavares, Ramon Souzáh
Graphic designer: Robério Brasileiro
Executive Producer: Cleybson Lima
Executive Producer: WWFilmes
Press office: Bia Braga
Accessibility advice: Plantinhas @ecoflorajua
Special thanks to the communities of the Torrinha and Sauna sites.

Filming location Torrinha site, Araripina-PE – Brazil

Synopsis
In the presence of the moon and under the amber light of the spotlights, the yard of Sitio Torrinha, in the rural area of Araripina-PE, becomes the stage for the show “Transformância”, which explores the mythical elements of the Sertão do Araripe, in the extreme west of Pernambuco.

Bio
Pedro Lacerda is a Queer artist, performer, multifaceted transiting between languages. Visual artist graduated from the Federal University of Vale do São Francisco, performer dancer and creator at Any One of the 2 Dance Company and Dance Company of Sesc Petrolina. He has his first work in dance in 2015 called HUMANO, the most recent Transformancia of 2020, directs alongside the artist Elielci Barros the performance Guardiões do Velho Chico alongside 14 young artists. In the audiovisual he has “Bichx, Omen, Cabra Machx”, “Corpoente” “Transformance” and Território Pulsante”.

Terra Invadida
Brasil, 2022. 7:05 min

Equipe
Criação, fotografia, edição: Kleber Benicio
Performers: Kleber Benicio, Juliana Forbes, Bhia Muller, Jéssica Reis

Local de filmagem
Sítio do Fundão, Crato, CE, Brasil

Sinopse
Ações de investigações dos projetos Ecocorpo Performativo e O Sagrado e Místico Corpo Cênico Femino dentro do grupo B.A.C.I.A- Busca por ações da Cena Expandida do curso de Licenciatura em Teatro da URCA.

Bio
Kleber Benício é Artista-professor-pesquisador. Mestre em Artes Cênicas pela Universidade Federal da Bahia com a pesquisa – A Mutabilidade das Recepções: do presencial ao virtual (2021). Especialista em Artes Visuais pela Universidade Qualis com a pesquisa – A Recepção Transestética Pornográfica (2021). Licenciado em Teatro pela Universidade Regional do Cariri – URCA com a pesquisa – Os Múltiplos Olhares de Espectador: análises-reconstituições a partir da Trupe dos Pensantes (2019). Autor do livro – A Recepção Cênica Transestética (2023). Atualmente é professor substituto no curso de Licenciatura em Teatro da URCA (2022).

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Invaded Land
Brazil, 2022. 7:05 min

Crew
Creation, photography, editing: Kleber Benicio
Performers: Kleber Benicio, Juliana Forbes, Bhia Muller, Jessica Reis

Filming location
Sítio do Fundão, Crato, CE, Brazil

Synopsis
Research actions of the Ecocorpo Performativo and O Sagrado e Místico Corpo Scenico Femino projects within the group B.A.C.I.A- Search for actions of the Expanded Scene of the Degree in Theater course at URCA.

Bio
Kleber Benício is Artist-Teacher-Researcher. Master in Performing Arts from the Federal University of Bahia with the research – The Mutability of Receptions: from face-to-face to virtual (2021). Specialist in Visual Arts from Qualis University with the research – The Transesthetic Pornographic Reception (2021). Graduated in Theater from the Regional University of Cariri – URCA with the research – The Multiple Looks of Spectator: analysis-reconstitutions from the Troupe dos Pensantes (2019). Author of the book – The Transesthetic Scenic Reception (2023). He is currently a substitute professor in the Theater Degree course at URCA (2022).

SOPRO
Brasil, 2022. 13:57 min
Estreia

Equipe
Realização: cia. víÇeras e Baleia Filmes
Concepção, direção, pesquisa, dramaturgia, coreografia: Marcia Regina
Bailarinas: Marcia Regina e Rita Caribé
Roteiro: Marcia Regina, Clara Molina e Juliana Uepa
Direção de produção: Ramesh Cantarino
Direção cinematográfica: Clara Molina
Direção de arte e fotografia: Clara Molina
Figurino: Nine Ribeiro
Captação de imagem e som, edição e finalização: Juliana Uepa
Som apitos: Marcia Regina
Captação drone: Thiago Soares
Direção de arte | sequência drone: Camila Torres
Assistência de produção | sequência drone: Marina Moraes
Trilha sonora: In between sound ceremony – The Medicine Of Sound
When the Ash Settles – The Westerlies

Apoio: Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal – FAC, Centro de Dança do Distrito Federal, Departamento de Artes Cênicas da Universidade de Brasília, BOX B123 – Espaço independente de experimentação, arte e criatividade, NOUS Ecossistema, VerdeNovo Sementes, Faço – Transformações Criativas, Alquimia Placentária, Café Minelis, Instituto Ilumina.

Local de filmagem Jardins de Brasília e sala de ensaio; Brasília; Distrito Federal.

Sinopse
SOPRO é um filme coreográfico que aborda a metamorfose a partir da relação entre uma jardineira, uma parteira e as plantas. Fala do tempo para se fazer contato entre vidas em meio a matéria seca. Convida o público a se dispor ao invisível, enquanto vê formas e escuta poesias, em especial aquelas sem palavras. Imagem de sutil movimento, continuum de paisagens em multi-linguagem, de perto, de muito perto, de muito longe. SOPRO é uma dança entre a fragilidade e a feracidade que atravessa gestações.

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SOPRO (BREATH)
Brazil, 2022. 13:57 min
PREMIERE

Crew
Realization: cia. víÇeras and Baleia Films
Conception, direction, research, dramaturgy, choreography: Marcia Regina
Dancers: Marcia Regina and Rita Caribé
Screenplay: Marcia Regina, Clara Molina, and Juliana Uepa
Production Director: Ramesh Cantarino
Cinematography: Clara Molina
Art direction and photography: Clara Molina
Costume designer: Nine Ribeiro
Image and sound capture, editing, and finalization: Juliana Uepa
Whistle sound: Marcia Regina
Drone capture: Thiago Soares
Art Direction | drone sequence: Camila Torres
Production Assistance | drone sequence: Marina Moraes
Soundtrack: In between sound ceremony – The Medicine Of Sound
When the Ash Settles – The Westerlies

Support: Federal District Culture Support Fund – FAC, Federal District Dance Center, Department of Performing Arts at the University of Brasília, BOX B123 – Independent space for experimentation, art, and creativity, NOUS Ecossistema, VerdeNovo Sementes, Faço – Transformações Creatives, Placental Alchemy, Café Minelis, Instituto Ilumina.

Filming location Jardins de Brasília and rehearsal room; Brasilia; Federal District.

Synopsis
SOPRO is a choreographic film that addresses metamorphosis from the perspective of the relationship between a gardener, a midwife, and plants. It talks about the time to make contact between lives in the midst of dry matter. It invites the public to be open to the invisible while seeing forms and listening to poetry, especially those without words. Image of subtle movement, continuum of landscapes in multi-language, close, very close, very far. SOPRO is a dance between fragility and ferocity that goes through pregnancies.

Seta
Brasil, 2021. 11:20 min

Equipe
Direção: Felícia de Castro e Mariana Rotili
Performer: Felícia de Castro
Música: Joana Dark – Ava Rocha / Vitor Hugo / Gabriela Carneiro da Cunha • Álbum ‘TRANÇA’ de Ava Rocha (2018)
Fotografia: Felícia de Castro, Mariana Rotili e Elisa Tandeta
Assistente de fotografia: Larissa Carneiro
Montagem e Finalização: Mariana Rotili

Local de filmagem
Fazenda Aritaguá, Serra Grande, Bahia, Brasil

Sinopse
SETA é uma criação de Felícia de Castro e Mariana Rotili originada do encontro com a música Joana Dark de Ava Rocha no fervor do março das mulheres e de Marielle. Cíclica, é uma ação enérgica movida por amor. É também uma ação lúdico-erótica que autoriza o prazer como poder e expressão da natureza divina e afirmação da vida frente à pulsão de morte que nos assola e a este país.

Bio
Felícia de Castro. Artista do corpo e das imagens. Ativista do reencantamento. Negra. Mãe. Suas linhagens, por parte das avós, são da Costa do Cacau no sul da Bahia e do Recôncavo Baiano. Nascida em Salvador. Desenvolve conteúdos diversos de arte, medicina, magia, ativismo, brasilidades e performance. Mestra pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da UFBA. Criou a jornada “O Riso Que Habita o Ventre da Terra” e os espetáculos “Rosário” e “Tudo Que Você Precisa é Amor”. www.feliciadecastro.com/

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SETA (Arrow)
Brazil, 2021. 11:20 min

Crew
Directors: Felícia de Castro and Mariana Rotili
Performer: Felícia de Castro
Music: Joana Dark – Ava Rocha / Vitor Hugo / Gabriela Carneiro da Cunha • Album ‘TRANÇA’ by Ava Rocha (2018)
Photography: Felícia de Castro, Mariana Rotili and Elisa Tandeta
Photography assistant: Larissa Carneiro
Assembly and Finalization: Mariana Rotili

Filming location
Aritagua Farm, Serra Grande, Bahia, Brazil

Synopsis
SETA (Arrow) is a creation by Felícia de Castro and Mariana Rotili originating from the encounter with the song Joana Dark by Ava Rocha in the fervor of the march of women and Marielle. Cyclical, it is an energetic action moved by love. It is also a ludic-erotic action that authorizes pleasure as a power and expression of the divine nature and affirmation of life in the face of the death drive that plagues us and this country.

Bio
Felicia de Castro. Artist of the body and images. Re-enchantment activist. Black. Mother. Her lineages, on the part of her grandmothers, are from the Costa do Cacau in southern Bahia and the Recôncavo Baiano. Born in Salvador. It develops diverse contents of art, medicine, magic, activism, Brazilianities and performance. Master by the Graduate Program in Performing Arts at UFBA. She created the journey “The Laughter That Inhabits the Womb of the Earth” and the shows “Rosary” and “All You Need is Love”. www.feliciadecastro.com/

SEGUNDA NATUREZA
Brasil, 2021. 12:30 min

Equipe
Autoria e direção: Milla Jung

Coautoria: Marta Cavalcanti Souza

Fotografia: Filipe Parolin e Milla Jung
Montagem: Marta Cavalcanti Souza
Desenho de Som: Felipe Ayres

Som direto e efeitos sonoros: Bruno Almeida Ito
Projeto de Neon: Neon Lunar

Local de filmagem
Bocaiúva do Sul, PR e Florianópolis, SC.

Sinopse
Duas crianças performam a infância num duelo entre diferentes aproximações com a natureza. De um lado seu aspecto imaginário, dinâmico e integrado; de outro, uma segunda natureza como mutação, acelerada e estarrecedora. Uma tela em “azul Windows” agencia os modos de presença da tecnosfera, e efeitos reversos de sons eletrônicos contaminam a trilha até que se alcança uma zona de impasses com seu “efeito magicizante”

Bio
Milla Jung (Curitiba, 1974). A premiada artista visual, fotógrafa e pesquisadora. Tem doutorado pela ECA-USP com a tese “Arte ocupação, práticas artísticas e a invenção de modos de organização” e mestrado pelo CEART/UDESC, com a dissertação “Robert Frank e a operação de montagem no campo do olhar”.

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SECOND NATURE
Brazil, 2021. 12:30 min

Crew
Authorship and direction: Milla Jung
Coauthorship: Marta Cavalcanti Souza
Photography: Filipe Parolin and Milla Jung
Editing: Marta Cavalcanti Souza
Sound Design: Felipe Ayres
Direct sound and sound effects: Bruno Almeida Ito
Neon design: Neon Lunar

Filming location
Bocaiúva do Sul, PR and Florianópolis, SC.

Synopsis
Two children perform childhood in a duel between different approaches to nature. On the one hand, an imaginary, dynamic, and integrated aspect; on the other, a second nature-like mutation, accelerated and appalling. A screen in “azul Windows” mediates the modes of the presence of the technosphere, and reverse effects of electronic sounds contaminate the track until an impasse zone is reached with its “magic effect”

Bio
Milla Jung (Curitiba, 1974). The award-winning visual artist, photographer, and researcher. She has a doctorate from ECA-USP with the thesis “Art Occupation, artistic practices and the Invention of Modes of Organization” and a master’s degree from CEART / UDESC, with the dissertation “Robert Frank and the montage operation in the Field of Gaze”.

www.comunidade.art.br/wordpress

RACHAS
Brasil, 2022. 19:04 min
Estreia

Equipe
Performers: ALINE SALMIN, ANA REIS, BRUNA BRUNU, LUANA DINIZ
Direção: LUANA DINIZ
Co-direção: ALINE SALMIN, ANA REIS, BRUNA BRUNU
Fotografia: BRUNA BRUNU e OLÍVIA FRANCO
Montagem: LUANA DINIZ
Finalização de cor: YUJI KODATO
Desenho de som: LUANA DINIZ e LUCAS VIDAL
Captação de som: LUANA DINIZ e BRUNA BRUNU
Correção de cor: YUJI KODATO
Still: YUJI KODATO
Produção: PRODUTORA NOIS
Assistente de produção: PRISCYLA ALVES

PROGRAMA DE INCENTIVO MUNICIPAL DE UBERLÂNDIA

Local de filmagem
Fazenda no Cerrado, Uberlândia, Minas Gerais, Brasil.

Sinopse
Esse filme é uma autoficção, uma performance, uma bomba, uma racha. Aqui, onde a realidade encontra o absurdo, a voz que fala pode ser a mesma que ouve, ou apenas o eco de um indecifrável. Na escuridão do quarto, será possível ouvir o barulho das pessoas lá fora? O entra e sai, o vai e vem. Seria melhor beber de uma planta secreta? Que permite adentrar uma passagem escura e estreita, que irá desembocar num espaço de experiências estranhas, tão íntimas quanto públicas.

Bio
Luana Diniz, artista visual, se interessa pela investigação do corpo, e seus estados de presença, enquanto potência expressiva que revela e performa imagens. Investe em processos criativos que constroem narrativas sobre si e autoficção, apoiando-se na transversalidade entre as linguagens do cinema e das artes do corpo. Desta maneira, se dedica em desenvolver um trabalho autoral em cinema investigando o movimento como fator de criação de imagens e sua reprodução na cena, experimentando dramaturgias corporais e produzindo uma linguagem que dialogue verticalmente com o cinema experimental.

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CRACKS
Brazil, 2022. 19:04 min
PREMIERE

Crew
Performers: ALINE SALMIN, ANA REIS, BRUNA BRUNU, LUANA DINIZ
Directed by: LUANA DINIZ
Co-director: ALINE SALMIN, ANA REIS, BRUNA BRUNU
Photography: BRUNA BRUNU and OLIVIA FRANCO
Editing: LUANA DINIZ
Color Finish: YUJI KODATO
Sound design: LUANA DINIZ and LUCAS VIDAL
Sound recording: LUANA DINIZ and BRUNA BRUNU
Color correction: YUJI KODATO
Still: YUJI KODATO
Production: PRODUCER NOIS
Production assistant: PRISCYLA ALVES

MUNICIPAL INCENTIVE PROGRAM OF UBERLÂNDIA

Filming location
Farm in the Cerrado, Uberlândia, Minas Gerais, Brazil.

Synopsis
This film is a self-fiction, a performance, a bomb, and a rift. Here, where reality meets the absurd, the voice that speaks can be the same one that hears or just the echo of an indecipherable. In the darkness of the room, will it be possible to hear the noise of the people outside? The in and out, the come and go. Would it be better to drink from a secret plant that allows you to enter a dark and narrow passage, which will lead to a space of strange experiences, as intimate as they are public?

Bio
Luana Diniz, visual artist, is interested in investigating the body, and its states of presence, as an expressive power that reveals and performs images. She invests in creative processes that build narratives about herself and self-fiction, relying on the transversality between the languages of cinema and the arts of the body. In this way, she dedicates herself to developing an authorial work in cinema, investigating movement as a factor in the creation of images and their reproduction in the scene, experimenting with body dramaturgy and producing a language that dialogues vertically with experimental cinema.

POR DENTRO
Brasil, 2021. 15 min

Equipe
Criação: Gustavo Silvestro
Direção: Gustavo Silvestre e Larry Machado
Fotografia: Larry Machado                                                            
Assistente de Câmera: Bruna Chamelet  
Produção: Dafuq Filmes e Gustavo Silvestre                        
Montagem: Gustavo Silvestro
Comunicação: Filipe Ziul                                                                    
Texto: Wesley Peres (adaptação dos livros As pequenas mortes e Casa entre vértebras)

Local de filmagem
Goiânia/Goiás

Sinopse
Por Dentro [Goiânia] se faz como um passeio poético pela cidade. Um corpo atravessado, em constante movimento, a cidade que o habita, a cidade que se transforma, a cidade que transborda. “Dentro de mim habitam lugares desconhecidos e encantadores. Lugares que me fazem, me definem, lugares que me mapeiam. Dentro de mim há ruas, avenidas, praças, há em mim outras pessoas. Um corpo e um território, um movimento que é atravessado, desvelado. Pelo corpo apresento uma cidade, Goiânia que se define em mim. Por dentro, lugares de encontro, se coabitam, eu sou a cidade, um corpo em movimento.”

Bio
Gustavo Silvestre é um artista multi-linguagem graduado em Artes Cênicas e Cinema. Sua filmografia autoral inclui ‘Dédalo’ (2021), ‘Por Dentro’ (2021) e ‘Metamorfose’ (2023). Participou do ‘International dance film Bruxells’.

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INSIDE
Brazil, 2021. 15 min

Crew
Creation: Gustavo Silvestro
Directed by: Gustavo Silvestre and Larry Machado
Photography: Larry Machado
Camera Assistant: Bruna Chamelet
Production: Dafuq Filmes and Gustavo Silvestre
Editing: Gustavo Silvestro
Communication: Filipe Ziul
Text: Wesley Peres (adaptation of the books As Pequenas Mortes and Casa entre Vertebrae)

Filming location
Goiania, Goiás

Synopsis
Inside [Goiânia] is like a poetic tour of the city. A body crossed, in constant movement, the city that inhabits it, the city that transforms, the city that overflows. “Within me, there are unknown and enchanting places. Places that make me, define me, places that map me. Inside me there are streets, avenues, and squares, there are other people in me. A body and a territory, a movement that is crossed, unveiled. Through the body, I present a city, Goiânia that defines itself in me. Inside, meeting places, cohabit, I am the city, a body in motion.”

Bio
Gustavo Silvestre is a multi-lingual artist who graduated in Performing Arts and Cinema. His authorial filmography includes ‘Daedalus’ (2021), ‘Inside’ (2021), and ‘Metamorphosis’ (2023). He participated in the ‘International dance film Bruxells’.

Peças de Conversação – Peça Nº1
Brasil, 2021 7:30 min

Equipe
Criação: Núcleo Cinematográfico de Dança
Direção e dança: Mariana Sucupira e Maristela Estrela
Produção: Thaís Rossi
Produção no set: Ariana Estela
Figurino: Maristela Estrela
Costureira: Fátima Zucheratto
Colaboração coreográfica: Clara Gouvêa
Colaboração dramatúrgica (peça ao vivo): Carolina Callegaro e Clarissa Sacchelli
Colaboração cenográfica: Renan Marcondes
Mixagem sonora: Núcleo Cinematográfico de Dança
Trilha Sonora (peça ao vivo): Rayra Costa
Câmera: João Barim
Edição: Mariana Sucupira/ Images Nômades
Assessoria de Imprensa: Luciana Cassas
Textos: A Conversa Infinita de Maurice Blanchot, comentários de Octavio Paz em Sendas de Oku de Matsúo Bashô, Breviário Sobre o Corpo de Lygia Clark e Rubiane Maia entrevista Tom Nóbrega em Preparação para Exercício Aéreo, o Deserto.

Local de filmagem
Zona rural da cidade de Espírito Santo do Pinhal – SP

Sinopse
Numa sociedade de excessos de informação, imagens e discursos, o filme fala sobre uma ética da distância entre indivíduos, sobre a necessidade de uma escuta preenchida pela empatia. Duas mulheres e um gesto mínimo: estar de mãos dadas. Um gesto nos reconecta e nos impulsiona para fora da paisagem do desastre. A leveza se contrapõe a uma estética do desastre, em direção ao restauro. PEÇAS DE CONVERSAÇÃO é um trabalho composto de 7 vídeo-peças e 3 interlúdios. Cada peça é independente uma da outra. Para o Festival enviamos 6 delas, que podem ser exibidas separadamente.

Bio
NÚCLEO CINEMATOGRÁFICO DE DANÇA. Formado pela parceria artística entre Mariana Sucupira e Maristela Estrela, o Núcleo pesquisa relações transversais de linguagem, principalmente entre a dança e o cinema. Realizou diversas peças coreográficas, intervenções, performances, videodanças e intercâmbios.

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Conversation Pieces – Piece #1
Brazil, 2021 7:30 min

Crew
Creation: Núcleo Cinematográfica de Dança
Direction and dance: Mariana Sucupira and Maristela Estrela
Production: Thaís Rossi
On-set production: Ariana Estela
Costume designer: Maristela Estrela
Seamstress: Fátima Zucheratto
Choreographic collaboration: Clara Gouvêa
Dramaturgical collaboration (live play): Carolina Callegaro and Clarissa Sacchelli
Scenographic collaboration: Renan Marcondes
Sound mixing: Dance Cinematographic Nucleus
Soundtrack (live play): Rayra Costa
Camera: Joao Barim
Editing: Mariana Sucupira/ Images Nômades
Press Office: Luciana Cassas
Texts: The Infinite Conversation by Maurice Blanchot, comments by Octavio Paz on Paths of Oku by Matsúo Bashô, Breviary About the Body by Lygia Clark and Rubiane Maia interview Tom Nóbrega in Preparation for Air Exercise, the Desert.

Filming location:
Rural area of the city of Espírito Santo do Pinhal – SP

Synopsis
In a society of excess information, images, and discourses, the film talks about the ethics of distance between individuals, about the need for listening filled with empathy. Two women and a minimal gesture: holding hands. A gesture reconnects us and propels us out of the disaster landscape. Lightness is opposed to an aesthetic of disaster, towards restoration.

Bio
Núcleo Cinematográfica de Dança, formed by the partnership between Mariana Sucupira and Maristela Estrela, researches transversal language relations, mainly between dance and cinema. It has performed several choreographic pieces, performances, video dances and artistic residencies, beyond its education programs.

www.cinedanca.com

O que se passa no formigueiro?
Brasil, 2021. 13:23 min

Concepção, criação, atuação, trilha sonora, edição de som e imagem:
Pamella Villanova e Dudu Ferraz

Local de filmagem Ponto de Cultura Quintal Garatuja, Campinas, São Paulo, Brasil

Sinopse
Um formigueiro de saúvas cortadeiras passa por momentos de dificuldade: a terra está diferente, há mais seres vivendo naquele solo, as formigas saúva estão em perigo! Venha conhecer um pouco sobre a vida no formigueiro com esta aventura épica inspirada em um texto de Ana Primavesi. Uma história para ouvir, ver, ou ouvir e ver ao mesmo tempo.

Bio
O Ponto de Cultura Quintal Garatuja é um espaço de criação e difusão artística localizado em Campinas/SP. Há sete anos promovendo eventos artísticos e culturais em sua sede e também ao seu redor, em escolas, bosques e espaços culturais. É gerido por Pamella Villanova, atriz arte educadora doutoranda em Artes da Cena pela Unicamp que pesquisa arte educação ambiental; e Dudu Ferraz, músico e gestor cultural, cujo trabalho de composição musical vem ganhando espaço junto das práticas de produção cultural.

https://linktr.ee/pamellavillanova

https://linktr.ee/duduferraz

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What’s going on in the anthill?
Brazil, 2021. 13:23 min

Conception, creation, performance, soundtrack, sound and image editing:
Pamella Villanova and Dudu Ferraz

Filming location Quintal Garatuja Culture Point, Campinas, Sao Paulo, Brazil

Synopsis
An anthill of leaf-cutting ants goes through difficult times: the land is different, there are more beings living in that soil, and the ants are in danger! Come and learn a little about life in the anthill with this epic adventure inspired by a text by Ana Primavesi. A story to hear, see, or hear and see at the same time.

Bio
Ponto de Cultura Quintal Garatuja is a space for artistic creation and dissemination located in Campinas/SP. For seven years, it has been promoting artistic and cultural events at its headquarters and also around it, in schools, forests and cultural spaces. It is managed by Pamella Villanova, actress, art educator and doctoral student in Performing Arts at Unicamp, who researches art and environmental education; and Dudu Ferraz, musician and cultural manager, whose musical composition work has been gaining ground in cultural production practices.

OMI
Brasil, 2022. 25:00 min

Equipe
Concepção e Performance: Giselle Motta.

Direção de Fotografia e produção audiovisual: Nu Abe 

Produção: Eduardo Duwal e Bidugi Produções Artísticas

Trilha sonora: Dawn (Idaji), Oya (Primitive Fire), Solomon Vandy, Seventh Heaven, Ascension (Igoke)

Local de filmagem Maricá, RJ, Brasil

Sinopse
OMI. Água é lar primeiro, formação, fecundação, gestação, ativação das sementes dormentes, purificação e perspectiva de renascimento. Nas expressões de tradições afro-ameríndias, a agua- OMI em Yorubá – é sacralidade, espaço de unificação do indivíduo com a própria natureza. OMI é uma obra de videodança.

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OMI
Brazil, 2022. 25:00 min

Crew
Conception and Performance: Giselle Motta
Cinematography and audiovisual production: Nu Abe
Production: Eduardo Duwal and Bidugi Artistic Productions
Soundtrack: Dawn (Idaji), Oya (Primitive Fire), Solomon Vandy, Seventh Heaven, Ascension (Igoke)

Filming location Marica, RJ, Brazil

Synopsis
OMI, Water is home first, formation, fertilization, gestation, activation of dormant seeds, purification, and perspective of rebirth. In the expressions of Afro-Amerindian traditions, water – OMI in Yorubá – is sacredness, a space for the unification of the individual with nature itself. OMI is a work of videodance.

Objetos em redes
Brasil, 2020. 13:23 min

Artistas:
Cacau Gondomar, Casul0, Cayo Almeida, Diogo Nascimento, Giselda Fernandes, Hilton Berredo, Ique Moraes, Luciana Barros, Luiz Guilherme Guerreiro, Maicon Lima, Mana Lobato, Marlúcia Ferreira, Raquel Oliveira, Samy Raposa Cosmos, Tais Almeida e Wagner Cria

Local de filmagem
Alojamento Estudantil da UFRJ, Aterro do Flamengo, Caonze (Nova Iguaçu), Cavalcanti, Gamboa, Estácio, Favela da Rocinha, Ilha do Fundão, Ilha dos Pescadores (Maré), Laje Coletivo Papo de Laje, Praia do Saco (Mangaratiba), Prata (Nova Iguaçu), Santa Teresa, RJ, Brasil

Sinopse
Como reagimos às mudanças climáticas? Objetos em Redes não reconhece fronteiras entre arte e natureza, entre corpo e objeto, entre cidade formal e informal, entre hoje e amanhã: presencialmente ou online nos afetamos e queremos afetar a todos com os desafios de co-criar o mundo das futuras gerações.

Bio
O Coletivo Objetos em Redes é formado por artistas e produtores de diversos bairros da cidade do Rio de Janeiro e da Baixada Fluminense, reunidos sob orientação da coreógrafa e bailarina Giselda Fernandes, diretora da Os Dois Companhia de Dança que há mais de vinte anos pesquisa as relações do corpo com os objetos e o meio ambiente.
Site:
www.osdois.com/
www.instagram.com/osdoiscompanhia/

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Objects in Networks
Brazil, 2020. 13:23 min

Artists:
Cacau Gondomar, Casul0, Cayo Almeida, Diogo Nascimento, Giselda Fernandes, Hilton Berredo, Ique Moraes, Luciana Barros, Luiz Guilherme Guerreiro, Maicon Lima, Mana Lobato, Marlúcia Ferreira, Raquel Oliveira, Samy Raposa Cosmos, Tais Almeida and Wagner Cria

Filming location
UFRJ Student Accommodation, Aterro do Flamengo, Caonze (Nova Iguaçu), Cavalcanti, Gamboa, Estácio, Favela da Rocinha, Ilha do Fundão, Ilha dos Pescadores (Maré), Laje Coletivo Papo de Laje, Praia do Saco (Mangaratiba), Prata (Nova Iguaçu), Santa Teresa, RJ, Brazil

Synopsis
How do we react to climate change? Objects in Networks do not recognize boundaries between art and nature, between body and object, between the formal and the informal city, between today and tomorrow: in person or online, we affect each other and we want to affect everyone with the challenges of co-creating the world of future generations.

Bio
The Colective Objetos em Redes is made up of artists and producers from different neighborhoods in the city of Rio de Janeiro and Baixada Fluminense, gathered under the guidance of choreographer and dancer Giselda Fernandes, director of Os Dois Companhia de Dança, who has been researching the body relationships with objects and the environment.

Natureza: Feminina e Vida
Brasil, 2020. 8:46 min

Equipe
Direção: Júnia Bertolino e Jahi Amani
Roteiro, texto, performance: Júnia Bertolino
Captação, desenho de som e montagem: Jahi Amani

Parceria: Cia Baobá Minas e Sítio Açafrão Canela/Luzmilla Luz.
Patrocínio: Arte Salva. SECULT/MG.

Local de filmagem
Sitio Açafrão Canela, Mariana, Minas Gerais no Brasil

Sinopse
Nesta performance, a artista Júnia Bertolino apresenta suas conexões ancestrais, propondo uma imersão na terra, água e natureza. Ecoando vozes, memórias e forças da Yabás: Nanã (senhora da morte) e Yansã (deusa dos ventos). Explorando os campos da vida e da morte, a artista experimenta o ser-estar-sentir ativando sua dança em conexão com a natureza. Desperta sentidos do viver e saberes ancestrais que se expandem em terras. Sendo a terra mãe a divindade maior onde encontramos o feminino e a vida.

Nature: The Feminine and Life
Brazil, 2020. 8:46 min

Crew
Directors: Junia Bertolino and Jahi Amani
Script, text, performance: Júnia Bertolino
Capture, sound design, and editing: Jahi Amani

Partnership: Cia Baobá Minas and Sítio Açafrão Canela/Luzmilla Luz.
Sponsorship: Arte Salva. SECULT/MG.

Filming location
Sitio Açafrão Canela, Mariana, Minas Gerais in Brazil

Synopsis
In this performance, the artist Júnia Bertolino presents her ancestral connections, proposing an immersion in land, water, and nature. Echoing voices, memories, and forces of Yabás: Nanã (the lady of death) and Yansã (goddess of the winds). Exploring the fields of life and death, the artist experiences being and feeling by activating her dance in connection with nature. She awakens senses of living and ancestral knowledge that expands in lands. Being the mother earth the major deity in which we find the feminine and life.

Nas(SER) – O desafio da Sobrevivência
Brasil, 2023 7:37 min

Equipe
Roteiro, direção, performer: Diogo Sanquetta
Participações Especiais: Lucas Henrique e Victor Hugo Sanquetta
Câmera, edição de vídeo e som: Lucas Andrade
Assistentes de cena: Keila Sanquetta, Lucas Henrique e Victor Hugo Sanquetta
Figurino: Diogo Sanquetta; Maria Cândida e Lucas Andrade
Maquiagem: Keila Sanquetta
Composição da Trilha Sonora: Lucas Andrade

Local de filmagem
Cachoeira do Desamparo, cidade de Araguari, Estado de Minas Gerais – Brasil

Sinopse
Os cortes doem. Descuidos contaminam. O desrespeito destrói. As intervenções do homem na natureza, muitas vezes, interrompem vidas e fluxos. Seres choram, sangram… Pela sobrevivência, buscam (re)nascer e libertar-se a cada instante. A dramaturgia do corpo no espaço – tempo, é experenciada por um estado visceral e imagético. O corpo integra, desintegra, flui…

Bio
Diogo Sanquetta, 28 anos de percurso nas artes cênicas. Performer e diretor, mestrando em Artes Cênicas (UFU-BR-2022), graduado em Artes Cênicas (UFG-BR-2007/2010). Já atuou em 31 espetáculos, 4 videoperformances e dirigiu 12 espetáculos/performances.
Lucas Andrade (k15 Storm), 15 anos atuando nas artes visuais e musicais. Produtor de música eletrônica, videomaker, editor de vídeo e imagem, criador de vídeos com elementos 3d. Já produziu 3 videosperformances, 2 clips e remixou 36 músicas.

https://diogosanquetta.blogspot.com/

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Nas(SER) – O desafio da Sobrevivência (Being)Born – The Challenge of Survival
Brazil, 2023 7:37 min

Crew
Script, direction, performer: Diogo Sanquetta
Special Participation: Lucas Henrique and Victor Hugo Sanquetta
Camera, video, and sound editing: Lucas Andrade
Scene assistants: Keila Sanquetta, Lucas Henrique and Victor Hugo Sanquetta
Costume designer: Diogo Sanquetta; Maria Candida, and Lucas Andrade
Makeup: Keila Sanquetta
Composition of the Soundtrack: Lucas Andrade

Filming location
Waterfall of Desamparo, city of Araguari, State of Minas Gerais – Brazil

Synopsis
The cuts hurt. Carelessness contaminates. Disrespect destroys. Man’s interventions in nature often interrupt lives and flows. Beings cry, bleed… For survival, they seek to (re) be born and free themselves at every moment. The dramaturgy of the body in space-time is experienced in a visceral and imagery state. The body integrates, disintegrates, and flows…

Bio
Diogo Sanquetta, 28 years in the performing arts. Performer and director, master’s degree in Performing Arts (UFU-BR-2022), graduated in Performing Arts (UFG-BR-2007/2010). He has already acted in 31 shows, 4 video performances and directed 12 shows/performances.
Lucas Andrade (k15 Storm), 15 years working in the visual and musical arts. Electronic music producer, video maker, video and image editor, video maker with 3d elements. He has already produced 3 videoperformances, 2 clips and remixed 36 songs.

Mundos
Brasil, 2023. 24:25 min

Equipe
Autoria: Coletivo Teatro do Instante / Direção: Tatiana Bittar / Co-direção: Lupe Leal / Dramaturgia: Tatiana Bittar, Lupe Leal, Coletivo Teatro do Instante/ Elenco: Alice Stefânia, Giselle Rodrigues, Rita de Almeida Castro/ Direção de fotografia: Joy Ballard/ Direção de Arte: William Ferreira/ Assistente de Arte e Maquiador: Deni Moreira/ Trilha sonora e músicos: Lupa Marques, Felipe Castro Praude, Ana Castro Borges/ Preparadora vocal: Ana Castro Borges/ Edição e mixagem de áudio: Lupa Marques e Felipe Castro Praude/ Produtor executivo e de locação: Guilherme Angelim/ Coordenadora de produção: Nathalie Amaral/ Design e ilustração: André Gonzales/ Assessoria de Imprensa: Lambada Comunicação/ Acessibilidades: Open Senses Tecnologia e Educação/ Colaboração artística: Adriana Mariz, Bidô Galvão, Déborah Dodd/ Maquinárias: Messias Filho/ Fotografia Still: Diego Bresani/ Produção: Guinada Produções/ Patrocínio: Corumbá Concessões/ Apoio: Universidade de Brasília.

Local de filmagem
Solar Guadalupe, Parque Olhos D’Água, Paraíso na Terra, Universidade de Brasília, Chácaras Terra Nova, plano piloto, Brasília DF

Sinopse
O filme Mundos, do coletivo Teatro do Instante, apresenta as jornadas singulares de três mulheres, em conexão com a natureza e interação com o universo dos sonhos e devaneios. Construído ao longo do processo da pandemia de Covid 19, lidamos com os interditos da copresença física dos artistas e experimentamos diferentes modos de estarmos temporalmente juntas, em distintas distâncias, com e sem intermédio de telas, em práticas como viagens xamânicas, diálogos e experimentos tele(em)páticos, fluxos de escrita automática, registros de sonhos, consultas e criações oraculares.

Bio
O coletivo Teatro do Instante é ligado ao Grupo de Pesquisa Poéticas do Corpo (UnB/CNPq). Criado em 2009 se caracteriza por processos colaborativos e parcerias com diferentes artistas; investigação de poéticas imersivas e espaços não convencionais; “práticas de si” como autocuidado e acesso a estados performativos. Os artistas do grupo criam performances, espetáculos e filmes, publicam artigos e organizaram o livro “Poéticas do Corpo: instantes em cena”, pela Editora da UnB (2017).

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Worlds
Brazil, 2023. 24:25 min

Crew
Authorship: Coletivo Teatro do Instante / Direction: Tatiana Bittar / Co-direction: Lupe Leal / Dramaturgy: Tatiana Bittar, Lupe Leal, Coletivo Teatro do Instante / Cast: Alice Stefânia, Giselle Rodrigues, Rita de Almeida Castro / Photography direction: Joy Ballard/ Art Direction: William Ferreira/ Art Assistant and Makeup Artist: Deni Moreira/ Soundtrack and musicians: Lupa Marques, Felipe Castro Praude, Ana Castro Borges/ Vocal Coach: Ana Castro Borges/ Audio Editing and Mixing: Lupa Marques and Felipe Castro Praude/ Executive and rental producer: Guilherme Angelim/ Production coordinator: Nathalie Amaral/ Design and illustration: André Gonzales/ Press office: Lambada Comunicação/ Accessibility: Open Senses Tecnologia e Educação/ Artistic collaboration: Adriana Mariz, Bidô Galvão , Déborah Dodd/ Machinery: Messias Filho/ Still Photography: Diego Bresani/ Production: Guinada Produções/ Sponsorship: Corumbá Concessions/ Support: University of Brasília.

Filming location
Solar Guadalupe, Olhos D’Água Park, Paradise on Earth, University of Brasília, Chácaras Terra Nova, pilot plan, Brasília DF

Synopsis
The film Mundos, by the collective Teatro do Instante, presents the unique journeys of three women, in connection with nature and interaction with the universe of dreams and daydreams. Constructed throughout the process of the Covid 19 pandemic, we dealt with the prohibitions of the physical co-presence of the artists and experimented with different ways of being together temporarily, at different distances, with and without the intermediary of screens, in practices such as shamanic journeys, dialogues and tele experiments. (em)pathic, automatic writing flows, dream recordings, consultations and oracular creations.

Bio
The Teatro do Instante collective is linked to the Grupo de Pesquisa Poéticas do Corpo (UnB/CNPq). Created in 2009, it is characterized by collaborative processes and partnerships with different artists; investigation of immersive poetics and unconventional spaces; “practices of the self” such as self-care and access to performative states. The group’s artists create performances, shows, and films, publish articles and organize the book “Poéticas do Corpo: Instantos em Cena”, by Editora da UnB (2017).

@teatro.do.instante http://poeticascorpo.blogspot.com/?m=1

Mulundus
Brasil, 2021. 8:02 min

Equipe
Performer: Pepe Poeta Marginal
Figurino: Desalinho,
Direção de arte: Marcelo Luna

Local de filmagem
Igreja da matriz no município de Vargem grande, no estado maranhão, Brasil

Sinopse<a
A performance diaspórica Mulundus não é apenas uma crítica e uma ruptura com o embranquecimento de São Raimundo Nonato dos Mulundus, padroeiro do município de Vargem Grande, no Maranhão. Em sua poesia improvisada, também denuncia a destruição de ecossistemas – não só do Maranhão, mas do Brasil como um todo – por grandes empresários, majoritariamente brancos, que contribuem diretamente para o desmatamento e o genocídio.

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Mulundus
Brazil, 2021. 8:02 min

Crew
Performer: Pepe Poeta
Costume: Mischievous,
Art direction: Marcelo Luna

Filming location
The mother church in the Municipality of Vargem Grande in the State of Maranhão, Brazil

Synopsis
The diasporic performance Mulundus is not only a criticism of and a rupture with the whitening of São Raimundo Nonato dos Mulundus, patron cowboy saint of the municipality of Vargem Grande in Maranhão. In its improvised poetry, it also denounces the destruction of ecosystems – not only of Maranhão State but of BRAZIL as a whole – by big and mostly white businessmen who directly contribute to deforestation and genocide.

Língua da Terra
Brasil, 2023. 12:05 min
Estreia

Equipe
Performers: Drica Possan, Juliana Maria
Roteiro e Direção: Juliana Maria.
Direção de Fotografia: Drica Possan
Montagem: Juliana Maria e Igor Alegro Nazario
Animação: Ana Rapha Almeida
Colorização: Igor Alegro Nazario
Trilha Sonora: Fled Away/Childhood/ Alto Paraíso/ Snow/ Wind Runner – de Aukay em Aukay 2016 – Faith Hynn de Beautifull Chorus em Hymnis of Spirit.
Finalização de Som: Igor Alegro Nazario.
Poemas: Verô Monteiro em Ciranda das Ervas (2021)
Fotografias: Drica Possan.

Local de filmagem
Estrada da Ribeira e Chácara, Bocaiúva do Sul, Paraná, Brasil

Sinopse
Há vida… ouça! Ela não está sussurrando, perceba… são histórias sobre o amor enraizado no teu corpo, sobre o brilho que consegue ofuscar a mente, sobre analfabetas poesias. Esta é a língua da criatividade misteriosa, lambendo suas pulsações e te oferecendo carícias… apurando, feito doce fervendo no tacho, o silêncio das danças que revitalizam mundos exaustos.

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Earth Language
Brazil, 2023. 12:05 min
PREMIERE

Crew
Performers: Drica Possan, Juliana Maria
Script and Direction: Juliana Maria.
Director of Photography: Drica Possan
Editing: Juliana Maria and Igor Alegro Nazario
Animation: Ana Rapha Almeida
Colorization: Igor Alegro Nazario
Soundtrack: Fled Away/Childhood/ Alto Paraíso/ Snow/ Wind Runner – by Aukay in Aukay 2016 – Faith Hynn by Beautifull Chorus in Hymnis of Spirit.
Sound Finishing: Igor Alegro Nazario.
Poems: Verô Monteiro in Ciranda das Hervas (2021)
Photography: Drica Possan.

Filming location
Ribeira and Chácara road, Bocaiuva do Sul, Paraná, Brazil

Synopsis
There is life… listen! She’s not whispering, understand this… these are stories about love rooted in your body, about the glow that manages to overshadow the mind, about illiterate poetry. This is the language of mysterious creativity, licking your pulses and offering you caresses… refining, like candy boiling in a pot, the silence of the dances that revitalize exhausted worlds.

LAVRA
Brasil, 2021. 9 min

Realização: ATUAÇÃO
Direção, Performance, Roteiro: Weber Cooper
Câmera e Edição: Victorhugo Passabon Amorim e Weber Cooper

Local de filmagem
Pedreira desativada em Alto do Moledo, Itaóca, Cachoeiro de Itapemirim, ES, BR.

Sinopse
Uma dança emergente de uma pedreira de extração de granito no município de Cachoeiro de Itapemirim — pólo produtor de rochas ornamentais no sul do Espírito Santo (BR). Narrativas do passado, presente e futuro entrecruzadas à (re)descoberta de uma ecologia somática. Da interface entre ecoperformance e documentário surgem imagens-proposições que buscam denunciar-anunciar a relação entre homem e meio ambiente.

Bio
Multiartista atuando na interface Artes Cênicas a Ecologia e o Audiovisual como performer. Graduado em Artes Cênicas pela UFOP e mestrando pela UFBA. Criador do ATUAÇÃO (ES), integrante do Poéticas Tecnológicas: corpoaudivisual (CNPq) e Associado da Assoc. Nacional de Pesquisadores em Dança – ANDA. Diretor e roteirista de CORPO-RIO (websérie, 5 episódios, ES, 2021). Co-criador do 1º ESimContato – Fest. de Contato-Improvisação do ES (BR).

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MINING
Brazil, 2021. 9 min

Project: ATUAÇÃO
Direction, performance, screenplay: Weber Cooper
Camera and editing: Victorhugo Passabon Amorim and Weber Cooper

Filming location
Deactivated quarry in Alto do Moledo, Itaóca, Cachoeiro de Itapemirim, ES, BR.

Synopsis
A dance emerging from a granite quarry in the municipality of Cachoeiro de Itapemirim — a producer of ornamental rocks in the south of Espírito Santo (BR). Narratives of the past, present, and future intertwined with the (re)discovery of a somatic ecology. From the interface between ecoperformance and documentary, image propositions emerge that seek to denounce-announce the relationship between man and the environment.

Bio
Weber Cooper is a multi-artist acting as a performer in the interface of Performing Arts, Ecology, and Audiovisual. He graduated in Performing Arts from UFOP and is studying for a master’s degree from UFBA. Creator of ATUAÇÃO (ES), he is a member of Poetics Technological: body-audiovisual (CNPq), and Associate of Assoc. National Association of Dance Researchers – ANDA. Director and screenwriter of CORPO-RIO (web series, 5 episodes, ES, 2021). Co-creator of the 1st ESimContato – Fest. of Contact-Improvisation at ES (BR).

Hutukara: entre a pele e a casca
Brasil, 2022. 13:45 min
Estreia

Equipe
Produção, Direção de Cena e Preparação Corporal: Marcela Cavallini
Direção, Fotografia, Montagem e Edição de Vídeo: Sofia Mussolin
Pesquisa e Roteiro: Marcela Cavallini, Silvia Terra, Jo Araujo, Clarice Rito, Julie Coelho
Figurino e Trilha Sonora: Clarice Rito

Local de filmagem
Parque Lage e Sala de Dança, cidade do Rio de Janeiro, Estado do Rio de Janeiro, Brasil

Sinopse
Um corpo nasce. Carrega a força de esgarçar a pele e romper a casca. Busca luz e escuridão na opacidade dos dias. É frágil, cruel e violenta sua metamorfose. Então fogo, terra, árvore, água e serpente ganham forma no tilintar da noite. Produzem circularidades da morte em vida. A degradação que se imprime com gotas de sangue na queima da seiva que atravessa a casca, na pele que, ferida, deixa de sentir a natureza… nada ainda impede que tudo renasça sempre e a todo instante. A vida independe de nós. O Universo está aqui. Hutukara grita sua existência.

Bio
Marcela Cavallini é artista, pesquisadora e professora. Doutoranda do Programa de Pós-graduação em Artes Visuais da UFRJ, é Mestre em Estudos Contemporâneos das Artes pela UFF e graduada em Dança pela Faculdade Angel Vianna. Artista integrante do Laboratório de Pesquisa em Corpo, Performance, Mídia Arte e Questões ambientais– BrisaLab|CNPQ|UFF, e do projeto Territórios Sensíveis. É membro do Coletivo Marcas D’Água que já produziu e apresentou trabalhos no I Bienal Black Brasil, no Festival Internacional de Ecoperformance e Festival Novas Mídias.

marcelacavallini.art.br
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Hutukara: Between the Skin and the Shell
Brazil, 2022. 13:45 min
Premiere

Crew
Production, Scene Direction, and Body Preparation: Marcela Cavallini
Direction, Photography, Editing, and Video Editing: Sofia Mussolin
Research and Screenplay: Marcela Cavallini, Silvia Terra, Jo Araujo, Clarice Rito, Julie Coelho
Costume Design and Soundtrack: Clarice Rito

Filming location
Parque Lage and Dance Room, City of Rio de Janeiro, State of Rio de Janeiro, Brazil

Synopsis
A body is born. It carries the force of fraying the skin and breaking the shell. Seeks light and darkness in the opacity of days. Its metamorphosis is fragile, cruel, and violent. Then fire, earth, tree, water, and a serpent take shape in the tinkling night. They produce circularities of death in life. The degradation that is imprinted with drops of blood in the burning of the sap that penetrates the bark, in the skin that, wounded, no longer feels nature… nothing still prevents everything from being reborn always and at every moment. Life is independent of us. The Universe is here. Hutukara screams its existence.

Bio
Marcela Cavallini is an artist, researcher, and teacher. She is a doctoral student in the Graduate Program in Visual Arts at UFRJ. She holds a Master’s Degree in Contemporary Arts Studies from UFF and a degree in Dance from Faculdade Angel Vianna. She is an artist member of the Body, Performance, Media Art and Environmental Issues Research Laboratory – BrisaLab | CNPQ | UFF, and of the Sensitive Territories project. She is a member of Coletivo Marcas D’Água, which has already produced and presented works at the I Bienal Black Brasil, at the International Ecoperformance Festiva and Festival Novas Mídias

Guartelá
Brasil, 2021. 4:45 min

Interpretação e dança: Ádia Anselmi
Direção e roteiro: Juliana Sanson
Direção de fotografia e câmera: Gustavo Castro
Montagem e cor: Aristeu Araújo
Produção: Castro
Foto still: Christian Christoforo
Figurino: Tais Sanson
Produção: Fabulário Filmes
Música: Ulisses Galetto
Letra: Benito Rodriguez
Voz, baixo e tamancos: Daniel Fagundes
Acordeon, vocais e tamancos: Andrezza Prodóssimo:
Teclados e vocais: Grace Torres
Bateria e derbak: Priscila Graciano
Violão, vocais e tamancos: Ulisses Galetto
Tamancalha: João Cavalcanti

Local de filmagem
Guartelá, Cidades de Castro e Tibagi, Estado do Paraná, Brasil

Sinopse
Nos desvãos do rio Iapó, onde a falha é o fim e onde a curva acha o breu está o Canyon do Guartelá. No céu, no som, no choque e no chão, as texturas e os ritmos da natureza integram o corpo humano na dança da existência. Nascer, viver e morrer, para, então, transcender.

Bio
O Grupo FATO interpreta, a seu modo, autores da cena independente desde 1994. Explorações diversas criaram uma originalidade musical, reconhecida pela crítica em 9 álbuns, 2 DVDs, 13 montagens de shows, vídeos. Estilos variados são combinados com sonoridades de culturas tradicionais, instrumentos convencionais – ou não -, synths, loops, percussão corporal, etc. e tamancos de fandango que são usados como percussão – nos pés ou na tamancalha (batedor manual de tamancos criado para o FATO).

https://www.fato.org/

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Guartelá
Brazil, 2021. 4:45 min

Performing and dancing: Adia Anselmi
Direction and screenplay: Juliana Sanson
Cinematography and camera direction: Gustavo Castro
Assembly and color: Aristeu Araújo
Production: Castro
Still photo: Christian Christoforo
Costume designer: Tais Sanson
Production: Fabário Filmes
Music: Ulisses Galetto
Lyrics: Benito Rodriguez
Voice, bass and clogs: Daniel Fagundes
Accordion, vocals, and clogs: Andrezza Prodóssimo:
Keyboards and Vocals: Grace Torres
Drums and derbak: Priscila Graciano
Guitar, vocals, and clogs: Ulisses Galetto
Clogs: João Cavalcanti

Filming location
Guartelá, Cities of Castro and Tibagi, State of Paraná, Brazil

Synopsis
In the lofts of the Lapó River, where the fault is the end and where the curve reaches the pitch, is the Guartelá Canyon. In the sky, in the sound, in the shock, and on the ground, the textures and rhythms of nature integrate the human body into the dance of existence. To be born, to live and to die, to then transcend.

Bio
Since 1994, the FATO Group has been interpreting independent scene authors in their own way. Various explorations have created musical originality, recognized by critics in 9 albums, 2 DVDs, 13 shows, and videos. Varied styles are combined with traditional cultural sounds, conventional and unconventional instruments, synths, loops, body percussion, and fandango clogs used as percussion – on the feet or on the “tamancalha” (a manual clog beater created for FATO).

https://www.fato.org/

Floresta Espírito
Brasil, 2020. 5 min

Artista: Clara Chroma

Local de filmagem Pindamonhangaba – SP

Sinopse
Uma viagem xamânica pelas entranhas da floresta atlântica

Bio
Clara Chroma é cineasta, montadora, produtora e videoartista experimental. Trabalha com psicodelia, distopia e glitch art. Conhecida pela Trilogia do Terceiro Milênio (OS ANOS 3000 ERAM FEITOS DE LIXO, TSUNAMI GUANBARA E RODSON). No campo da videoarte, tem investigado visualidades ayahuasqueiras.

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Spirit Forest
Brazil, 2020. 5 min

Artist: Clara Chroma

Filming location: Pindamonhangaba – SP

Synopsis
A shamanic journey through the depths of the Atlantic Forest

Bio
Clara Chroma is a filmmaker, editor, producer and experimental video artist. She works with psychedelia, dystopia and glitch art. Known for the Third Millennium Trilogy (THE YEARS 3000 WERE MADE OF GARBAGE, TSUNAMI GUANBARA AND RODSON). In the field of video art, she has investigated ayahuasca visualities.

E se o máximo que eu puder ser é nada?
Brasil, 2023. 25:00 min
Estreia

Direção, roteiro e edição: Nu Abe
Fotografia: Nu Abe, Renato San
Trilha sonora: Nu Abe, Eroika Timbre, Inspector J

Local de filmagem
Beco da Lua, Florianópolis, Santa Catarina, Brasil

Sinopse
Uma imersão contemplativa nos fluxos da vida. Um corpo que desintegra e se entrega à natureza. Pequenos seres do ar, da terra e da água, batalham pela própria sobrevivência. 
O filme, gravado com smartphone, é uma jornada onírica que convida a um mergulho nas sensações, detalhes e reflexões sobre a pluralidade das existências que habitam esse planeta.

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What if the best I can be is nothing?
Brazil, 2023. 25:00 min
Premiere

Direction, screenplay and editing: Nu Abe
Photography: Nu Abe, Renato San
Soundtrack: Nu Abe, Eroika Timbre, Inspector J

Filming location
Beco da Lua, Florianopolis, Santa Catarina, Brazil

Synopsis
A contemplative immersion in the flows of life. A body that disintegrates and surrenders to nature. Small beings of the air, land, and water, battle for their own survival. The film, recorded with a smartphone, is an oneiric journey that invites you to delve into the sensations, details, and reflections on the plurality of existences that inhabit this planet

Entranhas Marcas
Brasil, 2021. 18:03 min

Concepção: Drica Ayub e Isabela Severi
Intérpretes-criadoras: Drica Ayub, Isabela Severi e Sílvia Góes
Pesquisa: Drica Ayub, Isabela Severi, Silvia Góes e Conrado Falbo
Produção: Drica Ayub e Isabela Severi
Direção de fotografia e filmagem: Flora Negri
Edição e montagem: Victor Germano
Trilha sonora: Conrado Falbo
Arte gráfica: Nathalia Queiroz
Assistentes de produção: Hugo Dubeux e Murilo Correia

Local de filmagem
Praia do Xaréu, Cabo de Santo Agostinho, Pernambuco, Brasil e Engenho Pombal, Bonança, Pernambuco, Brasil

Sinopse
“Entranhas Marcas” é uma performance denúncia e desabafo, ao adentrar em nossas cicatrizes corporais, singulares e coletivas, inextricáveis às do planeta na busca constante por reparação e mudança. A saúde da Terra, também violentada e fragmentada, é um foco de urgência política e, sobretudo, de sobrevivência. Assim, queremos recriar e fecundar outros espaços de acesso ao grito, ao encontro, para construções de um devir-corpo-terra na relação viva e pulsante com a natureza ativa, fêmea e fértil.

Bio
Drica Ayub é mãe, pesquisadora, artista da dança, arteterapeuta, terapeuta somática. Investiga as memórias e processos de construção da subjetividade/corpo.
Isabela Severi é artista da dança, educadora, terapeuta somática. Investiga a crise da sensibilidade, tecendo conexões entre o sensório-motor, os impulsos e os imaginários do corpo.
Silvia Góes é dançarina, pesquisadora, dramaturgista, poeta, atriz, diretora, artista do Coletivo Lugar Comum e da Coletiva de Palhaças Violetas da Aurora.

@mulher.territorio

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Gut Marks
Brazil, 2021. 18:03 min

Concept: Drica Ayub and Isabela Severi
Performers: Drica Ayub, Isabela Severi, and Sílvia Góes
Research: Drica Ayub, Isabela Severi, Silvia Góes and Conrado Falbo
Production: Drica Ayub and Isabela Severi
Director of Photography: Flora Negri
Editing and montage: Victor Germano
Soundtrack: Conrado Falbo
Graphic art: Nathalia Queiroz
Production assistants: Hugo Dubeux and Murilo Correia

Filming location
Praia do Xaréu, Cabo de Santo Agostinho, Pernambuco, Brazil and Engenho Pombal, Bonança, Pernambuco, Brazil

Synopsis
“Entranhas Marcas” is a denunciation and outburst performance, as it penetrates our bodily scars, singular and collective, inextricable from those of the planet in the constant search for repair and change. The Earth’s health, also violated and fragmented, is a focus of political urgency and, above all, of survival. Thus, we want to recreate and fertilize other spaces of access to the cry, to the encounter, for constructions of a becoming-body-earth in the living and pulsating relationship with active, female and fertile nature.

Bio
Drica Ayub is a mother, researcher, dance artist, art therapist, somatic therapist. She investigates the memories and construction processes of subjectivity / body.
Isabela Severi is a dance artist, educator, somatic therapist. She investigates the crisis of sensitivity, weaving connections between the sensorimotor, the impulses and the imaginaries of the body.
Silvia Góes is a dancer, researcher, playwright, poet, actress, director, artist of Coletivo Lugar Comum and Coletiva de Palhaças Violetas da Aurora.

ECOS
Brasil. 2023. 4:30 min

Performer: Sidnei Puziol
Direção: Rafael Machado
Música: Marc-André Boucher

Local de filmagem
Astorga, Paraná, Brasil

Sinopse
Em ‘Ecos’ há uma busca pela relação entre os pés e o solo, uma vez que é da terra em que encontramos nossa sustentação. Um diálogo com as raízes. Esta ecoperformance parte da ideia do ECO(S) como uma reverberação da importância de nos conectarmos com a natureza e de reconhecermos a influência que ela tem sobre nós.

Bio
Com formação em Artes Cênicas e atualmente Mestrando em Literatura e Construção de Identidades pela Universidade Estadual de Maringá, desenvolve suas pesquisas e linguagem artística fruto de inquietações advindas do Butô, dança de origem japonesa, e a presença do Ma (間) como experiência sensível na poética do corpo e no teatro.

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ECHOES
Brazil. 2023. 4:30 min

Performer: Sidnei Puziol
Director: Rafael Machado
Music: Marc-André Boucher

Filming location
Astorga, Parana, Brazil

Synopsis
In ‘Ecos’ there is a search for the relationship between the feet and the ground since it is from the earth that we find our support. A dialogue with the roots. This ecoperformance stems from the idea of ECO(S) as a reverberation of the importance of connecting with nature and recognizing the influence it has on us.

Bio
With a degree in Performing Arts and currently studying for a Master’s Degree in Literature and Construction of Identities at the State University of Maringá, he develops his research and artistic language as a result of concerns arising from Butô, a dance of Japanese origin, and the presence of Ma (間) as a sensitive experience in poetics of the body and in the theater. https://nucleoterreno.wixsite.com/terreno | https://www.instagram.com/nucleoterreno/


https://nucleoterreno.wixsite.com/terreno | https://www.instagram.com/nucleoterreno/

CorpoFalaCorpo: Inquietações da Pandemia
Brasil, 2021. 19:23 min

Realização: Coletivo Quintessência
Participação especial: Gael Isaac
Direção: Bruxa Latina, Cami Felice
Performers: Audrey Costa, Bruxa Latina, Cami Felice, Larissa Cristina, Lidiane Helena, Nayara Nayarana, Tamara Malunga, Tamara Peguim
Desenho de som: Âmagos beat
Edição e desenho digital: Vinicio Borges, Tamara Malunga
Roteiro: Bruxa latina, Cami Felice, Lidiane Helena
Fotografia e customização: Amarelos Ateliê
Textos: Nayara Narayana, Lidiane Helena
Projeto cultural contemplado no edital n°02/2020 da Secretaria Municipal de Cultura de Barretos-SP e patrocinado com recursos da lei 14.017/2020 (Lei Aldir Blanc)

Local de filmagem
Praça Francisco Barreto, Barretos, São Paulo, Brasil e ruas do bairro Nadir Kenan, Barretos, São Paulo, Brasil.

Sinopse
Já era antes, é agora, sempre vai ser? Pandemias. Isolamentos. Impossibilidade do encontro olho no olho, toque, beijo, dança, calor humano. Piramos em nosso mundo individual, partilhamos nossas inquietações coletivas. Em continuidade ao projeto “CorpoFalaCorpo”, série de performances criadas desde 2017 para dar voz às narrativas de corpos invisibilizades, a videoperformance “CorpoFalaCorpo: Inquietações da Pandemia” é mais um trabalho do Coletivo Quintessência realizado em 2021 quando o isolamento social se fazia necessário para evitar a propagação do Covid-19.

Bio
O Coletivo Quintessência é composto por artistas em sua maioria pretas, periféricas e LGBTQIA+, atuando na periferia de Barretos-SP desde 2014 para promoção de arte, cultura, autonomia e fortalecimento da comunidade onde está inserido. Reconhecido como “Agente Ponto de Cultura” desde 2018 (Edital nº 49/2018 – Política Nacional da Cultura Viva no Estado de São Paulo). Performance é um de seus eixos de atuação e desde 2017 apresenta o projeto performance “CorpoFalaCorpo” para falar sobre corpos marginalizados.
www.instagram.com/coletivoquintessencia/

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BodySaysBody: Concerns about the Pandemic
Brazil, 2021. 19:23 min

Realization: Collective Quintessência
Special Participation: Gael Isaac
Directed by: Latina Witch, Cami Felice
Performers: Audrey Costa, Bruxa Latina, Cami Felice, Larissa Cristina, Lidiane Helena, Nayara Nayarana, Tamara Malunga, Tamara Peguim
Sound Design: Beat Âmagos
Editing and digital design: Vinicio Borges, Tamara Malunga
Screenplay: Latin Witch, Cami Felice, Lidiane Helena
Photography and customization: Amarelos Ateliê
Texts: Nayara Narayana, Lidiane Helena
Cultural project contemplated by public notice No. 02/2020 of the Municipal Secretariat of Culture of Barretos-SP and sponsored with resources from Law 14.017/2020 (Aldir Blanc Law)

Filming location
Francisco Barreto Square, Barretos, São Paulo, Brazil, and streets of the Nadir Kenan neighborhood, Barretos, São Paulo, Brazil.

Synopsis
Was it before, is it now, or will it ever be? Pandemics. Isolations. Impossibility of meeting eye to eye, touching, kissing, dancing, human warmth. We wander off into our individual worlds, we share our collective concerns. Continuing the “CorpoFalaCorpo” project, a series of performances created since 2017 to give voice to the narratives of invisibilities, the video performance “CorpoFalaCorpo: Restlessness of the Pandemia” is another work by Coletivo Quintessência carried out in 2021 when social isolation was necessary to prevent the spread of Covid-19.

Bio
Coletivo Quintessência is mostly composed by peripheral and LGBTQIA+ artists, working on Barretos’ (State of São Paulo, Brazil) outskirts since 2014 to promote art, culture, autonomy, and community strengthening. Recognized as a “Culture Point Agent” since 2018 (Edital nº 49/2018 – National Policy for Living Culture in the State of São Paulo). Performance is one of its action axes and since 2017 it has presented the performance project “BodySpeakBody” to talk about marginalized bodies.

Bansuri – O caminho do Vento 

Brasil, 2021 5:43 minutos

Direção, roteiro, revelação e trilha sonora: Lígia Teixeira e Francisco Benvenuto
Scan: Leche Lab

Local de filmagem
Trilha da Tainha, Praia de Canto Grande, Bombinhas/SC

Sinopse
Bansuri é uma flauta transversal da Índia feita de um único eixo de Bambu com seis ou sete furos para os dedos. É um instrumento musical ancestral associado com a tradição pastoral e está intimamente ligado com a história de amor entre Krishna e Radha. A palavra “bansuri” tem origem na junção das palavras bans que significa Bambu e a palavra sur que significa melodia.

Bio
Lígia Teixeira e Francisco Benvenuto são uma dupla de artistas, mestres em cinema, cineastas experimentais e laboratoristas. Suas pesquisas buscam se aprofundar em técnicas eco botânicas de processamento fotoquímico sustentáveis aplicadas ao cinema experimental e cinema expandido. Vivem e trabalham em Curitiba/PR.

instagram.com/francisco.benvenuto/

instagram.com/ligialigia/

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Bansuri – The Way of the Wind
Brazil, 2021 5:43 minutes

Direction, screenplay, revelation and soundtrack: Lígia Teixeira and Francisco Benvenuto
Scan: Leche Lab

Filming location
Tainha Trail, Canto Praia Grande, Bombinhas/SC

Synopsis
Bansuri is a transverse flute from India made from a single bamboo shaft with six or seven finger holes. It is an ancestral musical instrument associated with the pastoral tradition and is closely connected with the love story between Krishna and Radha. The word “bansuri” originates from the combination of the words bans which means Bamboo and the word sur which means melody.

Bio
Lígia Teixeira and Francisco Benvenuto are a duo of artists, masters in cinema, experimental filmmakers and laboratorians. His research seeks to delve deeper into sustainable eco-botanical techniques of photochemical processing applied to experimental cinema and expanded cinema. They live and work in Curitiba/PR.

instagram.com/francisco.benvenuto/
instagram.com/ligialigia/

Apocalíptica
Brasil, 2021. 10:19 min
Estreia

Dança, coreografia e figurino: Michele Carolina Silva
Captação e edição de vídeo: Rafael Chaud Frazão

Local de filmagem
Sítios de demolição, ruínas, ruas, avenida (São Paulo. Brasil)

Sinopse
Em um ambiente de ruínas residenciais uma mulher solitária dança sobre os escombros, como se fosse essa a herança humana deixada na Terra. Ferros retorcidos, vestígios de escadas, matérias em estado de caos e uma presença humana fantasmagórica que vaga compondo com os elementos e os lugares que cruzam o seu caminho. Obra não-linear que aborda o Antropoceno por meio da ecossomática. tensionando os tempos presente e futuro em sua narrativa, embalada por sons de vento e pássaros.

Bio
Michele Carolina é artista, pesquisadora, dançarina e diretora. Interessada na ética relacional entre os corpos e os ambientes. Tem por disparador poético as investigações de dança em lugares que sofrem especulação, alterações topográficas e áreas de preservação. Criadora e dançarina do Coletivo Ruínas.
Rafael Frazão é artista visual e pesquisador. Trabalha na intersecção entre arte, tecnologia e direitos humanos. Suas investigações orbitam: cosmopolítica, os estudos multi-espécies, o pensamento ameríndio e a filosofia da imagem. Artista residente em La Escocesa, Barcelona.  www.coletivoruinas.com.br

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Apocalyptica
Brazil, 2021. 10:19 min
PREMIERE

Dance, choreography and costumes: Michele Carolina Silva
Video capture and editing: Rafael Chaud Frazão

Filming location
Demolition sites, ruins, streets, avenue (Sao Paulo. Brazil)

Synopsis
In an environment of residential ruins, a solitary woman dances on the rubble, as if this were the human legacy left on Earth. Twisted iron, traces of stairs, materials in a state of chaos and a ghostly human presence that wanders composing with the elements and places that cross its path. Non-linear work that addresses the Anthropocene through ecosomatics. tensioning the present and future times in its narrative, rocked by the sounds of wind and birds.

Bio
Michele Carolina is an artist, researcher, dancer and director. Interested in relational ethics between bodies and environments. Her poetic trigger is dance investigations in places that suffer speculation, topographic changes and preservation areas. Creator and dancer of Coletivo Ruínas.
Rafael Frazão is a visual artist and researcher. He works at the intersection of art, technology and human rights. His investigations orbit: cosmopolitics, multi-species studies, Amerindian thought and the philosophy of the image. Artist in residence at La Escocesa, Barcelona. www.coletivoruinas.com.br

Animais me percebem, paisagem me escuta
Brasil, 2021. 8:05  min
Foto

Direção: Morena Nascimento
Concepção e Dança: Ana Carolina Mundim
Direção de vídeo e Fotografia: Igor Cavalcante
Edição: Igor Cavalcante e Morena Nascimento
Música: Sous le sable – Camille
Apoios: Casa de Cultura Alemã, Instituto Goethe, Universidade Federal do Ceará, Instituto de Cultura e Arte da UFC, Cursos de Dança da UFC, Casa Absurda

Local de filmagem: 
Cumbuco, Fortaleza, Ceará, Brasil

Sinopse
Neste trabalho a latência de uma dança telepática é evocada, bagunçando a ordem dos hábitos e ativando imaginários oníricos. São colocados em movimento constante as invisibilidades que nos permeiam e como elas atravessam a corporalidade, entendendo a indivisibilidade corpoespaço e o fato de que somos natureza. Essa dança é dos ventos e das dunas, do Simbioceno, que constrói outros mundos, em uma relação que se organiza em esferas a partir de um olhar poético, feminino e cuidadoso a cada respiro.

Bios
Morena Nascimento foi bailarina intérprete do Tanztheater Wuppertal Pina Bausch (companhia com a qual continua atuando como convidada) e desenvolve trabalho autoral como artista independente desde 2001.

Ana Mundim é multiartista. Realizou estágio Pós Doutoral em Artes pela Universitát de Barcelona. Desde 2017 é docente dos cursos de Graduação em Dança e do Programa de Pós Graduação em Artes da Universidade Federal do Ceará. Coordena o grupo de pesquisa Dramaturgia do Corpoespaço. Integrou diversos espetáculos, sendo Matagal e Deep suas produções mais recentes.

Igor Cavalcante é fotógrafo e produtor cultural, graduado em comunicação social pela UFC. Fez parte de exposições coletivas locais e nacionais. Atualmente é o Diretor-presidente do Instituto  da Fotografia – IFOTO.

Animals perceive me, the landscape listens to me
Brazil, 2021. 8:05 min

Director: Morena Nascimento
Concept and Dance: Ana Carolina Mundim
Video Direction and Photography: Igor Cavalcante
Editing: Igor Cavalcante and Morena Nascimento
Music: Sous le sable – Camille

Support: House of German Culture, Goethe Institute, Federal University of Ceará, UFC Institute of Culture and Art, UFC Dance Courses, Absurda House

Filming location: Cumbuco, Fortaleza, Ceara, Brazil

Synopsis
In this work, the latency of a telepathic dance is evoked, messing up the order of habits and activating oneiric imaginaries. The invisibilities that permeate us and how they cross corporeality are put in constant motion, understanding the bodyspace indivisibility and the fact that we are nature. This dance is of the winds and dunes, of the Symbiocene, which builds other worlds, in a relationship that is organized in spheres from a poetic, feminine and careful look at each breath.

Bios
Morena Nascimento was a performer dancer at Tanztheater Wuppertal Pina Bausch (a company with which she continues to perform as a guest) and has been developing authorial work as an independent artist since 2001.
Ana Mundim is a multi-artist. She completed a Post Doctoral internship in Arts at the Universitát de Barcelona. Since 2017, she has been teaching Graduate Dance Courses and the Graduate Program in Arts at the Federal University of Ceará. She coordinates the research group Dramaturgia do Corpoespaço. She was part of several shows, with Matagal and Deep being her most recent productions.
Igor Cavalcante is a photographer and cultural producer who graduated in social communication from UFC. He has been part of local and national group exhibitions. He is currently the CEO of Instituto da Fotografia-IFOTO.
https://anamundim.46graus.com/ – Instagram @mundim.ana 

Andamento
Brasil, 2021. 18:55 min
Foto

Performers: Margô Assis & Thembi Rosa
Fotografia: Marcos M Marcos
Assistente: Pedro Gibram
Trilha Sonora: O Grivo

Local de filmagem
Lagoa de Capitólio . MG

Sinopse
Andamento foi uma video performance realizada durante a pandemia. Um dos desdobramentos da intervenção urbana Parquear Bando (2015) do Dança Multiplex. Nesta versão para vídeo, Margô Assis, Thembi Rosa e Marcos Moreira Marcos realizaram um caminhar lento em direção a lagoa com o equilíbrio dos bambus, compondo com o tempo e o entorno. Foram realizados vários longos planos sequências que resultaram em dois vídeos com a trilha sonora composta pelo duo instrumental O Grivo.

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Andamento (DEVELOPMENT)
Brazil, 2021. 18:55 min

Performers: Margô Assis & Thembi Rosa
Photography: Marcos M Marcos,
Assistant: Peter Gibram
Soundtrack: The Grivo

Filming location: Capitol Lagoon. MG

Synopsis
Andamento was a video performance made during the pandemic. One of the consequences of the urban intervention Parquear Bando (2015) by Dança Multiplex. In this video version, Margô Assis, Thembi Rosa, and Marcos Moreira Marcos took a slow walk towards the lagoon with the balance of bamboos, composing with time and the surroundings. Several long sequence shots were made that resulted in two videos with a soundtrack composed by the instrumental duo O Grivo. 

ÁGUA VIVA
Brasil, 2022. 20:00 min
Fotos

Direção artística, roteiro e coreografia: Eva Santoro
Dançarinas: Eva Santoro, Luciana Ferreira e Victor Miriam Sebastião
Música, trilha sonora: Sol Sebastian Piñeda e Alana Mendes
Direção de fotografia: Mateus Rosa
Drone: Davi Boarato
Montagem: Renata Franco
Finalização de cor: Natalia Vitral
Iluminação: Luciene Araújo
Audiodescrição: Thiago Santana
Figurino: Daniela Carvalho, Maria Lúcia e Katy Lamadrid
Produção: Kenia Santos

Apoio cultural: Maria Schuler (Casa das Cores)
Agradecimentos: Bela (Centro Vida na Terra), Warla Paiva, Katiane Negrão, Cia. Mundu Rodá

Local de filmagem Rio dos Couros, Morro da Baleia, Rio das Almas, Alto Paraíso de Goiás e Cavalcante, Goiás, Brasil

Sinopse
Água Viva emerge de memórias corporais da percepção biológica da origem da vida. A relação entre o desenvolvimento dos seres vivos e os elementos naturais. O movimento que invoca a ancestralidade, no contínuo ciclo entre o nascimento, a vida e a morte. Potência para o fortalecimento de vínculos com outras dimensões cósmicas. Anuncia a presença das entidades da água, em suas manifestações em essência para a vida no planeta. A consciência para a preservação em relação de pertencimento numa dança constante com a força de gravidade, o vínculo que nos conecta com a Terra.

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Água viva (LIVING WATER)

Brazil, 2022. 20:00 min

Artistic direction, script and choreography: Eva Santoro
Dancers: Eva Santoro, Luciana Ferreira and Victor Miriam Sebastião
Music, soundtrack: Sol Sebastian Piñeda and Alana Mendes
Director of photography: Mateus Rosa
Drone: Davi Boarato
Editing: Renata Franco
Color finishing: Natalia Vitral
Lighting: Luciene Araújo
Audio description: Thiago Santana
Costume designer: Daniela Carvalho, Maria Lúcia and Katy Lamadrid
Production: Kenya Santos
Cultural support: Maria Schuler (House of Colors)
Acknowledgements: Bela (Centro Vida na Terra), Warla Paiva, Katiane Negrão, Cia. Mundu Rodá

Filming location Rio dos Couros, Morro da Baleia, Rio das Almas, Alto Paraíso de Goiás and Cavalcante, Goiás, Brazil

Synopsis
Água Viva emerges from bodily memories of the biological perception of the origin of life. The relationship between the development of living beings and natural elements. The movement that invokes ancestry, in the continuous cycle between birth, life and death. Power to strengthen bonds with other cosmic dimensions. It announces the presence of water entities, in their essence manifestations for life on the planet. Consciousness for preservation in a relationship of belonging in a constant dance with the force of gravity, the bond that connects us with the Earth.

Libido
Brazil, 2021. 4 min

Location / Locação: Andaraí, Rio de Janeiro, RJ, Brasil

Creative Team:
Director, performer and editor: Rubens Takamine
Production: Collective Kinesthesia

Ficha técnica:
Direção e edição: Rubens Takamine
Produção: Cinestesia Coletiva

Synopsis:
“Gaia relieves your tension through telluric orgasms. There is a flow that interconnects and organizes all living and non-living things. Instinctive force of creation, chaosmotic, latent within each molecule. Libido or the psychic energy that drives life.”

Sinopse:
“Gaia alivia sua tensão através de orgasmos telúricos. Há um fluxo que interliga e agencia todas as coisas vivas e não vivas. Força instintiva da criação, caosmótica, latente dentro de cada molécula. Libido ou a energia psíquica que impulsiona a vida.”

Mini bio:

Rubens Takamine is an artist, filmmaker and image researcher born in São Paulo. His practice emerges from collective dances with different corporeities: humans, plants, stones, shadows, projections, holograms, mirrors and disused technical objects. He is a Master in Visual Arts (EBA / UFRJ) and PhD candidate in Communication and Culture (ECO / UFRJ).

Rubens Takamine é artista, filmmaker e pesquisador de imagens. Nascido em São Paulo, vive e trabalha onde o trabalho chamar. Sua prática emerge de danças coletivas com diferentes corporeidades: humanos, plantas, pedras, sombras, projeções, hologramas, espelhos e objetos técnicos em desuso. Já participou de mostras, exposições e festivais de cinema, como Arquivo em Cartaz, Curta Cinema, VideoMovimiento, For Rainbow, Ecrã, Dobra, Bienal da EBA, ÑZanza, dentre outros. É doutorando em Comunicação e Cultura (ECO/UFRJ) e mestre em Artes Visuais (EBA/UFRJ).

Ynstalação Cabokètykas: Corredora [Cabokètykas Installation: Corridor]
Brazil, 2021. 21 min

Creative Team:
Director: Pedro Olaia
Performers: Pedro Olaia, André Romão, Marília Frade, Jay Soares, Paulo César Jr., Mauricio Franco, Thiago Ferradaes, Xan Marçall, Mariah, Jôh Macias, Romeu Figueiró, Eloisa, Filha Lipe Candy, MC Pokaroupas, Maria do Bairro
Theater preparation: Paulo César Jr.
Visual design and costumes: Mauricio Franco
Lighting: Thiago Ferradaes
Consulting: Xan Marçall, Mariah, José Sena, Maria do Bairro
Text: “Explanation on gender theory in an accessible way” by Xan Marçall
Voice over: Xan Marcall
Camera, editing, soundtrack: San Marcelo
Making off: Pierre Azevedo
Production: Pedro Olaia, André Romão, Marília Frade
Production Assistant: Jay Soares

Ficha técnica:
Direção: Pedro Olaia
Performers: Pedro Olaia, André Romão, Marília Frade, Jay Soares, Paulo César Jr., Mauricio Franco, Thiago Ferradaes, Xan Marçall, Mariah, Jôh Macias, Romeu Figueiró, Eloisa, Filha Lipe Candy, MC Pokaroupas, Maria do Bairro
Preparação teatral: Paulo César Jr.
Concepção visual e figurino: Mauricio Franco
Iluminação: Thiago Ferradaes
Consultoria: Xan Marçall, Mariah, José Sena, Maria do Bairro
Texto: “Explanação sobre teoria de gênero ao modo acessível” de Xan Marçall
Voz off: Xan Marçall
Câmera, montagem, trilha sonora: San Marcelo
Making off: Pierre Azevedo
Produção: Pedro Olaia, André Romão, Marília Frade
Assistente de Produção: Jay Soares

Location / Locação: Bragança-Pará

Synopsis:
Cabokètykas are acabokade artists who des/construct scenes of everyday life, proposing dialogues with dissident bodies that escape the cisheteronormative pattern in the Amazons. The film produced in poetic and everyday scenes is a performing arts experimentation that presents each acronym of the term lgbtqia+ and possible identities and identifications outside the colonizing patterns that existed and exist in the various Amazonian regions and that carry ancestry in an intrinsic relationship between human beings, nature and enchanted.

Sinopse:
Cabokètykas são artistas acabokades que des/constroem cenas do cotidiano, propondo diálogos com corpas dissidentes que fogem do padrão cisheteronormativo nas Amazônias. O filme produzido em cenas poéticas e cotidianas é uma experimentação artístico performática que apresenta cada sigla do termo lgbtqia+ e possíveis identidades e identificações fora dos padrões colonizatórios que existiram e existem nas diversas regiões amazônidas e que carregam a ancestralidade em uma intrínseca relação entre seres humanes, natureza e encantados.

Mini-bio:

Olaia: Artivist; Romão: Producer; Friar: Artivist; Jay: Producer; Paulo: Director, actor and producer (Correnteza Produções); Franco: Director, actor, costume designer and performer; Ferradaes: Illuminator and performer; Xan: Director, actress, and performer; Mariah: Performer; Jôh: Actress, performer and social media; Figueiró: actor, performer and gamer; Elô: Singer and performer; Lipe: Actress and performer; Kelle: Producer (Coletivo Águas do Caeté); Sena: Artivist and researcher; Pokaroupas: Singer and performer; Azevedo: Photographer; San: Director and co-producer (Sapucaia Filmes); Maria do Bairro: Benzedeira.

Olaia: Artivista; Romão: Produtor; Frade: Artivista; Jay: Produtora; Paulo: Diretor, ator e produtor (Correnteza Produções) ; Franco: Diretor, ator, figurinista e performer; Ferradaes: Iluminador e performer; Xan: Diretora, atriz, e performer; Mariah: Performer; Jôh: Atriz, performer e social media; Figueiró: ator, performer e gamer; Elô: Cantora e performer; Lipe: Atriz e performer; Kelle: Produtora (Coletivo Águas do Caeté); Sena: Artivista e pesquisador; Pokaroupas: Cantora e performer; Azevedo: Fotógrafo; San: Diretor e coprodutor (Sapucaia Filmes); Maria do Bairro: Benzedeira.

Wing [Asa]
Australia, 2021. 3,5 min

Creative Team:
Directors: Linda Luke, Martin Fox
Choreography and performance: Linda Luke
Video: Martin Fox
Voice over: Clare Grant
Composer: Eugene Ward
Video: Martin Fox

Direção: Linda Luke, Martin Fox
Coreografia e performance: Linda Luke
Video: Martin Fox
Voz off: Clare Grant
Compositor: Eugene Ward
Video: Martin Fox

Location / locação: Wollongong coast, NSW, Australia

Synopsis:
A bird brings together a dancer, a poet, a filmmaker, a composer – to touch the fragility of life and extinction.

Sinopse:
Um pássaro reúne um dançarino, uma poeta, um cineasta, um compositor – para tocar a fragilidade da vida e da extinção.

Minibio:

For twenty years, Linda Luke has been working as a performer, choreographer, director and filmmaker on various performance platforms. Her work around the reduction of performative anthropocentrism aims – through sensitization to immanent and external sub-currents of the body – to re-establish the perception of the richness of non-human elements in our environment.

Há vinte anos, Linda Luke trabalha como performer, coreógrafa, diretora e cineasta em diversas plataformas performativas. Seu trabalho em torno da redução do antropocentrismo performativo visa – através da sensibilização para sub-correntezas imanentes e externas ao corpo – restabelecer a percepção da riqueza de elementos não humanos em nosso meio ambiente.

Hear Us [Ouça-nos]
Poland, 2021. 7 min

Author / Autor: Jarek Lustych

Location / Locação: Krzyżowa, Varsóvia – Polônia

Synopsis:
“The introduction of non-human beings as active participants in the field of art and recognizing their subjectivity leads to an empathic understanding of these beings. It allows discovering shared and hitherto unrecognized possibilities and effects of creativity. The synergy of human and non-human activity can change the current perception of the phenomenon of life and the human place in the world. The video’s soundtrack consists of recordings of sounds extracted from the mushrooms, the surroundings and the author. ”

Sinopse:
“A introdução de seres não humanos como participantes ativos no campo da arte e reconhecer sua subjetividade leva a uma compreensão empática desses seres. Permite descobrir possibilidades e efeitos de criatividade compartilhados e até então não reconhecidos. A sinergia da atividade humana e não humana pode mudar a percepção atual do fenômeno da vida e do lugar humano no mundo. A trilha sonora do vídeo consiste em gravações de sons extraídos dos cogumelos, do entorno e do autor. ”

Mini bio:

Jarek Lustych is a Polish visual artist (*1961). After his basic training and after fifteen years of a career in the confined space of printmaking, Lustych redefined and enriched his artistic perception and practice with the realization of sculptures, installations, urban interventions, and site-specific actions.

Jarek Lustych é artista visual polonês (n.1961). Após sua formação básica e depois de quinze anos de carreira no espaço confinado da gravura, Lustych redefiniu e enriqueceu sua percepção e prática artística com a realização de esculturas, instalações, intervenções urbanas e ações site-specific.

Às palmas das mãos não se mente [You Can't Lie to the Palms of your Hands]
Spain/Portugal, 2021. 7 min

Creative Team
Concept, director, editor: Sara Brum
Performer: Raquel Rasposo
Assistant: André Laranjerinha
Text: Adaptation of “Landscape with a woman and the sea in the background” by Teolinda Gersão

Ficha técnica:
Concepção, direção e edição: Sara Brum
Performer: Raquel Rasposo
Assistência: André Laranjerinha
Texto: Adaptação de “Paisagem com mulher e mar ao fundo” de Teolinda Gersão

Location / Locação: Ilha Terceira, Açores

Synopsis:
“How to survive nostalgia? The absence in the isolated earth? Just entering the body, opening space.”

Sinopse:
“Como sobreviver a nostalgia? A ausência na terra isolada? Só entrando no corpo, abrindo espaço.”

Mini bio:

Sara Brum was born in the Algarve/Portugal and grew up in Spain. She investigates the visual, the word and the body from a relational, symbolic, intimate, everyday and feminist perspective in the hope that her images will be channels and meeting spaces for mutual growth.

Sara Brum nasceu no Algarve e cresceu na Espanha. Investiga o visual, a palavra e o corpo a partir de uma perspectiva relacional, simbólica, íntima, cotidiana e feminista na esperança de que suas imagens sejam canais e espaços de encontro para o crescimento mútuo.

Co-habit [Co-hábito]
Australia 2021, 12 min

Creative Team:
Concept and performance: Gretel Taylor
Video and sound: Laki Sideris

Ficha técnica:
Conceito e performance: Gretel Taylor
Vídeo e som: Laki Sideris

Locations / Locações: Kalorama, Olinda and Balnarring, Victoria, Austrália.

Synopsis:
The anthropo-pause imposed by Covid-19 offered the possibility of a rearrangement between human and non-human worlds in which we could assume a less dominating role. In the hasty return to our anthropocentric lives, Co-habit is a reminder of that possibility.

Sinopse:
A antropo-pausa imposta pela Covid-19, ofereceu a possibilidade de um rearranjo entre os mundos humano e não humano em que poderíamos assumir um papel menos dominador. No retorno apressado a nossas vidas antropocêntricas, Co-hábito é um lembrete dessa possibilidade.

Mini-bio:

Gretel Taylor is a dancer, curator and researcher with an international trajectory. She bases her performances on Body Weather, live art and improvisation as a place to activate decolonizing and ecological themes. Recently, her performance Restless won Best Work at the Immerse Festival.

Laki Sideris is a photographer and videographer with exhibitions and films shown across Australia. She was a finalist in awards such as the Head on Photo Festival, Moran Contemporary Photographic Prize, CCP Documentary and Ballarat Foto Biennale.

Gretel Taylor é bailarina, curadora e pesquisadora com trajetória internacional. Baseia sua performance em Body Weather, live art e improvisação como lugar para ativar temas descolonizadores e ecológicos. Recentemente, sua performance Restless ganhou o prêmio de Melhor Trabalho no Immerse Festival.

Laki Sideris é fotógrafo e cinegrafista com exposições e filmes exibidos em toda a Austrália. Foi finalista em prêmios como Head on Photo Festival, Moran Contemporary Photographic Prize, CCP Documentary e Ballarat Foto Biennale.”

Monuments of Decadence and Depravity [Monumentos de decadência e depravação]
Canada, 2021. 8 min

Author and performer: Scott W
Autor e performer: Scott W

Location / Locação: Abandoned oil wells / Poços de petróleo abandonados, Edmonton, Alberta, Canada

Synopsis:
In Monuments of Decadence and Depravity, ‘orphaned’ oil wells on the Canadian prairies become the site of an artistic intervention. An invented form of sport serves as a claim to private, locked and usually inaccessible spaces. The action seeks a confrontation between Rem Koolhaus’ Junk Space and Robert Smithson’s liberal classification of the monument. Objects “covered in mirror or gold…” refer to the Cree, Blackfoot, Sioux and Iroquois tribes, the original inhabitants of these spaces.

Sinopse:
Em Monumentos de decadência de depravação, poços de petróleo ‘órfãos’ nas pradarias canadenses tornam-se o local de uma intervenção artística. Um forma de um esporte inventada serve como reivindicação de espaços privados, trancados e, normalmente, inacessíveis. A ação busca um confronto entre o Junk Space de Rem Koolhaus e a classificação liberal do monumento de Robert Smithson. Objetos “cobertos de espelho ou ouro…” fazem referência às tribos Cree, Blackfoot, Sioux e Iroquois, os habitantes originais desses espaços.

Mini-bio:

Scott W (1989) is a Canadian artist and filmmaker interested in the confrontation between different media, themes and simultaneities. His work draws from a wide variety of sources including: economic theory, postmodern literature, contemporary poetry, and speculative futures.

Scott W (1989) é um artista e cineasta canadense interessado no confronto entre diferentes mídias, temas e simultaneidades. Seu trabalho se inspira em uma ampla variedade de fontes, incluindo: teoria econômica, literatura pós-moderna, poesia contemporânea e futuros especulativos.

Poema em autofagia [Poem in Autophagy]
Brazil, 2021. 19 min

Parental rating / Classificação indicativa:: 14 anos

Creative Team:
Collective creation: Alessandra CA, Isadora Roxo, Marina Pavan and Oli Campelo
Editors: Gabriel Liparini, Ana Carolina Reis
Director: Adilson Siqueira
Stage Direction: Alessandra CA, Wesley Furquim
Co-Directors: Ana Marina Nascimento, Gabriela Januário, Isadora Roxo, Marina Pavan, Oli Campelo
Body coaching: Ana Marina Nascimento, Wesley Furquim
Art Direction: Alessandra CA, Gabriel Liparini, Marina Pavan
Stage design/Technical direction: Ana Carolina Reis, Gabriel Liparini, Marina Pavan.
Dramaturgy: Oli Campelo and material co-production by Alessandra CA, Patrick Veniali da Silva. Based on the works “They were many horses” by Luiz Ruffato and “Paulicéia Destoante” by Octávio Zazzera
Camera: Ana Laura Ajjar, Marina Pavan, Alessandra CA, Gabriella Zanardi, Marcio Pinheiro do Prado, Isadora Roxo, Oli Campelo, Annick Matalon, Savico Iecker, Gabriel Liparini.
Performers: Alessandra CA, Ana Marina Nascimento, Gabriela Januário, Isadora Roxo, Marina Pavan, Oli Campelo
Music: Carlos Bolin and Marina Pavan
Producer: Isadora Roxo

Ficha técnica:
Criação coletiva: Alessandra CA, Isadora Roxo, Marina Pavan e Oli Campelo
Edição criativa: Gabriel Liparini e Ana Carolina Reis
Direção: Adilson Siqueira
Direção de cena: Alessandra CA, Wesley Furquim
Co-direção de cena: Ana Marina Nascimento, Gabriela Januário, Isadora Roxo, Marina Pavan, Oli Campelo
Direção corporal: Ana Marina Nascimento, Wesley Furquim
Direção de arte: Alessandra CA, Gabriel Liparini, Marina Pavan
Designer espetacular/Direção técnica: Ana Carolina Reis, Gabriel Liparini, Marina Pavan.
Dramaturgia: Oli Campelo e co-produção de materiais por Alessandra CA, Patrick Veniali da Silva. A partir das obras “Eles eram muitos cavalos” de Luiz Ruffato e “Paulicéia Destoante” de Octávio Zazzera
Câmera: Ana Laura Ajjar, Marina Pavan, Alessandra CA, Gabriella Zanardi, Marcio Pinheiro do Prado, Isadora Roxo, Oli Campelo, Annick Matalon, Savico Iecker, Gabriel Liparini.
Performers: Alessandra CA, Ana Marina Nascimento, Gabriela Januário, Isadora Roxo, Marina Pavan, Oli Campelo
Musicalidade: Carlos Bolin e Marina Pavan
Produção: Isadora Roxo

Locations / Locações: Vinhedo-SP, Valinhos-SP, Pedreira do Garcia- Campinas-SP, Piracaia-SP, Av Faria Lima-São Paulo-SP, Juquery State Park- São Paulo-SP, Itupararanga Dam-SP, São João Del Rei- MG, Neighborhood Urca- RJ, Praia Vermelha-RJ.

Synopsis:
Starting from the relationship between the body and climate change, Poem in Autophagy seeks to portray the issues of the so-called “anthropocene” in cities and in places of raw materials exploration. The performative language is based on reports and on drifts through the places where the performers live.

Sinopse:
Partindo das relações entre corpo e mudanças climáticas, Poema em Autofagia busca retratar, por meio da performatividade, as questões do chamado “antropoceno” nas cidades e nos locais de exploração das matérias primas. A linguagem performativa foi construída a partir de relatos e derivas pelos locais onde es performers residem.

Mini-bio:

Alessandra CA, Isadora Roxo, Marina Pavan and Oli Campelo are undergraduate students in Performing Arts at Unicamp. Gabriela Januário is a Performing Arts student at UniRio. Ana Marina Nascimento is a Dance student at UFSJ. Gabriel Liparini is a student of Arts and Design at UFJF. Ana Carolina Reis is a student of Social Sciences at UFJF.

Alessandra CA, Isadora Roxo, Marina Pavan e Oli Campelo são estudantes do curso de graduação em Artes Cênicas na Unicamp. Gabriela Januário é estudante de Artes Cênicas na UniRio. Ana Marina Nascimento é estudante de Dança na UFSJ. Gabriel Liparini é estudante de Artes e Design na UFJF. Ana Carolina Reis é estudante de Ciências Sociais na UFJF.

Log [Barra]
Ukraine, Russia, 2021. 4 min

unpublished / inédito

Creative Team:
Authors and performers: Daria Pugachova, Zhanar Bereketova
Cameraman: Evgenyi Datsenko

Ficha técnica:
Artistas: Daria Pugachova, Zhanar Bereketova
Cinegrafista: Evgenyi Datsenko

Location / Locação: Parking place, Kiev/Ukraine

Synopsis:
The log is a functional barrier that marks the beginning of a parking area. Dasha and Zhanar carry the log between two brick walls, between the confines of the parking lot. The action, apparently linear, is a loop.

Sinopse:
O log é uma barreira funcional que marca o início de uma área de estacionamento. Dasha e Zhanar carregam o log entre duas paredes de tijolos, entre os limites do estacionamento. A ação, aparentemente linear, é um loop.

Mini-bio:

Daria Pugachova is a Ukrainian visual artist and performer who graduated from the Victor Mardushenko School of Photography and graduated from the Kiev ura National University of Construction and Architecture.
Zhanar Bereketova is a Russian visual artist graduated from the University of Hertfordshire/England. The collaboration of the duo Dasha+Zhanar around the creation of video, installations, objects, photographs and performances began in 2019.

Daria Pugachova é uma artista visual e performer da Ucrânia formada pela Escola de Fotografia Victor Mardushenko e graduada pela Universidade Nacional de Construção e Arquitectura ura de Kiev.
Zhanar Bereketova é artista visual russa formada Universidade de Hertfordshire/Inglaterra. A colaboração da dupla Dasha+Zhanar em torno da criação de vídeo, instalações, objetos, fotografias e performances iniciou-se em 2019.

Respiro: Capítulo III – Água [Breathing: Chapter III - Water]
Brazil, 2021. 4.55 min

Creative Team:
Production, direction, photography, sound, editing, editing: João Paulo Machado
Production and camera: Karol Martins
Producer: Robledo Barbosa

Ficha técnica:
Produção, direção, fotografia, som, edição, montagem: João Paulo Machado
Produção e câmera: Karol Martins
Produção: Robledo Barbosa

Location / Locação: Uberlândia, Minas Gerais, Brasil

Synopsis:
The idea for “Breathe” appears in 2020, along with the corona virus pandemic. It consists of a series of four films based on the theme of the solitude involved in the everyday tensions that touch the body, time and space. Each film is about one of the four natural elements: air, fire, water and earth. This third film is about “water”. It’s about a journey to another place, another state where time passes slowly; about loneliness; death (of something); about change.

Sinopse:
A ideia para “Respiro” começa em 2020, juntamente com a pandemia de corona vírus. Consiste em uma série de quatro filmes cujo tema seria a solidão implicada nas tensões cotidianas que tangenciam o corpo, o tempo e o espaço. Cada um deles é sobre um dos quatro elementos naturais: ar, fogo, água e terra. Este terceiro filme é sobre “água”. É sobre uma jornada para outro lugar, outro estado onde o tempo passa lentamente; sobre solidão; morte (de algo); sobre mudança.

Mini-bio:

João Paulo Machado is a filmmaker, photographer, bread maker and many other things that time does not allow.

João Paulo Machado é cineasta, fotógrafo, fazedor de pão e de várias outras coisas que o tempo não permite.

Ogum’s Story [História de Ogum]
Brazil, Canada, Palestina, 2020. 11 min

unpublished / inédito

Creative Team
Authors and producer: Nancy de Souza e Silza (Dona Cici), Mika Lillit Lior, Angel Robin Fox
Concept and direction: Dona Cici
Choreography and Dance: Mika Lior
Filming and Editing: Angel Robin Fox
Music: Luan Cleiton

Ficha técnica:
Autoria e produção: Nancy de Souza e Silza (Dona Cici), Mika Lillit Lior, Angel Robin Fox
Concepção e direção: Dona Cici
Coreografia e dança: Mika Lior
Filmagem e edição: Angel Robin Fox
Música: Luan Cleiton

Location / Locações: Federal University of Bahia, Pierre Verger Cultural Center, Dois de Julho, Salvador, Bahia, Brazil

Synopsis:
Narrative and choreographic eco-performance film directed by Candomblé elder and public intellectual Nancy da Silva e Souza (Dona Cici). The film reflects on the complexities of intercultural research and pays homage to Dona Cici’s repertoire of orixás knowledge, involving humans and eco-environments in a mythographic narrative of the trials of the divinity Ogum.

Sinopse:
Filme eco-performance de narração e de dança dirigido pela anciã do candomblé e intelectual pública Nancy da Silva e Souza (Dona Cici). O filme reflete sobre as complexidades da pesquisa intercultural e homenageia o repertório de saberes orixás de Dona Cici, envolvendo humanos e ecoambientes em uma narrativa mitográfica das provações da divindade Ogum.

Mini-bio:

Nancy de Souza e Silva AKA Dona Cici is a storyteller and Afro-Brazilian dance and music master born in Rio de Janeiro, Brazil. In 1972, after her initiation into Candomblé Ilê Axé Opo Aganju, she moved to Salvador, Bahia. She worked with French photographer/ethnologist Pierre Verger. Mika Lior is a dance artist with a PhD in Culture and Performance from the University of California, Los Angeles. Angel Robin Fox is a Palestinian filmmaker and movement artist currently based in Salvador, Bahia.

Nancy de Souza e Silva AKA Dona Cici é contadora de histórias e mestre da dança e música afro-brasileira nascida no Rio de Janeiro, Brasil. Em 1972, após sua iniciação no Candomblé Ilê Axé Opo Aganju, Mudou-se para Salvador, Bahia. Trabalhou com o fotógrafo/etnólogo francês Pierre Verger. Mika Lior é artista de dança com PhD em Cultura e Performance pela Universidade da Califórnia, Los Angeles. Angel Robin Fox é um cineasta e artista de movimento da Palestina, atualmente residente em Salvador, Bahia.

Two Cups of Freedom to drink at any Time

[Dois copos de liberdade para tomar a qualquer momento]
Catalonia/Spain, 2021. 13 min

Creative Team
Authors, editors, producers:Jordina Ros, Pere Estadella
Camera and drone: David Pallares
Musical design: Pol Ros

Ficha técnica:
Autoria, edição e produção: Jordina Ros, Pere Estadella
Câmera e drone: David Pallares
Desenho musical: Pol Ros

Location / Locação: Rural area, Agrícula Cambrils, Spain (Catalonia)

Synopsis:
“We limit space, we limit our environment. We desperately seek freedom, but we have fallen into our own trap: four walls.”

Sinopse:
“Limitamos o espaço, limitamos nosso ambiente. Buscamos desesperadamente a liberdade, mas caímos em nossa armadilha: as quatro paredes.”

Mini bio:

Jordina Ros and Pere Estadella are visual artists trained in different disciplines who work with video performance, face-to-face performance and installation. Currently, they work in natural environments.

Jordina Ros e Pere Estadella são artistas visuais formadas em disciplinas distintas que trabalham com videoperformance, performance presencial e instalação. Atualmente, realizam trabalhos em ambientes naturais.

Laniakea
Mexico, 2021. 4.52 min

Unpublished / Inédito

Parental rating / Classificação indicativa: 18

Creative Team:
Director: Gabriel Ledon
Performers: Raúl Bermúdez, Rayne Rayne, Gabriel Ledón.
Camera: Alejandra R. Saavedra.
Editing: Gabriel Ledon.
General assistance: Yan Martínez
Original music: Julian Winter, Mindseye.
Production: Fourth Fractal
Executive production: Cuarto estudio, Cuarto Fractal.

Ficha técnica:
Direção: Gabriel Ledon
Performers: Raúl Bermúdez, Rayne Rayne, Gabriel Ledón.
Câmera: Alejandra R. Saavedra.
Edição: Gabriel Ledon.
Assistência geral: Yan Martínez
Música original: Julian Winter, Mindseye.
Produção: Cuarto Fractal
Produção executiva: Cuarto estudio, Cuarto Fractal.

Location / Locação: Ensenada, Baja California, México.

Synopsis:
Laniakea shows the landscape as a poetic conjunction and approaches the body as a link between the natural setting and human activity in the environment. In this short film, the performative movement starts from the experience and sensorial connection and aims at the integration and composition with the textures and shapes of different natural and artificial scenarios.

Sinopse:
Laniakea traz a paisagem como conjunção poética e aborda o corpo como elo entre o cenário natural e a atividade humana no meio ambiente. Nesse curta-metragem, o movimento performativo parte da experiência e conexão sensorial e visa a integração e composição com as texturas e formas de cenários naturais e artificiais diversos.

Mini-bio:

Gabriel Ledon Flores was born in 1984 in Tijuana, Southern California. A graduate of the University Institute of Fine Arts at the University of Colima, he is an award-winning choreographer and artistic director of Fourth Fractal Performing Arts.

Gabriel Ledon Flores nasceu em 1984 em Tijuana, no Sul da California. Formado pelo Instituto Universitário de Belas Artes da Universidade de Colima, é coreógrafo premiado e diretor artístico da Fourth Fractal Performing Arts.

Music-Thanatologist [Tanatologista musical]
USA, 2022. 3.45 min

Creative Team
Author and harpist: Catharine DeLong
Video: Joe Felt, Victoria Felt

Ficha técnica:
Autora e harpista: Catharine DeLong
Video: Joe Felt, Victoria Felt

Location / Locação: Great Salt Lake and Moab, Utah, EUA

Synopsis:
The harpist, a musical thanatology professional, takes her harp to places in nature to express sadness and gratitude. Her ephemeral musical offerings honor the present time. They make room for an infinity of losses, and also for the recognition of humanity’s disrespect for heaven and earth. Can music offer help to lost species and people?

Sinopse:
A harpista, profissional de tanatologia musical, leva sua harpa a locais na natureza para expressar tristeza e gratidão. Suas ofertas musicais efêmeras honram o tempo presente. Abrem espaço para uma infinidade de perdas, e também para o reconhecimento do desrespeito da humanidade para com o céu e a terra. A música pode oferecer socorro a espécies e pessoas perdidas?

Mini-bio:

Catharine DeLong is a certified music thanatologist and serves the emotional, physical and spiritual needs of palliative patients. She offers music thanatology sessions and chaplaincy services to patients at Aspire Hospice in Salt Lake City, Utah. She is a faculty member of the New York Open Center’s “Integrative Thanatology” certification program.

Catharine DeLong é uma tanatologista musical certificada e atende às necessidades emocionais, físicas e espirituais de pacientes paliativos. Oferece sessões de tanatologia musical e serviços de capelania para pacientes do Aspire Hospice em Salt Lake City, Utah. É membro do corpo docente do programa de certificação “Tanatologia Integrativa” do New York Open Center.

Gota D’água [Water Drop]
Brazil, 2022. 9.01min

Creative Team:
Conception and screenplay: Anderson Kaltner, Mathias Reis
Director: Mathias Reis
Director of photography: Mathias Reis, Mariana Aragão
Sound and art direction: Anderson Kaltner
Body preparation: Carol Gasquez
Editing: Mathias Reis
Collaborators: Graziele Simões, Paola L. Demanboro, Raphael Wohnrath, Seizo Soares

Ficha técnica:
Concepção e roteiro: Anderson Kaltner, Mathias Reis
Direção: Mathias Reis
Direção de fotografia: Mathias Reis, Mariana Aragão
Direção de som e de arte: Anderson Kaltner
Preparação corporal: Carol Gasquez
Montagem: Mathias Reis
Colaboradores: Graziele Simões, Paola L. Demanboro, Raphael Wohnrath, Seizo Soares

Location / Locação: Campinas and Louveira – São Paulo, Brasil.

Synopsis:
An incognito man transits between environments of scorched earth. Wandering through the landscapes, he wastes water, the most precious asset. How are the spasms of bodies in the face of tragedy? Through which pathways do anxiety and accumulated pressure travel? Is there, after all, some path to expression? Time expands, transforms itself, but… which tremor will precede an eruption, the last straw? There is no answer, no happiness, no sadness, just ether. In this pitch, there is a mystery in the tale of the black anu that reverberates in drops, rivers, seas, universes and galaxies so that we will never forget: everything is chaos and joy.

Sinopse:
Um homem incógnito transita entre ambientes de uma terra arrasada. Errante pelas paisagens, desperdiça água, bem mais precioso. Como são os espasmos dos corpos perante a tragédia? Por quais vias percorrem a ansiedade e a pressão acumulada? Haverá, afinal, algum caminho para a expressão? O tempo se dilata, se transforma, mas… qual tremor precederá uma erupção, a gota d’água? Não há resposta, nem felicidade, nem tristeza, apenas éter. Nesse breu, há um mistério no conto do anu-preto que reverbera em gotas, rios, mares, universos e galáxias para nunca esquecermos: tudo é caos e gozo.

Mini-bio:

Mathias Reis is a visual artist and a professor with a degree in visual arts with a master’s degree in Language, Media and Art from PUC-Campinas. Researches relationships between body, environment and image. Anderson Kaltner is a sound and visual artist with a degree in philosophy and a master’s degree in Music (Sonology) at UNICAMP with research focused on sound ecology and technologies.

Mathias Reis é artista visual e professo formado em artes visuais com mestrado em Linguagem, Mídia e Arte pela PUC-Campinas. Pesquisa relações entre corpo, ambiente e imagem.
Anderson Kaltner é artista sonoro-visual formado em filosofia e mestrando em Música (Sonologia) pela UNICAMP com pesquisa voltada a temáticas de ecologia sonora e tecnologias.

Why this now [Por que isso agora]
Switzerland, 2021. 22 minutos

Creative Team:
Author: Lucie Eidenbenz
Advising, camera, editing: David Huwiler
Performance: Lucie Eidenbenz, Pauline Huguet, Sofia Kouloukouri, Hervé Munz
Sound: David Huwiler, Jean-Francois Vercasson
Assistant: Yoan Jacquet
Produced by Association Brøcøliwald
Support: Département de la culture et de la transition numérique de la Ville de Genève, Fonds d’encouragement de l’emploi intermitents genevois (FEEIG)

Ficha técnica:
Autoria: Lucie Eidenbenz
Assessoria, câmera, edição: David Huwiler
Performance: Lucie Eidenbenz, Pauline Huguet, Sofia Kouloukouri, Hervé Munz
Som: David Huwiler, Jean-François Vercasson
Assistente: Yoan Jacquet
Produção: Association Brøcøliwald
Suporte: Département de la culture et de la transição numérique de la Ville de Genève, Fonds d’encouragement de l’emploi intermitents genevois (FEEIG)

Location / Localização: Cologny Platform and Parc La Grange, Geneva, Switzerland

Synopsis:
A group of four clumsy characters merging, traversing and interacting with three different landscapes that inform their actions. Are we moving or is the environment moving us? What are the secret meshes that intertwine us between humans and non-humans? Between cruelty, strangeness and poetry, life is dancing in its fragility and perplexity.

Sinopse:
Um grupo de quatro personagens desajeitados está se fundindo, atravessando e interagindo com três paisagens diferentes que informam suas ações. Estamos nos movendo ou o ambiente está nos movendo? Quais são as malhas secretas que nos entrelaçam entre humanos e não-humanos? Entre crueldade, estranheza e poesia, a vida está dançando em sua fragilidade e perplexidade.

Mini bio:

Based in Geneva, Lucie Eidenbenz took the choreographic training course E.x.e.r.c.e under the direction of Mathilde Monnier in France. Her main works are Traum Projekt (2010), Animals are like water in water (2011), Last Plays (2014) and Faune, faune, faune (2019). In 2015, her work TSCHÄGG received a special mention by the jury of the Concours Reconnaissance Danse (France). Eidenbenz holds a bachelor’s degree in Arts and a master’s degree in the Arts and Politics course directed by Bruno Latour at Sciences Po Paris.

Radicada em Genebra, Lucie Eidenbenz fez o curso de formação coreográfica E.x.e.r.c.e sob direção de Mathilde Monnier na França. Seus principais trabalhos são Traum Projekt (2010), Animals are like water in water (2011), Last Plays (2014) e Faune, faune, faune (2019). Em 2015, seu trabalho TSCHÄGG recebeu uma menção especial pelo júri do Concours Reconnaissance Danse (França). Eidenbenz é bacharel em Artes e mestre no curso de Artes e Política dirigido por Bruno Latour na Sciences Po Paris.

Avós do Brasil [Grandmothers of Brazil]
Brazil, 2021. 11 min

Creative Team:
Conception, direction and art direction: Oz Ferreira
Creators-Performers: Tatiana Reis, Gonçalina Reis, Fabiana Cruz, Micheli Cruz, Grazielly Costa, Oz Ferreira.
Director of photography: Rosano Mauro Jr
Editing and editing: Oz Ferreira and Perseu Azul
Sound Capture: Paulo Alipio
Special guest: Cilda Reis de Castro, Coraci Lima, Kamilla Braz, Tarsila Rubira, Ramon Rodrigo da Costa and Camila Viana.
Assistant Director and Production: Perseu Azul
Executive Producer: Leandro Marques Pereira
Co-production: Pepalantus Núcleo, Elementares do Quilombo, Cerberos Filmes

Ficha técnica:
Concepção, direção e direção de arte: Oz Ferreira
Criadoras-Intérpretes: Tatiana Reis, Gonçalina Reis, Fabiana Cruz, Micheli Cruz, Grazielly Costa, Oz Ferreira.
Direção de fotografia: Rosano Mauro Jr
Edição e montagem: Oz Ferreira e Perseu Azul
Captação de Som: Paulo Alípio
Participação especial: Cilda Reis de Castro, Coraci Lima, Kamilla Braz, Tarsila Rubira, Ramon Rodrigo da Costa e Camila Viana.
Assistente de direção e produção: Perseu Azul
Produção Executiva: Leandro Marques Pereira
Coprodução: Pepalantus Núcleo, Elementares do Quilombo, Cérberos Filmes

Location / Locação: Comunidade Quilombola Lagoinha de Baixo em Chapada dos Guimarães –

Synopsis:
Avós do Brasil is built from the affective memories of quilombola women. Living memories of past and present time, imprinted on the body and in constant transformation. The work is a river that flows: ”In this land we dance. Grandparents, mothers, daughters. We came from the sea, climbed the mountains, ate from the forests, planted the ground, lived in the rivers.”

Sinopse:
Avós do Brasil se constrói partir das memórias afetivas de mulheres quilombolas. Memórias vivas de um tempo passado e presente, impressas no corpo e em constante transformação. A obra é rio que corre: ”Nessa terra a gente dança. Avós, mães, filhas. Viemos do mar, subimos as serras, comemos das matas, plantamos o chão, vivemos os rio.”

Mini-bio:

Oz Ferreira is an actress, dancer, director, playwright, cultural producer and artist educator. She has a degree in dance from Universidade Anhembi Morumbi in São Paulo and is the founding director of Pepalantus Núcleo based in Chapada dos Guimarães in Mato Grosso.

Oz Ferreira é atriz, bailarina, diretora, dramaturga, produtora cultural e artista educadora. É formada em dança pela Universidade Anhembi Morumbi em São Paulo e diretora-fundadora do Pepalantus Núcleo atuante na Chapada dos Guimarães em Mato Grosso.

Connections: laying out the terrain of multi species justice
[Conexões: traçando o terreno da justiça multi-espécies]
Espanha, 2022. 8 min

unpublished / inédito

Authors / Autoras: Maria Muñoz e Cris Arcos

Location / Localização: Forest in Dornach, Basel, Switzerland.

Synopsis:
Metamorphosis of human beings into creatures of nature. The human being perceives the devastation produced by his passage through the earth and tries to merge with the environment, its creatures, its sounds, feeling it from the skin and the body, finding a true sustainability through a multispecies interdependence.

Sinopse:
Metamorfose de seres humanos em criaturas da natureza. O ser humano percebe a devastação produzida por sua passagem pela terra e tenta se fundir com o meio ambiente, suas criaturas, seus sons, sentindo-o a partir da pele e do corpo, encontrando uma verdadeira sustentabilidade através de uma interdependência multiespécies

Mini-bio:

Maria Muñoz and Cris Arcos are Swiss-based experimental artists with backgrounds in music, visual arts and physical theatre. Their artistic research is focused on poetic events that include sound, body and nature drawing.

Maria Muñoz e Cris Arcos são artistas experimentais sediadas na Suíça com formação em música, artes visuais e teatro físico. Sua pesquisa artística está voltada para acontecimentos poéticos que incluem desenho de som, corpo e natureza.

SETHICO
Brazil, 2021. 15 min

Director / Direção: Wagner Montenegro
Producer / Produção executiva: Andréa Veruska
Script / Roteiro: Andréa Veruska, Danielle Valentim, Wagner Montenegro
Criação de lambes: Filipe Gondi
Director of photography and video art / Direção de fotografia e videoarte: Breno César
Editor / Edição: Felipe Correia
Fang masks / Máscara Fang: Coleção Casa Africana
Costume / Figurino: Abdoulaye Dit Goumb Sow, Ousmane Diop
Dressmaker / Costureiro: Ousmane Diop
Sound track and sound design / Trilha sonora original e sound design: Rafaella Ornelis
Percussion / Sons percussivos: Nino Souza
Mixing and Masterization / Mixagem e masterização: Rafaella Orneles
Sound recording and still photography / Som diretor e fotografia still: Camila Silva

Location / Locação: Recife/PE

Synopsis / Sinopse:

The film shows a journey through places that mark the horror of the colonial tragedy, starting at the Capibaribe River, where many people trafficked from Africa entered Brazil and how to find survival strategies despite the ugliness of the world. (Note: Seth is the judge; and Sethico, his judgment.)

O filme traz uma travessia por lugares que marcam o horror da tragédia colonial, começando no rio Capibaribe, por onde muitas pessoas traficadas de África entraram no Brasil. Apesar da feiura mundo, encontra estratégias de sobrevivência. (Observação: Seth é o juiz; e Sethico, seu julgamento.)

Mini-bio:

Wagner Montenegro is an actor, producer, director and social scientist. He is co-founder of NEXTO – Núcleo de Experimentações em Teatro do Oprimido, where he applies, in partnership with Andréa Veruska, the Theater of the Oppressed method as a device for cinematographic creation in films such as “Women who Carry Men” (2018), “Perseguida” (2019) and the Webseries “Wound” (2020). He is also the director of “Letal” (2020).

Wagner Montenegro é ator, produtor, diretor e cientista social. É cofundador do NEXTO – Núcleo de Experimentações em Teatro do Oprimido, onde aplica, em parceria com Andréa Veruska, o método do Teatro do Oprimido como dispositivo para a criação cinematográfica em filmes como “Mulheres que Carregam Homens” (2018), “Perseguida” (2019) e a Websérie “Ferida” (2020). Assina também a direção de “Letal” (2020).

Harap Malindap [Por favor fique quieto]
Indonesia, 2021. 5 min

Unpublished / Inédito

Creative Team:
Director: Chols Verde
Performer: Jean Humaniora
Camera: Borneboii

Ficha técnica:
Direção: Chols Verde
Performer: Jean Humaniora
Câmera: Borneboii

Location / Localização: Yogyakarta, Indonésia

Synopsis:
“You can hear sobs in the distance. I’m also not sure what it is, hiccups or noisy corners. Human souls. Prayers fly in the sky. Everything that is waiting to be confirmed floats in the air and your voice. Lungs of the World.”

Sinopse:
“Você pode ouvir soluços à distância. Eu também não sei ao certo o que é, soluços ou cantos barulhentos. Almas humanas. Orações voam no céu. Tudo o que está a espera de ser confirmado flutua no ar e sua voz. Pulmões do Mundo.”

Mini-bio:

Chols Verde & Jean Humaniora are students at the Indonesian Institute of Arts Yogyakarta and trained in theater and performing arts. There works, shown in the Americas, Germany and Asia, respond to conflicts and environmental issues.

Chols Verde & Jean Humaniora são estudantes do Instituto de Artes da Indonésia Yogyakarta e formados em teatro e artes performativas. Seus trabalhos, difundidos nas Américas, na Alemanha e na Ásia, respondem a conflitos e questões ambientais e naturais.

Homeland I [Pátria 1]
Greeca, 2021. 6 min

Parental rating / Classificação indicativa: 18 anos

Creative Team:
Concept, direction, narration and editing: Eugenia Grammenou
Poetry/text: Georgia Diakou
Camera: Eno Athanasiadou, Kalliopi Georgaroudi, Eugenia Grammenou, Despina Chrisidou
Music: Agamemnon Nakos
Vocals: Eno Athanasiadou
Final song: The Boy (Alexandros Voylgaris) – Dagomatia Inner Ear Records
Executive Producer: Kalliopi Georgaroudi

Ficha técnica:
Conceito, direção, narração e edição: Eugenia Grammenou
Poesia/texto: Georgia Diakou
Câmera: Eno Athanasiadou, Kalliopi Georgaroudi, Eugenia Grammenou, Despina Chrisidou
Música: Agamenon Nakos
Vocais: Eno Athanasiadou
Canção final: The Boy (Alexandros Voylgaris) – Dagomatia Inner Ear Records
Produção executiva: Kalliopi Georgaroudi

Location / Locação: Athens, Thessaloniki, Greece

Synopsis:
Homeland I is an art-investigation film about the place of childhood where memories decisively formed a primordial feeling of identity and homeland, fundamental to human existence.

Sinopse:
Homeland I é um filme de arte-investigação sobre o lugar da infância onde as memórias formaram, de modo decisivo, um sentimento primordial de identidade e pátria , fundamental à existência humana.

Mini bio:

Eugenia Grammenou is a Greek interdisciplinary artist and addresses topics such as human nature, identity, time, personal and collective memory through drawing, installation, video art, performance and writing. With a degree in painting from the AUth Academy of Fine Arts, a master’s degree in Cultural Organization Management, she is currently a PhD candidate at the AUTH Faculty of Theater.

Eugenia Grammenou é uma artista interdisciplinar grega e aborda temas como natureza humana, identidade, tempo, memória pessoal e coletiva por meio do desenho, da instalação, da videoarte, da performance e da escrita. Com licenciatura em pintura da Academia de Belas Artes AUth, mestrado em Gestão de Organizações Culturais, atualmente é doutoranda na Faculdade de Teatro da AUTH.

CORPOENTE [Body Sunset]
Brazil, 2021. 18 min

Parental rating / Classificação indicativa: 16

Creative Team:
Direction, costumes, performance and editing: Pedro Lacerda
Script and cinematography: Robério Brasileiro
Camera assistant: Tássio Tavares
Makeup: Ramon Souzah
Creative collaboration: Leonardo França
Production: Eliza Oliver, Tássio Tavares
Executive Producer: Wellyssys Wolfgang

Ficha técnica:
Direção, figurino, performance e montagem: Pedro Lacerda
Roteiro e direção de fotografia: Robério Brasileiro
Assistente de câmera: Tássio Tavares
Maquiagem: Ramon Souzáh
Colaboração criativa: Leonardo França
Produção: Eliza Oliver, Tássio Tavares
Produtor executivo: Wllyssys Wolfgang

Location / Locação: Chapada do Araripe and Sítio Torrinha, Araripina, Pernambuco, Brazil.

Synopsis:
Filmed amidst the caatinga of Araripe Pernambuco, Corpoente is an experimental film that mixes the languages of dance, music and audiovisual to approach the unspeakable.

Sinopse:
Filmado em meio a caatinga verdosa do Araripe pernambucano, Corpoente é um filme experimental que mescla as linguagens da dança, do música e do audiovisual para se aproximar do indizível.

Mini bio:

Pedro Lacerda is a multidisciplinary artist graduated in Visual Arts from the Federal University of Vale do São Francisco. Since 2013, the dancer, performer, photographer and producer has been a member of the Todos Um dos 2 Cia de Dança and the Companhia de Dança do SESC Petrolina.

Pedro Lacerda é um artista multidisciplinar graduado em Artes Visuais pela Universidade Federal do Vale do São Francisco. Desde 2013, o bailarino, performer, fotografo e produtor é integrante da Qualquer Um dos 2 Cia de Dança e da Companhia de Dança do SESC Petrolina.

A Primeira Casa [The First House]
Brazil, 2021. 12 min

unpublished / inédito

Creative Team:
Script, direction, art direction, poetry, performance and production: Alana Barbo
Director of photography and editing: Gau Solaris
Color correction, sound editing and mixing: Maurizio Morelli
Drums and waters: Paulo Victor
Berimbau: Sirc
Art assistants: Karla Luiza, Larissa Novais
Co-production: Imaginary Space

Ficha técnica:
Roteiro, direção, direção de arte, poesia, performance e produção: Alana Barbo
Direção de fotografia e montagem: Gau Solaris
Correção de cor, edição do som e mixagem: Maurizio Morelli
Tambores e águas: Paulo Victor
Berimbau: Sirc
Assistentes de arte: Karla Luiza, Larissa Novais
Co-produção: Espaço Imaginário

Location / Locação: rural neighborhood Rio de Contas, Bahia, Brasil

Synopsis:
“While they sleep with their eyes glazed over, a body-house-woman chews fertile soil and retraces watery paths of abundance that regenerate deserts and the wreckage of a collapsed house. In compacted earth, roots force their way through by exerting enough pressure to dilate the pore or decreasing its size to pass through it in the quest to recreate life.”

Sinopse:
“Enquanto eles dormem com seus olhos vidrados, um corpo-casa-mulher mastiga solo fértil e refaz trajetos aquosos e de abundância que regenera desertos e destroços de uma casa colapsada. Na terra compactada, raízes forçam uma passagem exercendo pressão suficiente para dilatar o poro ou diminuindo o seu tamanho para passar através dele na busca de recriar a vida.”

Mini bio:

Alana Barbo is a transdisciplinary artist. She is dedicated to investigating practices of cultivation and supply of medicinal plants and agroecological foods, and to producing artistic interactions that cross disciplinary boundaries through poetic narratives that rescue and value memories and technologies of care for the Earth, reflecting on the harmful impacts of desertification that Earth and bodies are passing away as an effect of human action. She attended the Interdisciplinary Bachelor of Arts with a concentration in Cinema at the Federal University of Bahia (UFBA).

Alana Barbo é artista transdisciplinar. Se dedica a investigar práticas de cultivo e fornecimento de plantas medicinais e alimentos agroecológicos, e a produzir interações artísticas que atravessam fronteiras disciplinares através de narrativas poéticas que resgatam e valorizam memórias e tecnologias de cuidado com a Terra, refletindo sobre os impactos nocivos da desertificação que a Terra e os corpos estão passando como efeito da ação humana. Cursou o Bacharelado Interdisciplinar em Artes com área de concentração em Cinema na Universidade Federal da Bahia (UFBA).

Ané das Pedras [Ring of Stones]
Brazil, 2021. 15min48s.

unpublished – inédito

Creative Team
Author, director and performer: Barbara Matias
Camera: Jamal Kayry
Visuality: Mamas Kariri, Idiane Crudzar

Ficha técnica:
Autoria, direção e atuação: Barbara Matias
Câmera: Jamal Kayry
Visualidade: Mamas Kariri, Idiane Crudzar

Location / Locação: Comunidade do Gesso, Crato,Ceará

Synopsis:
Ané das Pedras: Ané is a dream. Dreaming about the stones, asking the ancestral stone to be born with health. Listen to it. The stone feels and speaks. The stone is like a dream, it welcomes every body of the Earth. The stone is more experienced than my flesh and blood body, I was once a stone. The stone listened to grandmother’s mother’s story. This performance is a stone-planting ritual as if telling a dream.”

Sinopse:
Ané das Pedras: Ané é sonho. Sonhar pelas pedras, pedir a ancestral pedra para nascer com saúde. Escutá-la. A pedra sente e fala. A pedra é como o sonho, acolhe todo corpo da terra. A pedra é mais experiente que meu corpo de carne e osso, por isso, já fui pedra. A pedra escutou a história da mãe da avó. Essa performance é um ritual de plantação de pedra como quem conta o sonho.”

Mini-bio:

The indigenous actress Barbara Matias, PhD student in Performing Arts at UFMG, belongs to the Kariri people. She was born in 1993 in the community of Marreco (Aldeia Marrecas), Quitaius, Lavras da Mangabeira in Ceará. She transits between different artistic platforms – performing arts, audio visual and writing – to rescue and retell native memories erased by the ethnocide and memoricide of the Kariri nation.

A atriz Barbara Matias, doutoranda em Artes da Cena pela UFMG, é indigena do Povo Kariri. Nasceu em 1993 na comunidade do Marreco (Aldeia Marrecas), Quitaius, Lavras da Mangabeira no Ceará. Transita entre em diferentes plataformas artísticas – artes da cena, áudio visual e escrita – para resgatar e recontar memórias nativas apagadas pelo etnocídio e memoricídio da nação Kariri.

telúrico sonhar [Telluric Dreaming]
Brazil, 2021. 8 min

Creative Team:
Director: mar yã makabra coqito
Editor: Marina Tiev
Captions: Marina Murta
Camera: Tais Itacaramby and Silvie Eidam

Ficha técnica:
Direção: mar yã makabra coqito
Edição: Marina Tiév
Legendas: Marina Murta
Câmera: Tais Itacaramby e Silvie Eidam

Location / Locação: Cerrado, Brasília, DF, Brazil

Synopsis:
“Letting oneself vibrate is to co-regulate the body’s frequencies with the earth’s breathing, release vital energy, listen to the seismic: dancing and being danced, dreaming and being dreamed. How to vibrate together? How to learn to give way to the vital movements of the planet? How to transduce dreams that heal? Telluric Dreaming was created in openness to dreams and listening to the earth.” A film inspired by the text Co-sentindo com Ternura Radical by Dani d’Emilia, Vanessa Adreotti and the collective Gestos para Futuros Decolonials.

Sinopse:
“deixar-se vibrar é co-regular as frequências do corpo à respiração da terra, liberar energia vital, escutar-se sísmica: dançar e ser dançade, sonhar e ser sonhade. como vibrar juntes? como aprender a dar passagem aos movimentos vitais do planeta? como transduzir sonhos que curam? telúrico sonhar foi criado em abertura aos sonhos e a escuta da terra.” Filme inspirado no texto Co-sentindo com Ternura Radical de Dani d’Emilia, Vanessa Adreotti e o coletivo Gestos para Futuros Decoloniais.

Mini-bio:

mar ~ yã/makabra coqito works at the interfaces of performance, street theater, transformist cabaret, therapeutic practices and education. She has a master’s degree in performing arts at UnB and makes creations motivated by political art, feminist justice processes and ancestral medicines, in addition to participating in the Theater of Operations.

mar ~ yã/makabra coqito atua nas interfaces da performance, teatro de rua, cabaré transformista, práticas terapêuticas e educação. Fez mestrado em artes cênicas na UnB e realiza criações motivadas por arte política, processos de justiça feminista e medicinas ancestrais, além de participar do Teatro de Operações.

Terrestrial [Terrestre]
USA, 2022. 5 min.

unpublished / inédito

Creative Team
Video, performance and sound: Faith Johnson
Music: Derek Hoffend
Appearances: Alexandra Jane Williams, Catherine Sherwood

Ficha técnica:
Vídeo, performance e som: Faith Johnson
Música: Derek Hoffend
Aparições: Alexandra Jane Williams, Catherine Sherwood

Location / Locação: traditional lands of the Aucocisco, Wabanaki, Penobscot, Arosaguntacook, Wabanaki, Pequawket, Pawtucket, Massachusett, Pentucket, Nipmuc, Popeloutchom (Amah Mutsun) and Yokuts nations. Also Known As: Portland, ME, Freedom, ME, Mt. Roberts, Moultonborough, NH, Concord, MA, Plum Island, MA, Newburyport, MA, Boston, MA, Ashford CT, Mt. Madonna State Park, CA, Modesto CA, USA

Synopsis:
Terrestrial brings a series of intimately ethereal moments with the natural world filmed with an iPhone during meditative ritual practices sensitive to the subtle language of the more than human world. The work aims to privilege the perspective of the Earth, smoothly merging human presence with the landscape. Terrestrial highlights the complex magic that surrounds us and our interconnection – not just physically – but emotionally and spiritually with this biosphere.

Sinopse:
Terrestre traz uma série de momentos intimamente etéreos com o mundo natural filmadas com um iPhone durante práticas rituais meditativas com sensíveis à linguagem sutil do mundo mais que humano. O trabalho visa privilegiar a perspectiva da Terra, fundindo a presença humana suavemente à paisagem. Terrestre destaca a complexa magia que nos cerca e nossa interconexão – não apenas física – mas emocional e espiritualmente com esta biosfera.

Mini bio:

Faith Johnson is an award-winning interdisciplinary artist based in Boston/USA, She hold an MFA from Tufts University, where she received the Rose Hill Performance Award. She has shown her work at the Open Festival in China, the Navinki Festival in Belarus and the Tactile Bosch Gallery in Wales. Johnson has been a visiting professor at Lesley, Northeastern, Oklahoma, Northern Iowa and Harvard universities. Recently, she was recently accepted as an artist-in-residence at the Arteles Creative Center in Finland.

Faith Johnson é uma artista interdisciplinar premiada sediada em Boston/EUA com um MFA da Tufts University, onde recebeu o Rose Hill Performance Award. Mostrou seu trabalho no Open Festival na China, no Navinki Festival na Bielorrússia e na Tactile Bosch Gallery no País de Gales. Foi professora visitante nas universidades de Lesley, Northeastern, Oklahoma, Northern Iowa e Harvard. Recentemente foi aceita como artista residente no Arteles Creative Center na Finlândia.

DISTANCIAS MÍNIMAS: Configuraciones vastas [MINIMUM DISTANCES: Vast Settings]
Argentina, 2021. 7.30 min

unpublished / inédito

Creative Team:
Idea: Sofia M. Grimaux
Direction and screenplay: Eva Palottini, Delfina Oyuela, Sofía M. Grimaux
Performer: Sofia M. Grimaux
Vocal performance: Delfina Oyuela, Eva Palottini
Editor: Sofia M. Grimaux
Music: “Run From Me” Timber Timbre

Ficha técnica:
Ideia: Sofía M. Grimaux
Direção e roteiro: Eva Palottini, Delfina Oyuela, Sofía M. Grimaux
Performer: Sofía M. Grimaux
Performance vocal: Delfina Oyuela, Eva Palottini
Edição e montagem: Sofia M. Grimaux
Música: “Run From Me” Timber Timbre

Location / Locação: Rio Anisacate, Villa Los Aromos, Córdoba, Argentina

Synopsis:
“WHAT AM I? I am the performer and the subjective camera. I am machine and water in equal proportion. I am this body that has become a shadow, slope and tadpole. I configure myself in river, in stone, in moss. Oedipus gouges out his eyes to see no more. I set my eyes on fire because I had never seen enough.” MINIMUM DISTANCES is a work in process carried out virtually, through the ZOOM, WhatsApp and Google Drive platforms in Córdoba, South and North of the City of Buenos Aires (Argentina).

Sinopse:
“O QUE SOU EU? Eu sou o performer e a câmera subjetiva. Sou máquina e água em igual proporção. Sou esse corpo que virou sombra, declive e girino. Me configuro em rio, em pedra, em musgo. Édipo arranca os olhos para não ver mais. Eu coloquei meus olhos em chamas porque eu nunca tinha visto o suficiente.” DISTÂNCIAS MÍNIMAS é um trabalho em processo realizado virtualmente, através das plataformas ZOOM, WhatsApp e Google Drive de Córdoba, Sul e Norte da Cidade de Buenos Aires (Argentina).

Mini bio:

Sofía M. Grimaux is a performance artist born in Córdoba (Argentina). She studied performing arts at the Universidad Nacional de Córdoba and at the University of Guanajuato, Mexico. For the past two years, she has directed her performative pursuits towards virtual environments.

Sofía M. Grimaux é uma artista performativa, nascida em Córdoba (Argentina) em 1993,. Estudou artes cênicas na Universidade Nacional de Córdoba e complementou seus estudos na Universidade de Guanajuato, México. Como atriz, se apresentou na Argentina, México, Colômbia e El Salvador. Nos últimos dois anos, direcionou sua busca cênica para ambientes virtuais.

A escrita secreta da Samaúma [The Secret Writing of Samaúma]
Brazil, 2021. 21 min

Creative Team:
Creation and performance: Laura Castro, Candice Didonet
Artistic collaborators: Rodrigo Carvalho, Octávio Valente, Daniel Diniz

Ficha técnica:
Criação e performance: Laura Castro, Candice Didonet
Colaboradores artísticos: Rodrigo Carvalho, Octávio Valente, Daniel Diniz

Location / Locação: between João Pessoa and Salvador, Paraíba- Bahia, Brasil.

Synopsis:
The Secret Writing of Sumaúma is an artistic research and an intercultural and inter-species dialogue with the Sumaúma tree, present, above all, in the Amazon. Video essay presented at CARPA7 | Performing Arts Research Center (Tutke) and at Theater Academy at the Colloquium on Artistic Research: Elastic Writing in Artistic Research, organized by Uniarts Helsinki, Finland, August 2021.

Sinopse:
A escrita secreta da Sumaúma é uma pesquisa artística e um diálogo intercultural e inter-espécie com a árvore Sumaúma, presente, sobretudo, na Amazônia. Vídeo-ensaio apresentado no CARPA7 | Performing Arts Research Center (Tutke), Theatre Academy, no Colloquium on Artistic Research: Elastic Writing in Artistic Research, organizado pela Uniarts Helsinki, da Finlândia, em agosto de 2021.

Mini bio:

Laura Castro is a poet, performer and professor at UFBA with research interests in cross literature and different material possibilities of writing. Her work is influenced by epistemologies of indigenous peoples in Brazil.
Candice Didonet is an artist of the body and professor at the Department of Performing Arts at UFPB. Her research interests intersect writing and performance, bringing cosmopolitical images to the choreography.

Laura Castro é poeta, performer e professora da UFBA. O seu interesse de investigação são a literatura cruzada e as diferentes possibilidades materiais da escrita. Atualmente, o seu trabalho é influenciado por epistemologias de povos indígenas no Brasil.
Candice Didonet é artista do corpo e professora no Departamento de Artes Cênicas da UFPB. Seus interesses de investigação cruzam a escrita e a performance, trazendo imagens cosmopolíticas à coreografia.

Tranquility [Tranquilidade]
Mongolia, 2021. 3.08 min

Director and performer: ANUnaran

Direção e performance: ANUnaran

Location / Locação: Altanbulag, Tuv, Mongólia

Synopsis:
“… boldly but gently she ventures into her investigations into the relationship between known and unknown worlds, exploring the boundary between the body and other living beings.”

Sinopse:
“… corajosamente, mas gentilmente ela se aventura em suas investigações sobre a relação entre o mundo conhecido e o desconhecido, explorando a fronteira entre o corpo e outros seres vivos.”

Mini-bio:

Anunaran is a Mongolian contemporary and performance artist who has gained recognition through her Buddhist-inspired artworks about the metaphysical world. Tackling the connection between mortality and immortality and the correlation and contradiction between all things, her creations, filled with metaphors, have as recurring themes the embryo, men and women, figures of nature and animals, as well as circular shapes.

Anunaran é uma artista contemporânea e performática da Mongólia que conquistou reconhecimento através de suas obras de arte de inspiração budista sobre o mundo metafísico, Abordando a conexão entre mortalidade e imortalidade e a correlação e contradição entre todas as coisas, sua criação, repleta de metáforas, têm como temas recorrentes o embrião, homens e mulheres, figuras da natureza e animais, bem como formas circulares.

Skin to Nature [Pele à Natureza]
Malaysia, 2021. 5 min

Creative Team:
Author: Carmen Cheah
Directors: SueKi Yee, Carmen Cheah
Movement Artist: SueKi Yee
Visual Artist: Carmen Cheah Kai Wen
Cameraman and Editor: Ryan Ooi Chun Kit

Ficha técnica:
Autora: Carmen Cheah
Diretoras: SueKi Yee, Carmen Cheah
Artista do movimento: SueKi Yee
Artista visual: Carmen Cheah Kai Wen
Cinegrafista e editor: Ryan Ooi Chun Kit

Location / Locação: Georgetown, Penang, Malásia

Synopsis:
“Skin to Nature” examines the relationship between the body and the elements of nature, whether in terms of function, form, color or even personality. What do we mean when we say “natural” or “human-made”, when we are part of nature? How can we return to nature, how can our body become a “natural” part of nature again? We were looking for functional, aesthetic and essential parallels between the human body/human skin and the elements of nature.”

Sinopse:
“Skin to Nature” examina a relação entre o corpo e os elementos da natureza, seja em termos de função, forma, cor ou até mesmo personalidade. O que queremos dizer quando dizemos “natural” ou “feito pelo ser humano”, quando fazemos parte da natureza? Como podemos retornar à natureza, como nosso corpo pode se tornar novamente uma parte “natural” da natureza? Procurávamos os paralelismos funcionais, estéticos e essenciais entre o corpo humano/pele humana e os elementos da natureza.”

Mini bio:

Carmen Cheah is a Malaysian hair and face artist who likes to experiment with the limits of art forms. SueKi Yee is a Malaysian dancer-choreographer currently residing in Germany, interested in dance versatility, improvisation and multidisciplinary experimentation.

Carmen Cheah é uma artista de cabelo e rosto da Malásia que gosta de experimentar os limites das formas de arte. SueKi Yee é uma bailarina-coreógrafa da Malásia que atualmente residente na Alemanha, interessada na versatilidade da dança, em improvisação e experimentação multidisciplinar.

E-410
Catalonia/Spain, 2020. 3 min

Creative Team:
Authors, editing and production: Jordina Ros, Pere Estadella
Camera and drone: David Pallares
Musical design: Pol Ros

Ficha técnica:
Autoria, edição e produção: Jordina Ros, Pere Estadella
Câmera e drone: David Pallares
Desenho musical: Pol Ros

Location / Localização: Forest and carob factory in Tarragona, Spain.

Synopsis:
Starting from the cultivation of carob, the fruit from which chocolate is extracted, the film shows the encounter, at the same time, cruel and sweet between natural production and industrial production of food and the human body.

Sinopse:
Partindo do cultivo da alfarroba, fruto do qual se extrai o chocolate, o filme mostra o encontro, ao mesmo tempo, cruel e doce entre a produção natural e produção industrial de alimentos e o corpo humano.

Mini bio:

Jordina Ros and Pere Estadella are visual artists trained in different disciplines who work with video performance, face-to-face performance and installation. Currently, they work in natural environments.

Jordina Ros e Pere Estadella são artistas visuais formadas em disciplinas distintas que trabalham com videoperformance, performance presencial e instalação. Atualmente, realizam trabalhos em ambientes naturais.

Eco(ar) – voz em estado de derramamento [ Echo(air) – voice in the state of outpouring]

Brazil, 2021. 4 min

Authors / Autoria: Coletivo Membrana
Performers: Adriele Gehring, Maria Izabel Jaccoud, Maria Julia Kaiser
Camera / Captação de imagens: Maria Izabel Jaccoud, Maria Julia Kaiser.
Edition / Edição: Maria Julia Kaiser.
Location / Locação: Suzano, Biritiba-Mirim, São Paulo, SP, Brasil.

Synopsis / Sinopse:

“To be in constant liquidity of being a tide in blood and water, ancestral perpetuation violated in the nature of recognizing oneself as a woman. Dilute in time, the silences that insist on erasing our true history, finding the connections of body-animal, body-nature, body-land, body-moon, body-water, body-word, body-voice that becomes ECO(AR ) in the redness of our guts. In the multiplicity of decomposition and constant regeneration, in the infinite possibilities of being a cycle in the encounter with the soil of a nation born by force.”

“Estar em constante liquidez de ser maré em sangue e água, perpetuação ancestral violada na natureza do se reconhecer mulher. Diluir no tempo, os silenciamentos que insistem em apagar nossa verdadeira história encontrando as conexões de corpo-bicho, corpo-natureza, corpo-terra, corpo-lua, corpo-água, corpo-palavra, corpo-voz que se faz ECO(AR) na vermelhidão de nossas entranhas. Na multiplicidade de decomposição e regeneração constante, nas infinitas possibilidades de ser ciclo no encontro com um solo de uma nação parida à força.”

Mini bio:

Adriele Gehring is a physical educator and art educator. She has worked as a performer with Chris Belluomini, Beth Bastos, Sandro Borelli, Maura Baiocchi, and Wolfgang Pannek. She is a cofounder of Coletivo Membrana. Bel Jaccoud is an artist of the body and a member of Sarau na Galeria, TF Style and Coletivo Membrana. Maju Kaiser, graduated in Dance from UFV-MG, is a dance teacher at Education in São Caetano do Sul and a member of TFStyle and Coletivo Membrana.

Adriele Gehring é educadora física e arte-educadora. Trabalhou como intérprete-criadora com Chris Belluomini, Beth Bastos, Sandro Borelli, Maura Baiocchi e Wolfgang Pannek. É uma das fundadoras do Coletivo Membrana. Bel Jaccoud é artista do corpo e integrante do Sarau na Galeria, TF Style e Coletivo Membrana. Maju Kaiser, graduada em Dança pela UFV-MG, é professora de dança na Educação de São Caetano do Sul e integrante da TFStyle e do Coletivo Membrana.”

(In)flama o coração da América do Sul [The Heart of South America (in)flames]
Brazil, 2020. 2 min

Direction, screenplay, editing: Mari Gemma De La Cruz

Direção, roteiro, edição: Mari Gemma De La Cruz

Location / Locação: cerrado between Cuiabá and Chapada dos Guimarães, Mato Grosso

Synopsis:
During the Covid-19 pandemic, the vegetation of the Amazon, the Pantanal and the Cerrado was devastated by arson, causing the silent funeral of their biodiversity due to a developmental modernity of which we are victims and executioners. (In)flama the heart of South America is a performance held in August 2020, one year after the fire in the Amazon. In September 2020, on a social network, Bolsonaro, the current president of Brazil, said that “Brazil is the country that most preserves the environment”.

Sinopse:
Durante a pandemia da Covid-19, a vegetação da Amazônia, do Pantanal e do Cerrado foi devastada por incêndios criminosos, provocando o funeral silencioso de sua biodiversidade em função de uma modernidade desenvolvimentista da qual somos vítimas e algozes. (In)flama o coração da América do Sul é uma performance realizada em agosto de 2020, um ano após o incêndio na Amazônia. Em setembro de 2020, em rede social, Bolsonaro, atual presidente do Brasil, disse que “o Brasil é o país que mais preserva o meio ambiente”.

Mini bio:

Mari Gemma De La Cruz has been a visual artist since 2013 when, at the age of 50, she started in photography. She lives in Cuiabá́ (MT) where she developed a look that she defines as ‘biopsychosocial-environmental’. She has held national and international exhibitions with self-portraits, photoperformances and interventions in urban or natural spaces linked to feminism and environmental issues.

Mari Gemma De La Cruz é artista visual desde 2013 quando, aos 50 anos, inicia-se na fotografia. Vive em Cuiabá́ (MT) onde desenvolveu um olhar que define como ‘biopsicosoocioambiental’. Realizou exposições nacionais e internacionais com autorretratos, fotoperformance e intervenções em espaços urbanos ou naturais ligados ao feminismo e às questões ambientais.

Não há palavras, mas eu ainda quero falar [There are no words but I still wanna talk]
Portugal, 2020. 7 min

Creative Team:
Conception, performance and editing: Sofia Sarmento
Videography: Flupsi Utha

Ficha técnica:
Concepção, performance e edição: Sofia Sarmento
Videografia: Flupsi Utha

Location / Locação: Volkspark Friedrichshain, Berlin, Germany

Synopsis:
“What’s left when it’s all been said? How can I move moved by the same desire I speak with? Words are worn out, but the desire to communicate remains.”

Sinopse
“O que resta quando tudo já foi dito? Como posso me mover movido pelo mesmo desejo com que falo? As palavras estão desgastadas, mas o desejo de me comunicar permanece.”

Mini bio:

Sofia Sarmento (*1989) is a Portuguese multidisciplinary performance artist with an academic background in theater and dance (classical and contemporary). Since 2017, she is based in Berlin. In her solo and collaborative work, she explores concepts such as identity, gender, power relations and self-care.

Sofia Sarmento (*1989) é uma artista performativa multidisciplinar portuguesa com formação académica em teatro e dança (clássica e contemporânea). Desde 2017, está sediada em Berlim. Em seu trabalho solo e colaborativo, explora conceitos como identidade, gênero, relações de poder e autocuidado.

Ftalo/Laranja [Ftalo/Orange]
Argentina. 2021. 8 min

Creative Team:
Author: Florencia Ramon
Music: Joaquin Araze
Editor: Ignacio Herrera
Camera: Nicholas Easdale

Ficha técnica:
Autora: Florencia Ramón
Música: Joaquín Araze
Editor: Ignacio Herrera
Cámera: Nicholas Easdale

Location / Locação: Forests of Patagonia. Fire land. Ushuaia

Synopsis:
Video-performance made in the Patagonian forests of Tierra del Fuego in February 2021 in the context of the biggest ecocide (fires caused by political interests) in recent times. The body as a physical, poetic support. The landscape as a stage. The sounds come from a physical experimentation of the voice, the body and the indigenous flutes. Sneaking through the tangles, a body is revealed. A body? How many bodies? A call crackles among the empty bones of a forest. The memory of a lonely dream awakens. Blues and oranges spring from dryness.

Sinopse:
Vídeo-performance realizado nas florestas patagônicas da Terra do Fogo em fevereiro de 2021 no contexto do maior ecocídio (incêndios causados por interesses políticos) dos últimos tempos. O corpo como suporte físico, poético. A paisagem como palco. Os sons vêm de uma experimentação física da voz, do corpo e das flautas indígenas. Esgueirando-se pelos emaranhados, um corpo é revelado. Um corpo? Quantos corpos? Um chamado estala entre os ossos vazios de uma floresta. A memória de um sonho solitário desperta. Azuis e laranjas brotam da secura.

Mini-bio:

Florencia Ramón is an Italian-Argentine visual artist, dancer and performer born in Córdoba. She currently develops her artistic research linked to video art, video performance and video installation, investigating the connections between rituals of ancient cultures and contemporary art, using the body as a support and nature as the setting for her productions. She is a bachelor in Visual Arts from the Faculty of Arts of the National University of Cordoba.

Florencia Ramón é artista visual, dançarina e performer de nacionalidade ítalo-argentina. Nasceu em Córdoba em 1992. Atualmente desenvolve sua pesquisa artística vinculada à videoarte/videoperformance/videoinstalação, investigando as ligações entre rituais de culturas antigas e o fazer artístico contemporâneo, utilizando o corpo como suporte e a natureza como cenário de suas produções.
Bacharel em Artes Visuais pela Faculdade de Letras da Universidade Nacional de Córdoba.

The Labour of Panic [O Trabalho do Pânico]
Croatia, 2021. 21 min

Creative Team:
Author: BADco. Collective of authors formed by Natasa Antulov, Ana Marija Brđanović, Ema Crnic, Goran Ferčec, Siniša Ilic, Ana Kreitmeyer, Marta Krešić, Tomislav Medak, Leo Modrčin, Goran Petercol, Nikolina Pristaš, Goran Sergej Pristaš, Kalliopi Siganou, Aleksandra Stojakovic Olenjuk, Avoid Tsakalaki.
Orchestras: KUD Brass Orchestra “Sloga” Ravna Gora, ZET Orchestra of Zagreb
Text: Goran Fercec
Music: Gordon Tudor
Costume designer: Silvio Vujičić
Camera: Nina Đurđević, Hrvoje Franjić
Drones: Goran Skelac, Vatroslav Španiček
Directed by: Goran Sergej Pristaš”

Ficha técnica:
Autoria: BADco. Coletivo de autores formado por Natasa Antulov, Ana Marija Brđanović, Ema Crnic, Goran Ferčec, Siniša Ilic, Ana Kreitmeyer, Marta Krešić, Tomislav Medak, Leo Modrčin, Goran Petercol, Nikolina Pristaš, Goran Sergej Pristaš, Kalliopi Siganou, Aleksandra Stojakovic Olenjuk, Evita Tsakalaki.
Orquestras: Orquestra de metais KUD “Sloga” Ravna Gora, Orquestra ZET de Zagreb
Texto: Goran Ferčec
Música: Gordan Tudor
Figurino: Silvio Vujičić
Câmera: Nina Đurđević, Hrvoje Franjić
Drones: Goran Skelac, Vatroslav Španiček
Direção: Goran Sergej Pristaš”

Location / Locações: Grobnik Field, Croatia; Blato, Zagreb, Croatia.

Synopsis:
The Labor of Panic is a happening set in the Grobnik Valley and Blato in Zagreb, an infrastructural environment of lines and networks of great proportions, speeds and loads where nature and technological systems meet, inverting the proportions of human experience. everyday.

Sinopse:
The Labour of Panic é um happening ambientado no Vale de Grobnik e em Blato em Zagreb, um ambiente infra-estrutural de linha e redes de grandes proporções, velocidades e cargas onde natureza e sistemas tecnológicos se encontram, invertendo as proporções da experiência humana cotidiana.

Mini bio:

BADco. is a collaborative performance collective founded in 2000 and based in Zagreb, Croatia. Comprised of choreographers/dancers, playwrights, a philosopher and a producer, the company investigates performance, presentation and observation protocols, structuring its projects around different formal and perceptual relationships and contexts.

BADco. é um coletivo de performance colaborativo fundado em 2000 e sediado em Zagreb, Croácia. Formado por coreógrafos/dançarinos, dramaturgos, um filósofo e um produtor, a companhia investiga protocolos de performance, apresentação e observação, estruturando seus projetos em torno relações e contextos formais e perceptivos diversos.

Shapeshifting Game [Jogo de Mudança de Forma]
Philippines, USA, Germany, Taiwan, 2021. 6.13 min

Creative Team
Performance and choreography: Leonard Cruz
Original look and music: Dana Lyn
Film: Detlef Thomas

Ficha técnica
Performance e coreografia: Leonard Cruz
Visual e música original: Dana Lyn
Filme: Detlef Thomas

Location / Locação: Essen-Werden, Germany

Synopsis
In many indigenous Filipino mythologies and folklore, shapeshifting designates the ability to physically transform through an inherently superhuman and/or divine spirit. Leonard Cruz explores and transforms into five different types of birds and uses Storytelling to convey his Asian identity and struggles.

Sinopse:
Em muitas mitologias e folclores indígenas filipinos, mudança de forma designa a capacidade de se transformar fisicamente através de um espírito inerentemente sobre-humano e/ou divino. Leonard Cruz explora e se transforma em cinco tipos diferentes de pássaros e usa o Storytelling para transmitir sua identidade asiática e suas lutas.

Mini bio:

Brooklyn-based musician and songwriter, Dana Lyn has performed at New York’s Lincoln Center, Beacon Theatre, Brooklyn Academy of Music, Carnegie Hall and Town Hall, as well as folk festivals around the world.

Dr. Leonardo Cruz is the founder of the Creativity, Arts and Resilience Project (C.A.R.P.) – he is a performer, choreographer, teacher, promoter of creative inclusion and advocate of contemplative culture.

A musicista e compositora Dana Lyn, sediada em Brooklyn, se apresentou no Lincoln Center de Nova York, no Beacon Theatre, na Brooklyn Academy of Music, no Carnegie Hall e no Town Hall, bem como em festivais folclóricos em todo o mundo.

Dr. Leonardo Cruz é o fundador do Creativity, Arts and Resilience Project (C.A.R.P.) – é performer, coreógrafo, professoro, promotor de inclusão criativa e defensor da cultura contemplativa.

Narrativas Espirais [Spiral Narratives]
Brazil, 2021. 12 min

unpublished / inédito

Creative Team
Poetry, dance and editing: Gerson Moreno
Camera: Ernany Braga and Cacheado Braga
Aerial footage: Guilherme TX
Director of photography: Cacheado Braga

Ficha técnica
Poesia, dança e edição: Gerson Moreno
Câmera: Ernany Braga e Cacheado Braga
Imagens aéreas: Guilherme TX
Direção de fotografia: Cacheado Braga

Location / Locação: Sertão (caatinga), periphery, construction site and bridge in Itapipoca, Ceará, Brazil.

Synopsis:
In transits and instantaneous permanences, Gerson Moreno incorporates entities of yesterday and today, palpable ancestors that inhabit and reconfigure themselves in the hinterland and in the city, between stones, caatinga, viaducts, railways, buildings and peripheries, with knife in hand, cap and crown in head. Distinctive costumes and ambiences, unique presences/presentifications that materialize in emerging terms, evoking narratives of black resistance, demarcating territories of struggle and political claims, aspiring to other times and announcing new times to come: utopias that eco-dance.

Sinopse:
Em trânsitos e permanências instantâneas, Gerson Moreno incorpora entidades de ontem e hoje, ancestrais palpáveis que habitam e se reconfiguram no sertão e na cidade, entre pedras, caatinga, viadutos, ferrovias, prédios e periferias, de faca na mão, boné e coroa na cabeça. Distintos figurinos e ambiências, singulares presenças/presentificações que se materializam nas vigências emergentes, evocando narrativas de resistência preta, demarcando territórios de luta e reinvindicação política, aspiralando tempos outros e anunciando tempos novos que hão de vir: utopias que eco-dançam.

Mini-bio:

Gerson Moreno is a dance artist, educator, multimedia, writer, rural artist who has been active in Ceará for 30 years. He develops collective research processes in ancestral dances of black, indigenous and peripheral women, as well as their implications in contemporaneity. He graduated from the Colégio de Dança do Ceará, graduated in pedagogy from the Faculty of Education of Itapipoca (FACEDI / UECE) with a specialization in Biocentric Education and Master in Education from the Federal University of Ceará (UFC). He is director of Cia Balé Baião and curator/producer of the West Coast Dance Festival.

Gerson Moreno é artista de dança, educador, multimídia, escritor, artivista interiorano atuante no Ceará há 30 anos. Desenvolve processos coletivos de pesquisAção em danças ancestrais de motrizes negras, indígenas e periféricas, bem como suas implicações na contemporaneidade. É formado pelo Colégio de Dança do Ceará, graduado em pedagogia pela Faculdade de Educação de Itapipoca (FACEDI/UECE) com especialização em Educação Biocêntrica e Mestre em Educação pela Universidade Federal do Ceará (UFC). É diretor da Cia Balé Baião e curador/produtor do Festival de Dança do Litoral Oeste.

Venus en el pudridero [Venus in the Putrifier]
Chile, 2021. 6 min

Creative Team
Director: Claudia Moreno Pastenes
Performer: Luz Domic Siede
Cinematography: Daniel Meneses Ramos
Textile production: Enya Sanchez Castillo
Sound design: Daniel Astudillo Contreras
Assistant Director: Miguel Villagran Contreras
Production Assistant: Ronald Rojas Brevis

Ficha técnica
Direção: Claudia Moreno Pastenes
Performer: Luz Domic Siede
Cinematografia: Daniel Meneses Ramos
Produção têxtil: Enya Sanchez Castillo
Sound design: Daniel Astudillo Contreras
Assistente de direção: Miguel Villagran Contreras
Assistente de produção: Ronald Rojas Brevis

Location / Localização: Costa de Mejillones, Mejillones, Segunda Região de Antofagasta, Chile

Synopsis:
Venus is an anti-goddess that emerges from the polluted foam of the northern Chilean sea. It appears as a “soul in torment”, an expression of a latent threat, of the savage pollution that turned the bay’s territory into a “Sacrifice Zone”. Venus personifies the advance of the Chilean extractive economy, presenting itself as an enigma revealed through geography and the tones and textures of different costumes.

Sinopse:
Vênus é uma antideusa que emerge da espuma poluída do mar do norte do Chile. Aparece como uma “alma em tormento”, expressão de uma ameaça latente, da poluição selvagem que tornou o território da baía em uma “Zona de Sacrifício”. Vênus personifica o avanço da economia extrativista chilena, apresentando-se como um enigma revelado através da geografia e de tons e texturas de diferentes figurinos.

Mini bio:

Claudia Moreno Pastenes, born in Antofagasta, Chile, has been working since 2018 as a producer for several theater groups, in addition to directing the theater and memory festival “Matanza en tu Plaza”. She is currently building a self-managed cultural center for young artists in an abandoned house. Her work is closely linked to the arts of the territory and the environmental claim of one of Chile’s sacrifice zones.

Claudia Moreno Pastenes, nascida em Antofagasta, Chile, trabalha desde 2018 como produtora de diversos grupos teatrais, além de dirigir o festival de teatro e memória “Matanza en tu Plaza”. Atualmente, ela está construindo um centro cultural autogerido para jovens artistas em uma casa abandonada. Seu trabalho está intimamente ligado às artes do território e à reclamação ambiental de uma das zonas de sacrifício do Chile.

Esgotamento Contínuo [Continuous Exhaustion]
Brazil, 2021. 23:58 min

CREATIVE TEAM
Conception, creation and interpretation: Samira Marana
Soundtrack: Samira Marana and Guto Souza
Production, editing, mixing and mastering: Guto Souza
Guitar and fife: Guto Souza
Fife and voice over: Samira Marana
Sampled voices: Luis Inácio Lula da Silva (Excerpt from the film “”Workers present””, by João Batista de Andrade), Jair Bolsonaro (CBN Campo Grande), Cacique Raoni Kaiapó (interview for the special Amazônia Resiste, Agência Pública) and Davi Kopenawa Yanomami (interview for Instituto Socioambiental)
Texts: “Lira Itabarana” (Carlos Drummond de Andrade) and excerpt from the book “Bisneta do Ventre Livre” (Eva Irene Correa Martins, my grandmother)
Image capture: Rubens Oliveira
Production and lighting: Washington Gabriel
Directed by: Gumboot Dance Brazil

Ficha técnica
Concepção, criação e interpretação: Samira Marana
Trilha sonora: Samira Marana e Guto Souza,  ”Canto do Povo Pataxó no manifesto contra o PL490 e o Marco Temporal na praça dos 3 poderes em Brasília. Agosto, 2021.
Produção, edição, mixagem e masterização: Guto Souza
Violão e pífano: Guto Souza
Pífano e voz off: Samira Marana
Vozes sampleadas: Luis Inácio Lula da Silva (Trecho do filme “”Trabalhadores presente”", de João Batista de Andrade), Jair Bolsonaro (CBN Campo Grande), Cacique Raoni Kaiapó (entrevista para o especial Amazônia Resiste, Agência Pública) e Davi Kopenawa Yanomami (entrevista para Instituto Socioambiental)
Textos: ”Lira Itabirana” (Carlos Drummond de Andrade) e trecho do livro “Bisneta do Ventre Livre” (Eva Irene Correa Martins, minha avó)
Captação de imagem: Rubens Oliveira
Produção e luz: Washington Gabriel
Realização: Gumboot Dance Brasil

Location / Locação: Espaço Clariô de Teatro, Taboão da Serra.

Synopsis:
Solo by Samira Marana that questions the social, economic and environmental impacts of mining and steel in Brazil and around the world through gesture, sound and poetry. Project contemplated in the 1st Edition of the Aldir Blanc Award for Supporting Culture in the City of São Paulo.

Sinopse:
Solo de Samira Marana que questiona os impactos sociais, econômicos e ambientais da mineração e da siderurgia no Brasil e ao redor do mundo através do gesto, do som e da poesia. Projeto contemplado na 1° Edição do Prêmio Aldir Blanc de Apoio a Cultura da Cidade de São Paulo.

Mini bio:

The dancer Samira Marana is graduated from UNICAMP and certified by the Bertazzo Method of Reeducation of Movement. Since 2008, she has been working in the dance scene in the city of São Paulo in companies such as TeatroDança Ivaldo Bertazzo, OMSTRAB Center for Contemporary Dance, Companhia de Danças de Diadema, in addition to being part of the Gumboot Dance Brasil group.
A bailarina Samira Marana é graduada pela UNICAMP e certificada pelo Método Bertazzo de Reeducação do Movimento. Desde 2008, atua no cenário da dança na cidade de São Paulo em companhia como TeatroDança Ivaldo Bertazzo, Núcleo OMSTRAB de Dança Contemporânea, Companhia de Danças de Diadema,a além de integra o grupo Gumboot Dance Brasil.

NIIMI s/he dances. – Wood. Wide. Web. [NIIMI ela/e dança]
Canada, 2021. 25 min

Authors / Autoria: Digital Dramaturgy Lab, formed by Candy (Otsíkh:èta) Blair, Antje Budde, Jill Carter, Lars Crosby, Nina Czegledy, Astad Deboo, Dave Kemp, Karyn McCallum, Don Sinclair

Location / locação: Tkaronto, Turtle Island, Toronto, Canada

Synopsis / Sinopse:

NIIMI dance is an artistic and performative project – at the intersections of politics, arts and sciences of decolonization – that explores the creation of relationships between humans and trees.

NIIMI dança é um projeto artístico e performativo – nas interseções de políticas, artes e ciências de descolonização – que explora a criação de relações entre seres humanos e árvores.

Mini bio:

Based in Toronto, Digital Dramaturgy Lab_squared explores the relationships between humans, non-humans, technology, arts and sciences.

Sediado em Toronto, o Digital Dramaturgy Lab_squared explora as relações entre humanos, não humanos, tecnologia, artes e ciências.